Adobe vừa trình làng phiên bản rút gọn của phần mềm Photoshop và Illustrator trên nền web để người dùng chỉnh sửa nhanh tệp lưu ở đám mây. Việc này sẽ cho phép người dùng chỉnh sửa các tệp đồ họa trực tiếp mà không cần tải xuống và mở ứng dụng. Đây là một nâng cấp được trông đợi của hai phần mềm này. Với phiên bản trên trình duyệt của Photoshop và Illustrator người dùng có thể chỉnh sửa cơ bản như thay đổi vị trí các Layer, để lại chú thích, dùng các công cụ cơ bản như Eraser Tool, Spot Healing Brush, Selection Lasso. Nhưng để thực hiện những kỹ thuật phức tạp hơn, người dùng cần sử dụng phiên bản phần mềm đầy đủ. “Chúng tôi không đem tất cả công cụ lên nền tảng web quá vội vàng. Nhưng công ty muốn tất cả tính năng chỉnh sửa cơ bản có thể hoạt động tốt trên trình duyệt”, Scott Belsky, Giám đốc sản phẩm của Adobe nói. Ông mô tả phiên bản web của Photoshop sẽ cung cấp khả năng chỉnh sửa nhẹ nhàng với các tệp PSD. Những công cụ này là một phần trong kế hoạch giúp người dùng sử dụng dịch vụ đám mây Creative Cloud làm việc dễ dàng hơn. The Verge cho biết Photoshop và Illustrator trên web mang đến khả năng làm việc nhóm từ xa với các tệp đồ họa đơn giản hơn. Trước đây, đồng nghiệp, đối tác có để lại chú thích, nhận xét trên tài liệu. Với các thay đổi mới nhất, họ có thể thực hiện một số chỉnh sửa cơ bản. Bên cạnh đó, Adobe sẽ bổ sung thêm bảng điều khiển để người dùng Photoshop trên máy tính xem lại nhận xét của đồng nghiệp hay đối tác. Đồng thời trên nền web, công ty đang nâng cấp trung tâm cộng tác để các nhóm sắp xếp tài nguyên thiết kế của những dự án lớn. Để sử dụng Photoshop trên trình duyệt, người dùng cần đăng ký dịch vụ đám mây Creative Cloud. Phiên bản thử nghiệm đã có sẵn từ 26/10. Trong khi đó để trải nghiệm Illustrator nền web, khách hàng cần đăng ký và chờ Adobe xét duyệt. Cre: zing (Comic Media Academy)

Các mạng xã hội Facebook, Instagram và đặc biệt là sự phát triển của Tiktok trong những năm gần đây đã tạo nên một làn sóng truyền thông mới, đó là truyền thông bằng thị giác (Visual Communication) THẾ NÀO LÀ TRUYỀN THÔNG THỊ GIÁC? Truyền thông thị giác là hình thức truyền tải các thông điệp đến với người đọc thông qua thị giác bằng các hình thức: meme, hình ảnh minh hoạ và comic strip. Trong đó, comic strip được xem là hình thức vừa sử dụng hình ảnh và chữ viết cùng một lúc, mang lại hiệu quả truyền thông cao. COMIC STRIP – HÌNH THỨC TRUYỀN THÔNG THỊ GIÁC MỚI Nhiều nghiên cứu cho thấy, so với việc xử lý văn bản thì bộ não xử lý hình ảnh nhanh hơn 60.000 lần. Do vậy, truyền thông bằng hình ảnh, cụ thể là comic strip sẽ đem đến những lợi ích sau: Tiết kiệm thời gian: So với việc phải đọc chữ để liên kết và hiểu nội dung thì việc dùng comic strip sẽ giúp người xem thấy được hình ảnh bao quát của câu chuyện, do đó tiết kiệm thời gian. Nhất là trong giai đoạn hiện nay, khi tất cả những thông tin trên các trang mạng xã hội đều đươc giới hạn thời gian xuất hiện chỉ trong một động tác “lướt” của người dùng. Ghi nhớ thông tin tốt hơn: Não người ghi nhớ tốt hơn những thông tin dưới dạng hình ảnh. Một hình ảnh đẹp hoặc lạ mắt sẽ gây kích thích não bộ và lưu lại ấn tượng tốt hơn. Truyền đạt thông tin đầy đủ, trực quan, rõ ràng: So với các hình thức truyền thông bằng thị giác khác như meme, tranh minh hoạ,… thì comic strip tỏ ra ưu việt hơn vì có sự kết hợp cả chữ lẫn hình ảnh, vừa phát huy được thế mạnh của hình ảnh, vừa đảm bảo truyền đạt thông tin đầy đủ, ít dẫn đến sự suy luận gây hiểu lầm. MỘT COMIC STRIP CẦN CÓ NHỮNG GÌ ĐỂ TRUYỀN THÔNG ĐƯỢC HIỆU QUẢ? Thứ nhất, một comic strip muốn gây được ấn tượng cần phải đầu tư về mặt hình ảnh. Comic strip của bạn là một truyện đơn lẻ hay là một series? Nếu là series, bạn có nét đặc trưng riêng để nhận diện hay không? Nhân vật của bạn là ai? Màu sắc sử dụng có những tone nào? Một comic strip ấn tượng đôi lúc không cần phải đẹp, nhưng cần phải lạ mắt, thú vị, khiến người xem cảm thấy thích thú. Nhân vật Thỏ Con của chuỗi comic strip Đầm Lầy là một ví dụ, mặc dù tên là Thỏ Con, nhưng đó thực chất là một con hổ với tính cách vô cùng thích trai đẹp. Thứ 2, comic strip cần đầu tư vào nội dung. Vì hình thức đăng tải chủ yếu là trên các trang mạng xã hội, vì thế một comic strip không thể quá dài. Bạn cần phải tập kể câu chuyện ngắn gọn trong vòng 1 trang nhưng đảm bảo truyền đạt đủ nội dung và đem đến cảm xúc cho người đọc, khiến họ cảm thấy thú vị hoặc đồng cảm. Thứ 3, cần phải đảm bảo cân đối giữa khối lượng hình ảnh và chữ. Không chỉ vì số lượng chữ quá nhiều sẽ làm giảm sự ghi nhớ của người xem, mà còn là vì các trang mạng xã hội thường có thuật toán giới hạn sự xuất hiện của những bài đăng quá nhiều chữ. Số lượng chữ viết ngắn gọn, súc tích, đầy đủ, thú vị,… là một thử thách với những bạn muốn làm truyền thông bằng hình thức comic strip. (Comic Media Academy)

Tác phẩm nằm trong một dự án cộng đồng rất ý nghĩa đến từ Gia Nghi, học viên lớp Webtoon Online K06. Hiện đang là học sinh THPT nhưng Gia Nghi và những người bạn của mình đã dành nhiều sự quan tâm cho các vấn đề cộng đồng. Sweetener là một dự án phi lợi nhuận được bạn lập ra để phổ cập kiến thức và nâng cao hiểu biết của cộng đồng về căn bệnh tiểu đường, không chỉ bằng những bài viết hữu ích mà còn có một sê-ri truyện tranh cực kì hấp dẫn. Tác phẩm truyện tranh này đã được Gia Nghi ấp ủ và thực hiện ngay trong thời gian học tập với khóa Webtoon Online của CMA. Và ngay sau khi kết thúc khóa học 36 buổi Gia Nghi đã cho ra mắt chap truyện đầu tiên của mình trên chiếc fanpage ý nghĩa này >> Xem Chap 1 tại ĐÂY ——— 𝐾ℎ𝑜́𝑎 ℎ𝑜̣𝑐 𝑊𝑒𝑏𝑡𝑜𝑜𝑛 𝑂𝑛𝑙𝑖𝑛𝑒 𝑠𝑒̃ ℎ𝑢̛𝑜̛́𝑛𝑔 𝑑𝑎̂̃𝑛 𝑏𝑎̣𝑛 𝑛ℎ𝑢̛̃𝑛𝑔 𝑘𝑦̃ 𝑛𝑎̆𝑛𝑔 𝑣𝑒̃ 𝑡𝑟𝑢𝑦𝑒̣̂𝑛 𝑡𝑟𝑎𝑛ℎ 𝑐𝑎̂̀𝑛 𝑡ℎ𝑖𝑒̂́𝑡 𝑣𝑎̀ 𝑐𝑎̆𝑛 𝑏𝑎̉𝑛, đ𝑎̣̆𝑐 𝑏𝑖𝑒̣̂𝑡 𝑢̛́𝑛𝑔 𝑑𝑢̣𝑛𝑔 𝑐ℎ𝑜 𝑡ℎ𝑒̂̉ 𝑙𝑜𝑎̣𝑖 𝑤𝑒𝑏𝑡𝑜𝑜𝑛 𝑡𝑟𝑒̂𝑛 𝑛𝑒̂̀𝑛 𝑡𝑎̉𝑛𝑔 𝑤𝑒𝑏 𝑣𝑎̀ 𝑐𝑎́𝑐 𝑡ℎ𝑖𝑒̂́𝑡 𝑏𝑖̣ 𝑑𝑖 đ𝑜̣̂𝑛𝑔. Sáng tác webtoon cho riêng bạn sau khóa học với CMA >> Thông tin khóa học: click vào ĐÂY (Comic Media Academy)

1/ DORAEMON CHÚ MÈO MÁY THÔNG MINH Doraemon là bộ truyện tranh Nhật Bản nổi tiếng của tác giả Fujiko Fujio được sáng tác từ năm 1969. Bộ truyện kể về một chú mèo máy tên là Doraemon đến từ thế kỷ 22 để giúp cậu bé hậu đậu Nôbita. Các câu chuyện của Doraemon thường ngắn gọn, dễ hiểu, dí dỏm và mang cái nhìn lạc quan về cuộc sống tương lai cũng như sự phát triển của khoa học – kỹ thuật. Doraemon đã giành được nhiều giải thưởng truyện tranh ở Nhật Bản và được tạp chí Time Asia bình chọn là một trong 22 nhân vật nổi bật của châu Á. Kể từ khi ra đời đến nay, Doraemon không chỉ được coi là nhân vật và bộ truyện tranh được yêu thích hàng đầu ở Nhật Bản, nó còn trở thành một biểu tượng văn hóa của đất nước này và được trẻ em nhiều nước trên thế giới yêu thích. 2/ NHÓC MARUKO Nhóc Maruko là tác phẩm nổi tiếng nhất của tác giả Momoko Sakura. Momoko bắt đầu tạo nên Maruko vào năm 1984, dựa trên ký ức mơ hồ của bà về những năm tháng thơ ấu hồi những năm 70. Nhóc Maruko kể về cô bé học sinh lớp 3 tên thật là Momoko Sakura nhưng được bạn bè gọi với cái tên Maruko. Nét vẽ cực kỳ đơn giản, nhìn vào như học sinh tập vẽ vậy, nhưng lại nhận được sự thu hút lớn của độc giả bởi nội dung đơn giản, vui tươi cùng nhiều chi tiết cảm động.   Trong gia đình, cô bé Maruko là con gái út, sống chung với một chị gái lớp 6, ông bà và bố mẹ. Gia đình 3 thế hệ “nghèo rớt mùng tơi” sống bên nhau gây ra đủ câu chuyện dở khóc dở cười. Truyện tập trung xoay quanh các mối quan hệ của Maruko, trong trường học rồi tới khi về nhà. Ngoài ra bộ truyện còn lồng ghép khéo léo để truyền tải về các nét văn hóa đặc trưng của người Nhật qua con mắt nhìn của cô bé 9 tuổi. 3/ DRAGON BALL (BẢY VIÊN NGỌC RỒNG) Dragon Ball mô tả cuộc hành trình của Son Goku từ lúc bé đến khi trưởng thành, qua các lần tầm sư học võ và khám phá thế giới để truy tìm các viên ngọc rồng với điều ước từ rồng thiêng. Trong suốt cuộc hành trình của Son Goku, cậu đã gặp được nhiều bạn bè và chống lại những kẻ hung ác có ý định dùng điều ước từ rồng thiêng để làm bá chủ thế giới. Đây là bộ manga rất có ý nghĩa về tình bạn thiêng liêng và khát vọng hòa bình của con người. 4/ NHÓC MIKO Nhóc Miko là cô bé nhí nhảnh là một loạt manga Nhật Bản do họa sĩ Ono Eriko sáng tác vào năm 2007. Bộ truyện kể về cuộc đời của cô bé Yamada Miko – một nhóc tì nghịch ngợm, đáng yêu. Đây là tập truyện được nhiều bạn nhỏ yêu thích vì thông qua những tình huống gần gũi trong cuộc sống hàng ngày của nhân vật Miko. Ở trường học, Miko chơi thân với một nhóm bạn gồm 6 người tượng trưng cho 6 tính cách khác nhau đã tạo nên những sắc màu riêng biệt, gợi cho người đọc về bức tranh tuổi học trò với những khoảnh khắc ngộ nghĩnh nhưng cũng không kém phần tai quái. Ở nhà, Miko lại là chị cả trong gia đình. Dù rất hay quậy phá, chọc ghẹo em mình là Yamada Mamoru nhưng Miko lại là một người chị vô cùng thương em.  Qua từng nét vẽ gợi tạo của họa sĩ tài ba Ono Eriko, hình ảnh Miko hiện lên trong từng trang truyện vô cùng chân thực và sống động hơn bao giờ hết. Đây sẽ là một bộ manga mà bất cứ bạn trẻ ở mọi độ tuổi cũng đều dễ dàng bị lôi cuốn trong những câu chuyện đầu tiên. 5/ POKEMON Bộ truyện nói về một cậu bé tên là Red, là một nhà huấn luyện pokemon và được giáo sư Oak giao nhiệm vụ hoàn thành bộ Pokemon của mình. Và trên hành trình, cậu đã gặp gỡ các nhà huấn luyện pokemon và các loài Pokemon khác, đặc biệt là chú Pikachu của cậu. Họ phải đối mặt với nhiều nguy hiểm và vượt qua nhiều, âm mưu của tổ chức bí ẩn. (Comic Media Academy)

10h sáng thứ bảy, ngày 30.10.2021, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Talkshow online cuối cùng trong chuỗi talkshow tư vấn-định hướng nghề của Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam sẽ lên sóng và đưa các bạn đến gặp những vị khách mời đặc biệt và siêu dễ thương, để cùng tìm hiểu về chuyện học-chuyện làm trong ngành Digital painting: Họa sĩ Tô Bảo Ân, Giảng viên-Trưởng ngành Digital painting tại CMA Họa sĩ Hồ An, Giảng viên ngành Digital painting tại CMA Họa sĩ Nguyễn Thanh Nhàn (xnhan00), người họa sĩ mê lá yêu vẽ tranh với những tác phẩm nhẹ nhàng đầy rung cảm. Bạn muốn biết -Digital painting có gì khác biệt so với thiết kế đồ họa? -Bạn có thể ứng dụng Digital painting vào những công việc nào? -Bắt đầu và tìm kiếm công việc với ngành Digital painting ra sao? -Chương trình đào tạo Digital painting tại CMA có những ưu điểm gì? Hãy bật chế độ ghi nhớ để đón xem talkshow thú vị này vào sáng thứ 7 nhé. Với những kiến thức chuyên môn vững vàng và kinh nghiệm sáng tác ứng dụng thực tế nhiều năm, các khách mời sẽ cung cấp những thông tin hữu ích giúp bạn giải đáp các thắc mắc về ngành nghề Digital painting đầy hấp dẫn. Bạn có thể đặt trước câu hỏi ngay hôm nay: Link đặt câu hỏi Đây cũng là cơ hội cuối để rinh voucher 1,000,000đ của CMA, áp dụng cho tất cả khóa học. Phần quà này dành tặng bạn có câu hỏi hay nhất trong talkshow đó. Đừng bỏ lỡ bạn nhé. —————- Chương trình nằm trong chuỗi Talkshow Online tư vấn và định hướng nghề nghiệp cho chuyên ngành Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting do CMA tổ chức với hình thức online vào 10h sáng thứ 7 hàng tuần, từ 02/10-31/10, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Tương lai có thể mở ra từ một cánh cửa nhỏ, cùng CMA tìm chìa khóa từ chuỗi talkshow đặc sắc này nhé. —————————— VIỆN TRUYỆN TRANH & HOẠT HÌNH VIỆT NAM – COMIC MEDIA ACADEMY VN Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Các họa sĩ có thể tạo ra rất nhiều tác phẩm nghệ thuật ấn tượng từ những đề tài đơn giản và quen thuộc. Tại triển lãm của mình, họa sĩ WanJin Gim đến từ Seoul đã khiến công chúng rất bất ngờ và ấn tượng về những tác phẩm mô tả nét đẹp cơ thể với cách dùng màu và ánh sáng tuyệt đẹp. Chia sẻ về tác phẩm, họa sĩ cho biết “Tôi thường sử dụng bút chì màu và phấn dầu. Cả hai đều có giới hạn về màu sắc, vì vậy tôi cần chồng chúng lên nhau để tạo ra một màu mà tôi thích. Ngay cả khi tôi không thể thể hiện được màu sắc mà mình định tạo ra, tôi vẫn hài lòng với hiệu ứng đặc biệt đến từ sự không hoàn hảo ấy”. >> Cùng chiêm ngưỡng một số tác phẩm của họa sĩ WanJin Gim: Cre: @willeys_art và group Maybe This Art Should Be Known (Comic Media Academy)

Sở hữu lối kể chuyện bằng ngôn ngữ hình ảnh với nội dung đã được kiểm chứng thông qua lượng độc giả trung thành, Webtoon từ lâu đã trở thành nguồn nguyên liệu dồi dào cho các nhà làm phim. Là nơi khai sinh ra Webtoon, Hàn Quốc cũng là quốc gia đi đầu trong phong trào chuyển thể và mang đến khán giả rất nhiều tác phẩm ấn tượng với đủ thể loại. Nhân dịp bộ phim Yumi’s cells đang phát sóng và nhận được rất nhiều sự quan tâm của khán giả, hãy cùng CMA điểm qua một số bộ phim Hàn Quốc nổi tiếng được chuyển thể từ Webtoon nhé. 1/ Yumi’s cells Đây là bộ phim đầu tiên của Hàn Quốc có sự kết hợp giữa diễn viên người thật và nhân vật hoạt hình 3D. Bộ phim miêu tả cuộc sống hàng ngày từ góc nhìn của các tế nào chịu trách nhiệm kiểm soát các vấn đề suy nghĩ và tinh thần bên trong Yumi, một nhân viên bình thường có tế bào tình yêu rơi vào hôn mê sau những tổn thương tình cảm. Trên hành trình đánh thức các tế bào sinh động của mình, cô đã gặp các đối tượng khác nhau trong đó có chàng trai bên ngoài xuề xòa nhưng nội tâm ấm áp, tốt bụng là Goo Woong. 2/ What’s Wrong with Secretary Kim Ra mắt năm 2018, được xem là bộ phim dẫn đầu cho trào lưu chuyển thể từ webtoon và được rất nhiều khán giả yêu thích khi luôn có mặt trong danh sách những bộ phim hài tình cảm đáng xem. Bộ phim xoay quanh phó chủ tịch Lee Young Joon đẹp trai cao ngạo của một tập đoàn lớn tại Hàn Quốc và cô thư ký Kim Mi So xinh đẹp và thông minh. Sau 9 năm làm việc thư ký Kim đã xin từ chức khiến phó chủ tịch Lee phải tìm mọi cách giữ cô lại. Hai người dần nảy sinh nhiều cảm xúc, đan xen cả những mối liên hệ bí ẩn trong quá khứ. 3/ True Beauty Nói đến phim chuyển thể từ webtoon nổi bật nhất trong năm 2020, không thể bỏ qua cái tên True Beauty. Bộ phim kể về nữ chính Im Ju Gyeong, một cô nàng phải sống với hai khuôn mặt. Từng bị bắt nạt bởi vẻ ngoài xấu xí, Im Ju Gyeong đã học được cách hóa thân thành nữ thần nhờ vào việc trang điểm. Điều này khiến cô trở nên nổi tiếng ở trường mới, từ một cô nàng 5 lần 7 lượt tỏ tình bị từ chối, Ju Gyeong được 2 nam thần nổi tiếng nhất trường – Lee Su Ho và Han Seo Jun theo đuổi. Để quá khứ đen tối không lặp lại, Ju Gyeong buộc phải che giấu gương mặt thật của mình. Liệu 2 chàng trai có chấp nhận nếu biết gương mặt thật của cô? 4/ The Tale Of Nokdu Bộ phim là câu chuyện về Jeon Nok Du, một công tử của gia đình quý tộc bỏ trốn khỏi cuộc hôn nhân định sẵn của mình. Trong hành trình phiêu bạt khám phá về thân thế, Nok Du đã cải trang thành nữ và sống trong làng quả phụ – nơi mà đàn ông không thể đặt chân đến. Sự thay đổi “trái ngang” đã dẫn Nok Du đến với Dong Joo và gây ra biết bao nhiêu câu chuyện dở khóc dở cười. 5/ Extraordinary You Eun Dan Oh nhận ra cuộc sống của mình chỉ tồn tại trong thế giới truyện tranh, trong đó cô chỉ đóng vai phụ và không sống nổi qua 2 tập vì bệnh tim. Chính vì vậy cô đã tìm mọi cách để thay đổi số phận để sống lâu nhất có thể. Mọi chuyện trở nên khó lường khi có sự xuất hiện của nhân vật Haru, khiến tình tiết của bộ truyện cũng như số phận của Dan Oh thay đổi theo một hướng đến tác giả cũng không lường trước được. 6/ Itaewon Class Ngay từ khi ra mắt năm 2019, bộ phim về hành trình đấu tranh của nhân vật Park Sae Ro Yi tại khu Iteawon sau khi ra tù đã nhanh chóng tạo nên cơn sốt khắp Châu Á. Cùng những người bạn đặc biệt của mình, anh đã mở một quán rượu tên DanBam với quyết tâm thành công. 7/ Strangers from hell Bộ phim là câu chuyện và hành trình lập nghiệp của Yoon Jong Woo (Im Si Wan), vì tài chính không cho phép nên anh đã phải đi tìm một nhà trọ giá rẻ để sống. Chính từ nơi đây, cuộc sống của anh hoàn toàn bị đảo lộn bởi những kẻ lập dị và quái gở đang sống tại nhà trọ này. Bọn họ giúp anh hiểu hơn về bản thân, về một cá thể mà anh luôn muốn che giấu sau lớp vỏ hiền lành, nhẫn nhịn của chính mình. 8/ Item Một bộ phim mang sắc thái bí ẩn và siêu nhiên được chuyển thể từ webtoon cùng tên. Bộ phim là hành trình cứu người cháu ruột bị câm của một công tố viên (Kang Gon) và cô nàng chuyên gia tâm lý tội phạm thông minh và cực kỳ bản lĩnh. Họ cùng nhau bước vào thế giới của siêu năng lực và giải mã những bí ẩn, những điều kỳ bí của thế giới siêu nhiên này. 9/ Her Private Life Buổi sáng cô nàng fangirl Sung Duk Mi là một cô nàng quản lý chín chắn, chăm chỉ, tận tụy vì công việc. Đến tối thì hóa thân thành cô fangirl cuồng nhiệt, luôn theo chân idol và hết mình vì thần tượng. Cho đến khi giám đốc Ryan Gold của cô phát hiện ra bí mật động trời này, cuộc đời của Sung Duk Mi bắt đầu thay đổi

Hoạ sĩ truyện tranh đang trở thành một nghề hot, ngày càng nhận được nhiều sự công nhận từ cộng đồng và xã hội. Bé mê vẽ truyện tranh vì thế cũng có nhiều cơ hội để học vẽ từ khi còn bé, vừa nuôi dưỡng đam mê, lại vừa có một tuổi thơ vui và bổ ích. Nếu bé thích đọc truyện và quan tâm đến vẽ truyện tranh, đừng quên chuẩn bị cho mình những hoạ cụ dưới đây nhé! Giấy Giấy hiển nhiên là người bạn không thể thiếu để bắt đầu một tác phẩm truyện tranh. Có rất nhiều loại giấy khác nhau như A4, Kraft, Cason,… cùng với màu sắc và độ dày khác nhau. Tuỳ theo loại bút và màu sử dụng, bé có thể chọn loại giấy phù hợp. Thông thường, để vẽ truyện tranh, bé nên sử dụng giấy có bề mặt nhẵn, màu ngà, có độ dày tương đói, và kích thước A3 hoặc A4. Bút chì Vẽ truyện tranh bao gồm các công đoạn: phác thảo, lọc nét, lên sắc độ, màu, hiệu ứng và chèn thoại. Trong đó bút chì sẽ được dùng ở giai đoạn phác thảo. Có nhiều loại bút chì khác nhau như HB, 2B, 3B,…7B. Phân loại này tuỳ theo độ cứng của ngòi bút, trong đó HB là cứng nhất và 7B là mềm nhất. Mỗi loại đều có công dụng riêng trong hội hoạ. Song với công dụng phác thảo khi vẽ truyện tranh, bút chì 2B là thích hợp nhất. Bút đi nét Bên cạnh bút chì, bút đi nét cũng là công cụ không thể thiếu cho bé học vẽ truyện tranh. Bút đi nét thường dùng là bút lông kim với các cỡ ngòi 0.05, 0.1, 0.2, 0.3, 0.4, 0.5,…1.0mm,…Ngoài ra còn có brush với đầu bút mềm và cỡ nét linh hoạt tuỳ theo lực nhất. Bút lông kim còn có nhiều màu sắc khác nhau, nhưng thông thường hoạ sĩ truyện tranh thường đi nét bằng bút lông kim có màu đen hoặc nâu đen. Tẩy Tẩy được phân thành 2 loại chính là loại cứng và loại đất sét. Dù có bao nhiêu loại đi nữa thì tiêu chí chính để chọn tẩy vẫn là: làm sạch nét chì, không làm dơ và không làm rách giấy. Chất lượng tẩy ảnh hưởng nhiều đến tác phẩm truyện tranh, bởi vì với hoạ sĩ, tẩy đôi lúc không chỉ được dùng để xoá đi những nét không cần thiết, mà còn được dùng để vẽ. Đồ gọt bút chì Hoạ sĩ truyện tranh chuyên nghiệp thường dùng dao rọc giấy để gọt bút chì. Nhưng phương pháp này khá nguy hiểm nếu bé còn ở độ tuổi nhỏ. Ngày nay trên thị trường có rất nhiều đồ gọt bút chì, một số được thiết kế tích hợp chức năng thu thập vụn chì. Những loại này thích hợp và an toàn cho bé trong giai đoạn mới bắt đầu học vẽ truyện tranh. Màu Nếu bé thích vẽ truyện tranh có nhiều màu sắc sặc sỡ thì một hộp màu chất lượng tốt là hoạ cụ không thể thiếu. Bé có thể sử dụng màu sáp, màu chì, màu marker hay thậm chí là màu nước, màu poster. Song, lời khuyên dành cho bé khi mới bắt đầu học vẽ truyện tranh đó là nên sử dụng những loại màu với ngòi mềm và dễ điều khiển. Như màu marker hoăc màu chì. Túi đựng hoạ cụ Cuối cùng, đừng quên sắm cho bé một túi đựng hoạ cụ không thấm nước nhé! Ngoài ra, kích thước túi cũng phải có độ lớn phù hợp để đảm bảo không làm giấy vẽ bị nhăn nhúm hoặc gấp nếp. Túi vẽ dạng rộng, hình vuông hoặc chữ nhật, có 2 dây đeo vào vai sẽ thích hợp cho bé hơn so với ống đựng giấy vẽ hình trụ thông thường. (Comic Media Academy)

Là một chương trình được hợp tác bởi nhiều tổ chức khác nhau trong năm 2021, Hội nghị VIEW của Ý công bố sẽ cho ra mắt một buổi thuyết trình trực tuyến về quy trình sản xuất của bộ phim hoạt hình sắp tới của Disney – Encanto: Vùng đất thần kỳ. Buổi nói chuyện với Epic Games và những chia sẻ hay ho về phần mềm SideFX cũng sẽ được bàn tới. Hội nghị dự kiến sẽ tổ chức vào thứ Sáu ngày 22/10 lúc 12 giờ trưa ở Ý (tầm 17h chiều Việt Nam), quy tụ những tên tuổi nổi tiếng – những người đã tạo ra những hình ảnh sống động của ‘Encanto’ như đạo diễn Bryon Howard, nhà thiết kế sản xuất Gooding và trợ lý thiết kế sản xuất Lorelay Bové. Tiếp theo đó sẽ là buổi hỏi đáp độc quyền với Howard và đội ngũ sáng tạo của ông dưới sự dẫn dắt của MC Carolyn Giardina của The Hollywood Reporter. Encanto là bộ phim kể về một gia đình “lớn” sống ở vùng đất thần kỳ nằm khuất trong vùng núi Colombia, sẽ dẫn chúng ta đến với Madrigals – một thể loại thanh nhạc vào thời phục hưng. Mỗi thành viên của gia đình Madrigal đều được ban cho một sức mạnh đặc biệt, ngoại trừ một người, Mirabel. Bằng cách sử dụng những bài hát từng đoạt giải thưởng của Lin-Manuel Miranda, khán giả sẽ dễ dàng hòa mình vào bộ phim và dõi theo hành trình phi thường của Mirabel để cứu lấy Encanto – Vùng đất thần kỳ. Vào thứ Hai, ngày 18 tháng 10, SideFX đã tiết lộ Houdini 19 và tung ra một loạt bài thuyết trình Houdini HIVE được tuyển chọn đặc biệt. Các cuộc nói chuyện trực tiếp với các chuyên gia hiệu ứng hình ảnh, khám phá các khả năng của phần mềm mới, tập trung vào các tính năng và cải tiến mới của KineFX, Muscles & Tissue, Crowds, Solaris, Karma, Modeling, Pyro FX, FLIP Fluids, Vellum, RBD Destruction, FEM, Grooming, PDG và hơn thế nữa. Hội nghị VIEW 2021 cũng sẽ tổ chức một loạt các cuộc nói chuyện của những người tiên phong trong lĩnh vực giải trí tương tác và công cụ 3D Epic Games. Các chủ đề của bài thuyết trình bao gồm hoạt hình và kỹ thuật lắp ráp trong Unreal Engine để hiểu rõ hơn về MetaHuman Creator – ứng dụng đám mây để tạo ra các nhân vật ảo. Marc Petit, Phó chủ tịch Unreal Engine và tổng giám đốc, tham gia cùng nhà sản xuất điều hành Epic Games Karen Dufilho để nói về chiến thắng ngắn hạn, suy nghĩ dài hạn, trong khi giám đốc đối tác giáo dục của Epic Games, Mark Flanagan, thảo luận về cơ hội nghề nghiệp. Tiếp tục với chuyên mục giáo dục sẽ là hội thảo của Foundary về phần mềm chiếu sáng và phát triển giao diện – Katana. Cuộc nói chuyện cũng sẽ đề cập đến cách mở khóa khả năng sáng tạo với phần mềm vẽ họa tiết 3D của công ty Mari. Ngoài ra, Adobe trình bày một hội thảo về phần mềm tạo kết cấu Substance 3D và cuộc gặp gỡ thú vị với Phó chủ tich Adobe của 3D & Immersive Sébastien Deguy, người từng đoạt giải Oscar – Glenn Entis. “Hội nghị VIEW luôn nhấn mạnh tầm quan trọng của giáo dục và giá trị của việc chia sẻ kiến thức,” Giám đốc Hội nghị, Tiến sĩ Maria Elena Gutierrez cho biết. “Năm nay cũng không ngoại lệ. Tôi rất vui mừng vì chúng tôi có thể tổ chức những buổi thuyết trình Houdini HIVE đáng kinh ngạc này và một chuỗi các buổi học tuyệt vời như vậy với Epic Games, chưa kể đến hàng chục buổi nói chuyện và hội thảo khác của rất nhiều nghệ sĩ và nhà phát triển có năng khiếu. Nếu kiến thức là sức mạnh, thì tôi thực sự có thể nói rằng Hội nghị VIEW 2021 là sự kiện mạnh mẽ nhất của chúng tôi. “ Đăng ký miễn phí hội nghị VIEW 2021 trực tiếp tại: ĐÂY Người dịch: Mita Nguồn: Animation Magazine

10 sáng thứ bảy, ngày 23.10.2021, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Gặp gỡ các vị khách mời đặc biệt để tìm câu trả lời cho sự lựa chọn của mình với ngành Hoạt hình 2D. Thầy Lê Thắng, Viện Trưởng Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam Họa sĩ Reggie, Giảng viên ngành Hoạt hình tại CMA, phụ trách chuyên môn tại CMA Studio Anh Huỳnh Vĩnh Sơn, Phó giám đốc VTV7 – Kênh truyền hình Giáo dục Quốc gia, Đài Truyền hình Việt Nam có hơn 10 năm kinh nghiệm chuyên sâu ở các hãng phim, công ty, kênh truyền hình, phụ trách các dự án ngắn và dài hạn tại Hà Nội và Thành phố Hồ Chí Minh với các cộng sự trong và ngoài nước ở nhiều vai trò sản xuất khác nhau như đạo diễn phim hoạt hình, giám đốc sáng tạo, trưởng bộ phận hình ảnh và đạt nhiều giải thưởng uy tín cho những cống hiến của mình. Anh đặc biệt dành nhiều tình cảm cho lĩnh vực phim hoạt hình với khao khát đưa hoạt hình Việt vươn lên cả về số lượng và sức ảnh hưởng tới khán giả. Bạn sẽ có cơ hội – Trao đổi sâu hơn về thị trường việc làm, cơ hội nghề nghiệp, những thách thức và thuận lợi của ngành hoạt hình 2D. – Trực tiếp tìm hiểu chương trình Kỹ thuật viên Hoạt hình đào tạo bạn làm được gì. – Khám phá lộ trình 1 năm để trở thành thành viên trong đội ngũ làm phim hoạt hình. >> Bạn có thể đặt trước câu hỏi ngay hôm nay: tại ĐÂY Những băn khoăn của các bạn về việc học và việc làm trong ngành Hoạt hình đều sẽ được các khách mời giải đáp tại talkshow này. Mời bạn cùng theo dõi nhé! —————- Chương trình nằm trong chuỗi Talkshow Online tư vấn và định hướng nghề nghiệp cho chuyên ngành Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting do CMA tổ chức với hình thức online vào 10h sáng thứ 7 hàng tuần, từ 02/10-31/10, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Chủ đề tiếp theo và cũng là cuối cùng của chương trình sẽ diễn ra vào thứ 7 tuần sau: Talkshow 5 (30/10): VÌ SAO DIGITAL PAINTING TRỞ THÀNH NGÀNH HOT CỦA GIỚI TRẺ? Tương lai có thể mở ra từ một cánh cửa nhỏ, cùng CMA tìm chìa khóa từ chuỗi talkshow đặc sắc này nhé. —————————— VIỆN TRUYỆN TRANH & HOẠT HÌNH VIỆT NAM – COMIC MEDIA ACADEMY VN Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Sẽ chẳng có gì tuyệt hơn khi chúng ta có thể tận hưởng tiết trời mùa thu bằng một bộ phim hay, trên tay cầm một ly cacao nóng và chìm mình trong chiếc chăn ấm cúng. Những bộ phim hành động mang chủ đề mùa thu luôn là điểm nhấn khi nhắc đến tiết trời lúc này. Thế nhưng chúng ta cũng không thể bỏ qua những bộ phim hoạt hình mang âm hưởng mùa thu vốn nổi bật với cách kể chuyện hấp dẫn và bảng màu cam, đỏ, vàng thường được lồng ghép vào đó. Dưới đây là danh sách phim hoạt hình hay nhất dành cho mùa thu, bạn đã xem được bao nhiêu bộ phim trong danh sách này rồi? 9/ Fantastic Mr. Fox (2009) Đã bao nhiêu năm, Fantastic Mr.Fox vẫn giữ vị trí “huyền thoại” trong lĩnh vực phim hoạt hình tĩnh vật (stop-motion), với khả năng tạo ra những nhân vật đặc sắc và xây dựng chất liệu thẩm mỹ. Có thể nói, chỉ với riêng bảng màu dùng trong phim khi mô phỏng lại không khí mùa thu đã là một tuyệt tác, cũng có người cho rằng bộ phim này dư sức cạnh tranh với phim điện ảnh người đóng về mặc kĩ xảo. Wes Anderson sản xuất bộ phim dựa trên cuốn tiểu thuyết kinh điển của Roald Dahl.  Ông không chỉ tái hiện lại được nhiều điểm “hit” của cuốn sách mà còn lồng vào đó nhiều ý tưởng cũng như kĩ thuật điện ảnh tuyệt vời. Ngoài việc đưa người xem đến những hình ảnh thú vị, bộ phim còn được khen ngợi hết lời về mảng âm thanh khi có một dàn diễn viên lồng tiếng quá xuất sắc. 8/ Coco (2017) Coco được xem là dấu ấn đầu tiên cho sự hợp tác giữa Pixar và Disney khi sản xuất một bộ phim hoạt hình nhạc kịch. Hai đạo diễn chính của bộ phim là Adrian Molina và Lee Unkrich đã tạo ra những khoảnh khắc thật sự đáng nhớ khi khắc hoạ lại nền văn hóa của đất nước Mexico. Nội dung phim xoay quanh về “ngày của người đã mất ở Mexico” (Mexican Day of The Dead) thường diễn ra vào đầu tháng 11. Coco tự hào là một trong những phim hoạt hình CGI đẹp nhất lịch sử điện ảnh, nhờ vào sự sống động của màu sắc lễ hội và trí tưởng tượng của các nhà làm phim hoạt hình. Âm nhạc trong phim cũng nổi lên như một hiện tượng và ngay sau đó trở thành biểu tượng. Dù người xem là ai, ở bất cứ đâu thì đều có thể cảm nhận được mùa thu rực rỡ mà Coco mang lại. 7/ The Book of Life (2014) The Book Of Life của Jorge R. Gutierrez cũng đề cập đến chủ đề “ngày của người đã mất”, nhưng nó tạo nên sự khác biệt so với tác phẩm ăn khách của Pixar. Chỉ riêng phong cách hoạt hình đã hoàn toàn khác, với cách xây dựng thế giới trông như thể được lấy ra từ một cuốn sách thiếu nhi. Bộ phim có nhiều tình tiết căng thẳng kịch tính và kỳ quái vì có nhiều lớp trong đó cần được mổ xẻ một cách chi tiết để miêu tả lại văn hóa Mexico một cách chân thực. 6/ Coraline (2009) Cách kể chuyện mạn rợ được xem như điểm thu hút người xem và gắn liền với tên tuổi của Neil Gaiman trong bộ phim hoạt hình tĩnh vật – Coraline. Đạo diễn Henry Selick đã nắm bắt được nghệ thuật tinh tế này của tác phẩm và thêm thắt nhiều yếu tố mang đậm chất Halloween để dẫn dắt câu chuyện thật khéo léo. Coraline có chủ đề khá là phức tạp và kì quặc, khi các yếu tố kinh dị và giả tưởng được đưa vào ngày từ đầu của bộ phim, hệt như trong một kịch bản tâm lý. Cũng chính nhờ các yếu tồ này đã khiến cho sự xuất hiện của nhân vật chính và nơi cô đang sống gợi nhiều sự tò mò cho người xem. 5/ The Nightmare before Christmas (1993) The Nightmare Before Christmas là bộ phim sản xuất cho dịp lễ Giáng Sinh, tuy vậy vẫn đông đảo ý kiến cho rằng bộ phim hoạt hình tĩnh vật thích hợp xem vào mùa thu vì nó mang nhiều sắc màu lộng lẫy của Halloween. Khung cảnh được mở ra thỏa sức trí tưởng tượng của người xem, cũng như sự thiết kế nhân vật mang đầy tính biểu tượng và những vở nhạc kịch “vượt thời gian” được lồng ghép trong phim đều nhờ vào trí óc sáng tạo của Tim Burton và đạo diễn Henry Selick. Tác phẩm kinh điển này của Disney dự đoán sẽ vẫn nằm trong “watchlist” của khán giả nhiều năm tới. 4/ ParaNorman (2012) ParaNorman là tác phẩm hoạt hình tĩnh vật có nhiều yếu tố kỳ quặc và có chút biến đổi hơn so với những câu chuyện khác thuộc cùng thể loại do Sam Fell và Chris Butler đạo diễn. Đây cũng là một trong những bộ phim dành cho mùa Halloween vì phần lớn nội dung xoay quanh về zombie, tạo cảm giác vừa kinh hoàng vừa vui nhộn. Nhịp phim nhanh, cùng với cách xây dựng nhân vật cuốn hút và chuyện kể hấp dẫn, ParaNorman chắc chắn tự hào là bộ phim có nhiều hình ảnh mùa thu bắt mắt, dù đó chỉ là phần dẫn đầu của đêm kinh hoàng tiếp theo. Ngoài ra, nhiều yếu tố khác trong phim giúp khán giả kết nối với nhân vật nhìn thấy ma Norman, người xuất hiện như hy vọng cuối cùng của nhân loại chống lại lời nguyền phù thủy đang ập đến. 3/ Woflwalkers (2020) Wolfwalkers là bộ phim nguyên bản có “phần nhìn” vượt trội hơn so

Buổi phỏng vấn năm hoạ sĩ truyện tranh chuyên nghiệp: Ann Maulina, Claudya Schmidt, Daniel Lieske, Marhuerite Sauvage và Ryan Smallman, đã mang lại những chia sẻ hữu ích cho những ai muốn bắt đầu sự nghiệp truyện tranh của riêng mình. Điều gì tạo nên một tác phẩm truyện tranh hay? Khi được hỏi đến “Điều gì tạo nên một tác phẩm truyện tranh hay”, cả năm hoạ sĩ đều thống nhất trả lời là khả năng truyền tải cảm xúc hoặc thông điệp của tác phẩm đó. Mỗi hoạ sĩ sẽ có một cái nhìn khác nhau để xây dựng nên thế giới truyện tranh và tạo ra những tình huống mới lạ cho người đọc khi thể hiện chúng thông qua việc sử dụng màu sắc trong tác phẩm, biểu cảm và cử chỉ của nhân vật. Điều này đồng nghĩa với việc nếu hoạ sĩ đó có được cái nhìn đa diện, nhiều chiều cũng như tạo ra được những chi tiết sâu sắc cho người đọc thì tác phẩm đấy sẽ “tỏa sáng” với công chúng hơn. Daniel cũng nhấn mạnh rằng: “Một hoạ sĩ truyện tranh không chỉ đơn thuần chỉ ngồi vẽ truyện tranh. Chúng tôi được học cách kể chuyện “bằng mắt” và kĩ năng này ít nhiều giúp chúng tôi thu được lợi nhuận khi bán một bản thiết kế, một nhân vật hoặc thậm chí là cả một thế giới do mình tưởng tượng ra.” Vậy nên, đừng giới hạn bản thân chỉ hoàn thành những bố cục nhàm chán mà hãy tự tin thể hiện những ý tưởng độc lạ của bạn nữa. Nội dung hay phong cách nghệ thuật quan trọng như thế nào? Phong cách nghệ thuật đối với một nghệ sĩ là điều tất yếu, tuy nhiên, trong ngành công nghiệp truyện tranh, việc sở hữu một phong cách nghệ thuật riêng của bản thân không phải là yếu tố tiên quyết dẫn đến sự thành công của họa sĩ đó. Cả Ann và Ryan đều cho rằng việc nắm chắc các kiến thức cơ bản quan trọng hơn định hình bản thân ở một phong cách nghệ thuật nào đó vì hầu hết các tác phẩm được vẽ cần phải dung hòa theo yêu cầu của khách hàng. Nói như vậy không có nghĩa phủ nhận hoàn toàn tầm quan trọng của nội dung và phong cách nghệ thuật trong ngành công nghiệp này. Cả năm hoạ sĩ tuy có những ý kiến riêng nhưng nhìn chung họ vẫn nhấn mạnh phong cách nghệ thuật càng độc đáo, nội dụng càng sáng tạo và nguyên bản có thể giúp các họa sĩ thu hút sự quan tâm và xây dựng thương hiệu mạnh, đặc biệt trên các trang mạng xã hội. Theo đó, một họa sĩ truyện tranh ngày nay có nhiều cơ hội để tự xuất bản và tự bán sán phẩm của riêng mình bởi việc định hình phong cách nghệ thuật và tạo ra một nguyên bản có thể giúp họ hiểu rõ về toàn bộ quá trình sản xuất cũng như một dự án hoàn chỉnh. Bắt đầu những thứ mới luôn đi kèm với những bất ngờ mới Sản xuất một dự án truyện tranh sẽ tốn rất nhiều thời gian mặc dù hiện nay đã có sự hỗ trợ từ các công nghệ mới như mô hình 3D, tông màu màn hình kĩ thuật số hay bút vẽ tuỳ chỉnh. Hơn nữa, ngân sách phục vụ cho lĩnh vực truyện tranh chuyên nghiệp không phải là con số nhỏ. Đó là lí do tại sao mà Daniel đã phải chuyển hướng sang tự xuất bản truyện tranh và tham gia các lĩnh vực khác như mỹ thuật ý tưởng (Concept art) và vẽ minh họa (illustration). Một bất ngờ nữa sẽ khiến những họa sĩ mới cảm thấy khó khăn khi phải đối mặt đó chính là tính nhất quán trong công việc. Với vốn kinh nghiệm của mình, Ryan khẳng định rằng: “Dù bạn có một phong cách độc đáo, cực kỳ sáng tạo cùng với nhiều kỹ năng tuyệt vời cũng khổng thể hoàn thành công việc với một tốc độ nhất quán.” Vì vậy, nếu ước mơ của bạn là trở thành một nghệ sĩ sáng tạo thì lựa chọn tốt nhất là nên thực hiện điều đó trong một dự án độc lập, nơi bạn làm việc theo tốc độ của riêng mình. Những tips nhỏ nhưng hữu ích Khi phác thảo (sketch), đôi lúc bạn sẽ bị “bí” hoặc “đi lạc” với ý tưởng ban đầu, để khắc phục những điều đó Claudya đã chia sẻ cô thường sử dụng giấy vẽ của mình để vẽ nguệch ngoạc các bố cục hình. Với cô, cái cảm giác khi cô dùng bút chì để “chạm” vào những tờ giấy sẽ mang đến cho cô một góc nhìn, một sự tập trung khác, so với việc sử dụng các công cụ kĩ thuật số. Bên cạnh đó, Daniel và Ryan cũng chỉ ra rằng là hoạ sĩ thì đừng cố chấp vào những công thức mà người khác nghĩ ra, hãy tin tưởng vào cảm xúc của chính bạn và tìm ra những gì phụ hợp với bản thân. Có như thế bạn sẽ tránh bị cảm giác lặp lại và việc điều hướng sự sáng tạo của bản thân cũng trở nên dễ dàng hơn. Lời khuyên cho người mới bắt đầu Nếu bạn là một nghệ sĩ mới, hãy dành thời gian thử các phong cách hoặc phương pháp vẽ khác nhau để tìm con đường phù hợp với mình. Nghệ thuật không có tính cạnh tranh mà mỗi người trong đó sẽ có con đường của riêng họ, phát triển theo tốc độ của riêng họ và tạo ra các dự án của riêng họ. Vì mới bắt đầu nên chắc chắn sẽ có nhiều điểm cần phải hoàn thiện, bạn hãy cởi

Làm việc với đối tác nước ngoài – Cơ hội trong tầm tay Chương trình Gặp gỡ Nhà truyển dụng do Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam tổ chức, giúp các bạn học viên của CMA cũng như các bạn theo đuổi công việc sáng tạo có cơ hội được chính đơn vị tuyển dụng giới thiệu về công việc liên quan đến ngành nghề bạn đã và đang theo học. Là đối tác của các công ty và studio sáng tạo, học viên khóa chuyên nghiệp và kỹ thuật viên tại CMA luôn có cơ hội làm việc kiếm thu nhập ngay từ thời gian học tập, và luôn được hỗ trợ thông tin việc làm qua các kênh tuyển dụng nội bộ. Tham gia chương trình Gặp gỡ Nhà tuyển dụng tháng 10/2021, các bạn sẽ được gặp Giám đốc công ty Neo Nagashima, ông Nagashima Shigeru và đặt câu hỏi về vai trò mà ông đang tuyển dụng. Đặc biệt, bạn sẽ có cơ hội ứng tuyển và đi làm ngay sau buổi gặp. – Đối tượng tham gia: tất cả các bạn quan tâm, đặc biệt là những bạn yêu thích và có kỹ năng trong ngành Truyện tranh, Digital painting – Thời gian: 16h00 ngày 22.10.2021 (thứ sáu) Chương trình tổ chức với hình thức trực tuyến qua zoom và có phiên dịch Việt-Nhật. Để tham chương trình, các bạn vui lòng đăng ký tại link: click vào ĐÂY Ban tổ chức sẽ gửi link tham gia buổi gặp gỡ qua email cho những bạn đã đăng ký trong vòng 48h trước khi bắt đầu chương trình. Hẹn gặp các bạn! —————————— VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH VIỆT NAM – COMIC MEDIA ACADEMY VN Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Ngày nay, vẽ không chỉ là một loại hình giải trí hay một môn học năng khiếu, mà còn được xem như là một loại hình sáng tạo giúp trẻ có những bước phát triển vượt bậc trong những năm đầu đời. Trải nghiệm vẽ, đặc biệt là vẽ truyện tranh có rất nhiều lợi ích với não bộ của trẻ, bao gồm: 1/ Tăng khả năng tiếp thu Nhiều nghiên cứu cho thấy, khả năng ghi nhớ về hình ảnh của trẻ tốt hơn so với ghi nhớ dưới dạng chữ viết hay tiếng nói. Do đó, học vẽ là một hình thức giúp trẻ tiếp cận nhiều hơn với hình ảnh, tăng cường khả năng tiếp thu cũng như sự nhận biết của trẻ về thế giới. 2/ Kích thích khả năng sáng tạo Học vẽ kích thích sự phát triển của bản cầu não phải – thường thuộc về những khả năng thiên về tình cảm và tính sáng tạo. Tiếp cận với mỹ thuật trong những năm đầu đời vì vậy trở nên rất quan trọng đối với sự phát triển của trẻ. Không chỉ thế, ngoài việc sáng tạo về mặt hình ảnh, học vẽ, đặc biệt là vẽ truyện tranh còn giúp phát triển khả năng sáng tạo câu chuyện và phương pháp kể chuyện rành mạch của trẻ. 3/ Rèn luyện trí nhớ Bằng cách học vẽ truyện tranh, trẻ sẽ tập được thói quen ghi chép bằng cả hình ảnh, màu sắc và chữ viết, từ đó rèn luyện khả năng ghi nhớ của mình một cách linh hoạt. Với cùng một vấn đề, trẻ sẽ có nhiều lựa chọn để ghi nhớ hơn, ví dụ như, ghi nhớ bằng các kí hiệu, bằng cảm giác về màu sắc, bằng cảm xúc câu chuyện,… thay vì bằng chữ viết đơn thuần. 4/ Thúc đẩu việc thể hiện cảm xúc, tiếng nói và suy nghĩ của mình Tạo hình, bố cục và màu sắc là ngôn ngữ thể hiện cảm xúc và tính cách của trẻ. Ví dụ, trẻ hướng ngoại, hoà đồng, thích cạnh tranh,… thường có xu hướng sử dụng những màu sắc tươi sáng, có cường độ mạnh; ngược lại, những trẻ có tính cách nhẹ nhàng, hướng nội,… thường thích sử dụng những màu sắc nhẹ nhàng, tone màu nghiêng về thiên nhiên. Thông qua tranh vẽ, chúng ta có thể hiểu hơn về trẻ, từ đó có những phương pháp phù hợp để kích thích sự phát triển của trẻ. (Comic Media Academy)

10h sáng thứ bảy, ngày 16/10/2021, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. >> Sáng tác truyện tranh có cần phải học? >> Học ngành Truyện tranh chỉ có thể sáng tác truyện tranh? >> Họa sĩ kể chuyện ngành Truyện tranh tại CMA có những cơ hội việc làm gì và cách tìm kiếm công việc như thế nào? Bạn có thể đặt trước câu hỏi ngay hôm nay: tại ĐÂY Từ Talkshow thứ 3 của chuỗi series talkshow tư vấn-định hướng nghề, CMA sẽ bắt đầu tập trung vào việc học và việc làm của từng chuyên ngành, bắt đầu là ngành Truyện tranh. Buổi talkshow với sự tham gia của các họa sĩ trẻ có nền tảng chuyên môn vững vàng, vừa sáng tác vừa giảng dạy sẽ giúp các bạn có thêm thông tin cho sự lựa chọn của mình: Họa sĩ Nguyễn Quang Bảo, Giảng viên ngành Truyện tranh Họa sĩ Lạc An, Giảng viên – Trưởng nhóm Webtoon Họa sĩ Nguyễn Thị Hoài Thương, Giảng viên – Trưởng nhóm Manga Comic Thiếu nhi Những băn khoăn của các bạn về việc học và việc làm trong ngành Truyện tranh đều sẽ được các khách mời giải đáp tại talkshow này. Mời bạn cùng theo dõi nhé! —————- Chương trình nằm trong chuỗi Talkshow Online tư vấn và định hướng nghề nghiệp cho chuyên ngành Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting do CMA tổ chức với hình thức online vào 10h sáng thứ 7 hàng tuần, từ 02/10-31/10, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Những chủ đề tiếp theo của chương trình gồm: Talkshow 4 (23/10): KỸ THUẬT VIÊN HOẠT HÌNH CÓ PHẢI LÀ NGHỀ HOT? Talkshow 5 (30/10): VÌ SAO DIGITAL PAINTING TRỞ THÀNH NGÀNH HOT CỦA GIỚI TRẺ? Tương lai có thể mở ra từ một cánh cửa nhỏ, cùng CMA tìm chìa khóa từ chuỗi talkshow đặc sắc này nhé. —————————— VIỆN TRUYỆN TRANH & HOẠT HÌNH VIỆT NAM – COMIC MEDIA ACADEMY VN Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Các trò chơi vui nhộn là cánh cửa để trẻ bắt đầu tiếp cận với thế giới mỹ thuật đầy màu sắc. Dưới đây là các trang web mỹ thuật tương tác cực thú vị để các bé vừa được chơi game vừa phát triển óc sáng tạo. 1. PBS Kids Trang web này là nền tảng phổ biến nhất về các nội dung và chương trình dành cho trẻ em ở Mỹ. PBS Kids có rất nhiều trò chơi nghệ thuật tương tác dành cho trẻ em để phụ huynh và các bé có thể tha hồ lựa chọn. Trang web: pbskids.org 2. Sesame Street Mục Art Maker của trang web này là một địa chỉ rất nổi tiếng với các trò chơi nghệ thuật thú vị. Trẻ có thể tô màu cho con rối đầy lông có tên Elmo hoặc chiến đấu với Quái vật Cookie bằng bút vẽ màu trên bàn tay ảo của mình. Tất cả các hoạt động đều online, nhưng thông qua đó ba mẹ có thể chỉ cho các bé cách vẽ bằng bút chì màu, sơn dầu hoặc màu nước, và thắp lên ngọn lửa sáng tạo bên trong con trẻ. Trang web: sesamestreet.org 3. GirlsGoGames Trang web này có một bộ sưu tập các trò chơi nghệ thuật mang phong cách “bình dân” được thiết kế cho các bé gái. Với GirlsGoGames, ba mẹ có thể cùng các bé thử trang điểm, trang trí cho một người bạn hoặc trở thành thợ làm tóc chỉ với một cú nhấp chuột vào nút Play. Trang web: girlsgogames.com 4. Smithsonian Smithsonian là một tổ chức học thuật luôn cống hiến hết mình cho khoa học, lịch sử, tự nhiên, và thậm chí cả văn hóa đại chúng. Khu vực dành cho trẻ em và thanh thiếu niên trên trang web rất rộng lớn của họ có rất nhiều các trò chơi nghệ thuật ảo và các hoạt động thủ công dành cho trẻ em ở mọi lứa tuổi. Nhiều tài nguyên trên trang này được lấy từ Phòng thí nghiệm Học tập Smithsonian ngoài đời thực. Ví dụ về một trải nghiệm tại đây là ba mẹ có thể giúp trẻ làm ra một chú robot nghệ thuật mang tên ArtBot với hướng dẫn chi tiết trên trang web. Ngoài ra cũng có những hoạt động khác nhẹ nhàng hơn như tô màu và cắt dán, nếu trẻ không hứng thú với robot. Smithsonian có thể là một trang web nghệ thuật vui nhộn, và trẻ sẽ học hỏi được nhiều kiến thức thú vị từ nguồn tài nguyên giáo dục này. Trang web: si.edu/kids 5. Tate Kids Tại Tate Kids, các bé có thể sáng tạo nghệ thuật như họa sĩ lừng danh Andy Warhol hoặc vẽ graffiti lên những bức tường ảo trong mục Street Art. Một khi cuộc phiêu lưu vào thế giới nghệ thuật đã bắt đầu thì không ai có thể cản được óc sáng tạo bay xa! Trang web: tate.org.uk/kids 6. Toy Theater Đây là một trang web nhỏ gọn chứa đầy các hoạt động giáo dục dành cho học sinh tiểu học. Ba mẹ có thể tìm đến bộ sưu tập các hoạt động nghệ thuật trực tuyến thú vị giúp các bé phát triển kỹ năng học tập bằng hình ảnh, biểu đạt ý tưởng trừu tượng và nhận thức về thiết kế. Các hoạt động này rất phù hợp cho trẻ nhỏ mới học từ mẫu giáo đến lớp ba. Trang web: toytheater.com 7. Artsology Artsology có một bộ sưu tập 107 trò chơi nghệ thuật dành cho trẻ em ở mọi lứa tuổi. Hãy bắt đầu bằng trò phun sơn graffiti và khám phá nghệ thuật siêu thực với một game arcade khác. Có một số trò chơi trên trang web này được đánh dấu logo Flash, ba mẹ có thể bỏ qua chúng vì Adobe đã ngừng cập nhật Flash. Trang web: artsology.com 8. Drawize Drawize là một trò chơi kiểu “nhìn hình đoán ý”. Các bé có thể tự do vẽ những gì mình thích và tham gia thử thách vẽ hằng ngày, hoặc lên mạng để chơi với bạn bè hay một người lạ bất kỳ ở nơi nào đó trên khắp thế giới. Trang web: drawize.com 9. Quick, Draw! Trò chơi này sử dụng hệ thần kinh nhân tạo của AI để đoán hình vẽ, nếu nó đoán đúng thì cuộc chơi sẽ kết thúc. Bộ đếm thời gian 20 giây cũng sẽ buộc trẻ phải vẽ bằng trực giác thay vì dừng lại và cân nhắc ý tưởng. Các bức vẽ không nhất thiết phải hoàn hảo, cũng có nghĩa là nếu trẻ không tự tin về khả năng nghệ thuật của mình cũng có thể tham gia vui chơi thoải mái. Trang web: quickdraw.withgoogle.com 10. AutoDraw Cũng là một game AI, nhưng Auto Draw hơi khác một chút so với Quick, Draw! vì trí tuệ nhân tạo sẽ đoán xem những nét vẽ của trẻ thể hiện điều gì và đề xuất một hình clip art “xịn” hơn để thay thế. Khi tham gia trò chơi này, các bé cũng có thể ngay lập tức nhìn xem các hình vẽ nguệch ngoạc của mình có giống với tranh vẽ của các nghệ sĩ thực thụ do AI đề xuất hay không. Trang web: autodraw.com Hãy khơi nguồn sáng tạo cho con trẻ ngay từ nhỏ! Các trò chơi nghệ thuật tương tác khuyến khích trẻ tự do vẽ theo trí tưởng tượng của mình. Ưu điểm lớn nhất là các bé sẽ không đổ màu vẽ bừa bãi lên vải hoặc giấy và để lại một đống lộn xộn. Các trang web nghệ thuật tương tác trên đây được thiết kế hoàn hảo dành cho trẻ em, ngoài ra cũng có vô số các ứng dụng vẽ và tô màu khác, một số thậm chí còn được thiết kế dưới dạng trò chơi trên Android và iOS.

10h sáng thứ bảy, ngày 09.10.2021, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Bạn có thể đặt trước câu hỏi ngay hôm nay: https://bit.ly/Series-Talkshow-Chuyen-Nganh Talkshow thứ 2 của chuỗi series talkshow tư vấn – định hướng nghề Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting sẽ giới thiệu đến các bạn 2 trong số những môn chuyên ngành đặc sắc tại CMA. Với sự tham gia của 2 Giảng viên: Thạc sĩ – Họa sĩ Lê Thắng Họa sĩ Trang Đức Huy Các bạn sẽ được trực tiếp tìm hiểu, đặt câu hỏi về môn học và xem các phần thị phạm đặc sắc của Giảng viên. – Tại sao môn học này cần thiết cho chuyên ngành của bạn? – Bạn sẽ được học những gì trong môn học này? Mời bạn cùng theo dõi talkshow 2 của CMA nhé! —————- Chương trình nằm trong chuỗi Talkshow Online tư vấn và định hướng nghề nghiệp cho chuyên ngành Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting do CMA tổ chức với hình thức online vào 10h sáng thứ 7 hàng tuần, từ 02/10 – 31/10, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Những chủ đề tiếp theo của chương trình gồm: Talkshow 3 (16/10): KỸ THUẬT VIÊN HOẠT HÌNH CÓ PHẢI LÀ NGHỀ HOT? Talkshow 4 (23/10): HỌA SĨ KỂ CHUYỆN TRUYỆN TRANH VÀO NGHỀ NHƯ THẾ NÀO? Talkshow 5 (30/10): VÌ SAO DIGITAL PAINTING TRỞ THÀNH NGÀNH HOT CỦA GIỚI TRẺ? Tương lai có thể mở ra từ một cánh cửa nhỏ, cùng CMA tìm chìa khóa từ chuỗi talkshow đặc sắc này nhé. —————————— VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH VIỆT NAM – COMIC MEDIA ACADEMY VN Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Để việc chuẩn bị lễ khai giảng khóa Họa Sĩ Kể Chuyện K15 & Kỹ Thuật Viên Hoạt Hình K01 an toàn và chu đáo hơn, CMA quyết định sẽ chính thức tổ chức buổi lễ vào ngày 5.11.2021 (thay vì 30.10.2021). CMA hy vọng việc kiểm soát dịch bệnh ngày một tốt hơn để chúng ta có thể tham dự buổi lễ như dự định. Hơn bao giờ hết, CMA rất mong chờ ngày gặp mặt các bạn Tân học viên, ngày được đồng hành cùng các bạn trên chặng đường nhiều thách thức lẫn nhiều ước mơ. Nếu trước ngày 5.11.2021, thành phố có bất kỳ công văn mới nào về việc giãn cách để phòng chống dịch bệnh CMA sẽ thông báo ngay phương án mới nhất để quý phụ huynh và các bạn có sự chuẩn bị kịp thời. CMA cũng đang áp dụng chính sách hỗ trợ học phí dành cho các Tân học viên đang gặp khó khăn trong trận dịch này. Các bạn vui lòng liên hệ hotline hoặc inbox cho page để được giải đáp và hỗ trợ nếu cần. Chúc quý phụ huynh và các bạn cùng gia đình bình an, khỏe mạnh và mong rằng dịch bệnh sớm được kiểm soát để chúng ta có thể gặp nhau như dự định. —————– Viện Truyện Tranh Hoạt Hình Việt Nam đang tuyển sinh 𝗛𝗢̣𝗔 𝗦𝗜̃ 𝗞𝗘̂̉ 𝗖𝗛𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗞𝟭𝟱 ngành 𝐓𝐫𝐮𝐲𝐞̣̂𝐧 𝐭𝐫𝐚𝐧𝐡-𝐃𝐢𝐠𝐢𝐭𝐚𝐥 𝐩𝐚𝐢𝐧𝐭𝐢𝐧𝐠 và 𝐊𝐲̃ 𝐭𝐡𝐮𝐚̣̂𝐭 𝐯𝐢𝐞̂𝐧 ngành 𝐇𝐨𝐚̣𝐭 𝐡𝐢̀𝐧𝐡 dành cho các bạn trên 18 tuổi KHAI GIẢNG: 05.11.2021 Nộp hồ sơ Onliine thật dễ dàng: https://cmavn.org/huong-dan-dang-ki-hoc/ và làm theo hướng dẫn —————————— 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗔𝗡𝗛 𝗩𝗔̀ 𝗛𝗢𝗔̣𝗧 𝗛𝗜̀𝗡𝗛 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗧 𝗡𝗔𝗠 – 𝗖𝗢𝗠𝗜𝗖 𝗠𝗘𝗗𝗜𝗔 𝗔𝗖𝗔𝗗𝗘𝗠𝗬 𝗩𝗡 Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Những họa sĩ quen thuộc với cộng đồng minh họa Việt Nam không chỉ gây tiếng vang với các tác phẩm trong nước mà bằng tài năng của mình, họ còn tạo được ấn tượng mạnh với các đơn vị xuất bản quốc tế và cho ra mắt nhiều sản phẩm chất lượng. Họa sĩ minh họa là một trong nhũng công việc đặc sắc mà học viên tốt nghiệp ngành Digital painting tại CMA có thể tham gia sau khi tốt nghiệp. 1/ Họa sĩ Huỳnh Kim Liên – Phùng Nguyên Quang Hai họa sĩ sử dụng bút danh chung là KAA và lập một studio minh họa có tên “KAA Illustration”, minh họa cho nhiều ấn phẩm sách nước ngoài. Không chỉ vẽ bìa, KAA còn thực hiện minh họa bên trong nhiều cuốn sách tranh của tác giả quốc tế. Một số cuốn sách nổi bật mà KAA thực hiện vẽ minh họa có thể kể đến 10 Women that Changed the World’s History, Pionnieres! 50 Women in Extraordinary Destiny, The Magic Bubbles của Isabel Otter, The Floating Field của Scott Riley… Tranh minh họa của KAA nhiều màu sắc rực rỡ, phù hợp độc giả thiếu nhi với đề tài đa dạng. Với nhiều năm kinh nghiệm vẽ tranh minh họa, hai họa sĩ được các nhà xuất bản nước ngoài đánh giá cao và hợp tác trong nhiều dự án như NXB Auzou Editions của Pháp, Macmillan, HarperCollins… Cuốn sách Hành trình đầu tiên do bộ đôi thực hiện cả phần tranh và nội dung đã đoạt giải thưởng Scholastic Picture Book Award năm 2015 tại Singapore và vừa được xuất bản tại Mỹ đầu năm 2021. 2/ Họa sĩ Khoa Lê Khoa Lê (bút danh khác là Bích Khoa) là một nữ họa sĩ minh họa và là tác giả của nhiều sách tranh đã xuất bản ở Việt Nam, Pháp, Italy, Phần Lan, Tây Ban Nha… Cô từng có nhiều triển lãm cá nhân trong nước và nước ngoài trong nhiều năm qua, và là chủ nhân nhiều giải thưởng quốc tế lớn như Samsung Kidstime Authors Award năm 2017, Best Illustrator của Northern Light Book Award 2020, Best Illustration của Toka Box Top South Asian Children’s Books… Một số cuốn sách nước ngoài do Khoa Lê minh họa được xuất bản vài năm gần đây có thể kể đến The Most Beautiful Thing của Kao Kalia Yang, Sugar in Milk của Thrity Umrigar, Bare Tree and Little Wind của Mitali Perkins, Flash and Gleam – Light in our world của Sue Fliess… Tranh của Khoa Lê gây ấn tượng thị giác tốt với nhiều mảng màu đối lập và nét vẽ đặc trưng, phù hợp với nhiều câu chuyện cổ tích về lâu đài, hoàng tử, các nàng công chúa, hoa cỏ với nhiều chi tiết tỉ mỉ và đẹp mắt. Năm 2016, 7 tựa sách tranh do họa sĩ Khoa Lê vẽ do NXB Nuinui của Thụy Sĩ ấn hành đã bán được bản quyền cho NXB nước khác sau khi nhận được nhiều lời khen ngợi tại Hội chợ sách quốc tế Bắc Kinh, Trung Quốc. 3/ Họa sĩ Xuân Lộc Xuân Xuân Lộc Xuân là họa sĩ tự do, đang sống và làm việc tại TP.HCM. Cô đã thực hiện hàng trăm bìa sách, bìa tạp chí, tranh minh họa mỗi năm cho nhiều đối tác nước ngoài, trong đó có cả những đơn vị xuất bản trên thế giới tại Mỹ, Anh, Nhật Bản, Hàn Quốc, Trung Quốc… Tranh của Xuân Lộc Xuân thường được thể hiện tối giản với chỉ khoảng ba màu chủ đạo, thiên về các màu lạnh như xanh lam, xanh lá và gắn với khung cảnh thiên nhiên với nét vẽ đặc trưng. Hình ảnh con người hòa mình giữa thiên nhiên là các chủ đề thường thấy trong tranh của cô. Năm 2020, cô được Behance vinh danh trong top ba họa sĩ và tác phẩm nổi bật trong năm trên nền tảng này trong số hơn 10 triệu người dùng. Làm việc với các nhà xuất bản nước ngoài lớn như Penguin Random House, HarperCollins, Macmillan, Laurence King UK mang đến cho cô nhiều trải nghiệm quý giá, đồng thời ghi dấu ấn cá nhân và thương hiệu của bản thân trên trường quốc tế. Tranh của Xuân Lộc Xuân cũng thường xuất hiện tại các triển lãm, gallery, bao bì đĩa phim, giấy gói… 4/ Họa sĩ Wazza Pink Wazza Pink tên thật là Nguyễn Uyên, là họa sĩ trẻ 9X được yêu thích tại Việt Nam và thành viên của Cloud Pillow – một studio vẽ minh họa nổi tiếng tại Hà Nội. Wazza Pink đến nay đã vẽ minh họa cho nhiều cuốn sách thiếu nhi cả ở Việt Nam lẫn nước ngoài. Trẻ em là nhân vật chính trong các tác phẩm của cô, khiến các bức tranh rực rỡ sắc màu, toát lên vẻ tươi vui, đáng yêu và sống động. Theo đuổi nghề từ năm 2013, Wazza Pink có sở trường là thể hiện cảm xúc của con người, nhất là những cảm xúc tích cực, yên bình và cần được lan tỏa trong cuộc sống. Cô có duyên với nhiều NXB lớn trên thế giới, góp cọ vào một số tác phẩm như Christmas is Coming! của Tama Fortner, My Mindfull Walk with Grandpa của Sheri Mabry, Mother Goose Goes to India của Kabir Sehgal và Surishtha Sehgal. Thông tin giới thiệu của họa sĩ Wazza Pink được đăng trên website mục tác giả của nhiều NXB lớn như Simon And Schuster, Hachette Australia, Little Tiger. Cre: zingnews.vn (Comic Media Academy)

Vừa ra mắt vào ngày 17/9, Squid Game (Trò Chơi Con Mực) đã nhanh chóng lọt top 3 và có thời điểm thống lĩnh vị trí số 1 trên Netflix toàn cầu. Bên cạnh nội dung hấp dẫn, phần hình ảnh sống động là một điểm cộng giúp bộ phim về trò chơi sinh tồn của Hàn Quốc thành công và thu hút sự chú ý của khán giả. Qua phần credit của bộ phim, khán giả đã nhận ra phần hiệu ứng hình ảnh có sự tham gia rất lớn của ekip Việt Nam, tại các vị trí VFX Project Manager, Producer và Digital Artist. —————————— 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗔𝗡𝗛 𝗩𝗔̀ 𝗛𝗢𝗔̣𝗧 𝗛𝗜̀𝗡𝗛 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗧 𝗡𝗔𝗠 – 𝗖𝗢𝗠𝗜𝗖 𝗠𝗘𝗗𝗜𝗔 𝗔𝗖𝗔𝗗𝗘𝗠𝗬 𝗩𝗡 * Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh * Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh * 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 * Zalo:0902738806 * https://cmavn.org/ * Facebook: https://www.facebook.com/cmavn * Instagram: cma.vietnam * Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn * Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy * cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

𝐵𝑎̣𝑛 𝑐ℎ𝑜̣𝑛 𝑛𝑔ℎ𝑒̂̀ ℎ𝑎𝑦 𝑛𝑔ℎ𝑒̂̀ 𝑐ℎ𝑜̣𝑛 𝑏𝑎̣𝑛? Chuỗi 5 talkshow trong tháng 10 của CMA với sự tham gia của các vị khách mời đặc biệt sẽ giúp bạn giải đáp chi tiết các câu hỏi về chuyện học – chuyện làm, cơ hội – thách thức cũng như lợi thế – khó khăn của ngành Truyện tranh – Hoạt hình – Digital painting. Định kỳ vào 𝟭𝟬𝗵 𝘀𝗮́𝗻𝗴 𝘁𝗵𝘂̛́ 𝟳 𝗵𝗮̀𝗻𝗴 𝘁𝘂𝗮̂̀𝗻, từ ngày 𝟬𝟮/𝟭𝟬 – 𝟯𝟬/𝟭𝟬/𝟮𝟬𝟮𝟭, Livestream tại fanpage Comic Media Academy VN. Bạn có thể đặt trước câu hỏi ngay hôm nay: click tại ĐÂY Talkshow 1 (02/10): BẠN HIỂU GÌ VỀ NGÀNH TRUYỆN TRANH – HOẠT HÌNH – DIGITAL PAINTING? Giới thiệu tổng quan về chương trình, định hướng đào tạo, chế độ học bổng, cơ hội việc làm của các chuyên ngành đang được tổ chức tại CMA Talkshow 2 (09/10): MÔN HỌC CHUYÊN NGÀNH NÀO CHỈ CÓ TẠI CMA? Các Giảng viên sẽ trực tiếp thị phạm và giới thiệu một số môn học đặc sắc dành cho học viên CMA. Tại sao môn học này cần thiết cho bạn? Talkshow 3 (16/10): KỸ THUẬT VIÊN HOẠT HÌNH CÓ PHẢI LÀ NGHỀ HOT? Tìm hiểu về lộ trình 1 năm để trở thành thành viên trong đội ngũ làm phim hoạt hình và trao đổi sâu hơn về cơ hội việc làm của ngành hoạt hình 2D. Talkshow 4 (23/10): HỌA SĨ KỂ CHUYỆN TRUYỆN TRANH VÀO NGHỀ NHƯ THẾ NÀO? Học ngành Truyện tranh chỉ có thể sáng tác Truyện tranh? Họa sĩ kể chuyện ngành Truyện tranh tại CMA có những cơ hội việc làm gì và cách tìm kiếm công việc như thế nào? Talkshow 5 (30/10): VÌ SAO DIGITAL PAINTING TRỞ THÀNH NGÀNH HOT CỦA GIỚI TRẺ? Điểm khác biệt giúp Digital painting “ghi điểm” hơn đồ họa là gì? Những công việc nào các bạn học Digital painting có thể tham gia sau khi tốt nghiệp? Tương lai có thể mở ra từ một cánh cửa nhỏ, cùng CMA tìm chìa khóa từ chuỗi talkshow đặc sắc này nhé. —————————— 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗔𝗡𝗛 𝗩𝗔̀ 𝗛𝗢𝗔̣𝗧 𝗛𝗜̀𝗡𝗛 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗧 𝗡𝗔𝗠 – 𝗖𝗢𝗠𝗜𝗖 𝗠𝗘𝗗𝗜𝗔 𝗔𝗖𝗔𝗗𝗘𝗠𝗬 𝗩𝗡 Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Thêm một nền tảng truyện tranh dành cho các độc giả và họa sĩ truyện tranh. Ngày 15/9 vừa qua, công ty cổ phần Manga M (Hà Nội) đã chính thức đưa vào hoạt động Nền tảng truyện tranh mở Manga M tại trang web: www.mangam.vn. Với mục tiêu kết nối giữa tác giả và độc giả yêu thích truyện tranh. Manga M hướng tới một không gian để độc giả được tiếp cận nhanh nhất các tác phẩm bản quyền đặc sắc và cung cấp giải pháp giúp các tác giả truyện tranh phổ tác phẩm, đồng thời kiếm doanh thu. Trong tuần đầu ra mắt, độc giả và các tác giả truyện tranh có thể tham gia trải nghiệm và nhận nhiều ưu đãi. Các bạn có thể tìm hiểu thêm thông tin về Manga M tại: https://www.facebook.com/MangaM2021 (Comic Media Academy)

𝐶ℎ𝑢̛𝑜̛𝑛𝑔 𝑡𝑟𝑖̀𝑛ℎ ℎ𝑜̂̃ 𝑡𝑟𝑜̛̣ ℎ𝑜̣𝑐 𝑝ℎ𝑖́ đ𝑎̣̆𝑐 𝑏𝑖𝑒̣̂𝑡 𝑐𝑢̉𝑎 𝐶𝑀𝐴 𝑛ℎ𝑎̆̀𝑚 𝑐ℎ𝑖𝑎 𝑠𝑒̉ 𝑛𝑜̂̃𝑖 𝑙𝑜 𝑡𝑎̀𝑖 𝑐ℎ𝑖́𝑛ℎ 𝑣𝑜̛́𝑖 𝑐𝑎́𝑐 𝑏𝑎̣𝑛 ℎ𝑜̣𝑐 𝑣𝑖𝑒̂𝑛 đ𝑎̆𝑛𝑔 𝑘𝑦́ ℎ𝑒̣̂ 𝐾𝑦̃ 𝑡ℎ𝑢𝑎̣̂𝑡 𝑣𝑖𝑒̂𝑛 𝑣𝑎̀ 𝑘ℎ𝑜́𝑎 𝐻𝑜̣𝑎 𝑠𝑖̃ 𝑘𝑒̂̉ 𝑐ℎ𝑢𝑦𝑒̣̂𝑛. Chỉ cần nộp hồ sơ trước ngày 30/9 – Được ưu đãi học phí 1,000,000đ – Được tặng bảng vẽ XP-Pen Deco 01 V2 trị giá 2,400,000đ – Đặc biệt, khi đóng trước 5,000,000đ, học viên được hoàn tất phần học phí còn lại của học kỳ theo tháng. Bên cạnh đó, CMA vẫn duy trì các chương trình học bổng dành cho tân học viên Họa sĩ kể chuyện với giá trị cao nhất lên tới 150,000,000đ cho học phí toàn khóa học. Đây là thời điểm tất cả chúng ta đếu gặp nhiều khó khăn vì ảnh hưởng của dịch bệnh, CMA tin rằng rằng sự hỗ trợ thiết thực này sẽ tiếp thêm động lực để các bạn trẻ yên tâm theo đuổi con đường học tập. Nếu vẫn còn băn khoăn, đừng ngại liên hệ hệ CMA để được tư vấn hoàn toàn miễn phí bạn nhé. —————– Viện Truyện Tranh Hoạt Hình Việt Nam đang tuyển sinh 𝗛𝗢̣𝗔 𝗦𝗜̃ 𝗞𝗘̂̉ 𝗖𝗛𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗞𝟭𝟱 ngành 𝐓𝐫𝐮𝐲𝐞̣̂𝐧 𝐭𝐫𝐚𝐧𝐡-𝐃𝐢𝐠𝐢𝐭𝐚𝐥 𝐩𝐚𝐢𝐧𝐭𝐢𝐧𝐠 và 𝐊𝐲̃ 𝐭𝐡𝐮𝐚̣̂𝐭 𝐯𝐢𝐞̂𝐧 ngành 𝐇𝐨𝐚̣𝐭 𝐡𝐢̀𝐧𝐡. *KHAI GIẢNG: tháng 11/2021 *Nộp hồ sơ Onliine thật dễ dàng: Tại Đây >> Khóa học 𝐊𝐲̃ 𝐭𝐡𝐮𝐚̣̂𝐭 𝐯𝐢𝐞̂𝐧 𝐇𝐨𝐚̣𝐭 𝐡𝐢̀𝐧𝐡 trong 14 tháng dành cho các bạn có nhu cầu trau dồi thêm kỹ năng để tham gia vào đội ngũ làm phim hoạt hình tại các Studio, các công ty làm phim hoạt hình. >> Khóa học 𝐇𝐨̣𝐚 𝐬𝐢̃ 𝐤𝐞̂̉ 𝐜𝐡𝐮𝐲𝐞̣̂𝐧 là chương trình đào tạo 𝐇𝐞̣̂ 𝐜𝐡𝐮𝐲𝐞̂𝐧 𝐧𝐠𝐡𝐢𝐞̣̂𝐩 dành cho các bạn từ 18 tuổi trở lên có đam mê với các công việc sáng tạo Truyện tranh, Digital painting. Miễn thi năng khiếu đầu vào. Đối tượng tuyển sinh: tốt nghiệp THPT trở lên. Là đối tác của các công ty và studio sáng tạo, học viên khóa chuyên nghiệp và kỹ thuật viên tại CMA có cơ hội làm việc kiếm thu nhập ngay trong thời gian học tập! Và luôn được hỗ trợ thông tin việc làm qua các kênh tuyển dụng nội bộ. —————————— 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗨𝗬𝗘̣̂𝗡 𝗧𝗥𝗔𝗡𝗛 𝗩𝗔̀ 𝗛𝗢𝗔̣𝗧 𝗛𝗜̀𝗡𝗛 𝗩𝗜𝗘̣̂𝗧 𝗡𝗔𝗠 – 𝗖𝗢𝗠𝗜𝗖 𝗠𝗘𝗗𝗜𝗔 𝗔𝗖𝗔𝗗𝗘𝗠𝗬 𝗩𝗡 Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, Tp. Hồ Chí Minh Cơ sở 2: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận. Tp. Hồ Chí Minh 0902738806 – (028) 39977271 – (028)3820.9066 Zalo:0902738806 https://cmavn.org/ Facebook: https://www.facebook.com/cmavn Instagram: cma.vietnam Youtube: https://www.youtube.com/user/cmavn Tiktok: https://www.tiktok.com/@comic_media_academy cmavn.org@gmail.com – daotao@cmavn.org

Trong thời kì công nghệ phát triển như vũ bão, phong cách 3D đang thống trị các studio hoạt hình. Nhưng khác với phần còn lại của thế giới, ở Nhật Bản, với sự ảnh hưởng quá mạnh mẽ của manga và anime, hoạt hình 2D vẫn giữ vị trí độc tôn. Ít người biết thế vận hội mùa hè Tokyo 2020 diễn ra vừa qua không chỉ là về thể thao mà còn là nơi trình diễn văn hóa manga và anime (truyện tranh và hoạt hình Nhật). Các nhân vật trong các bộ manga và anime nổi tiếng là đại sứ của Olympics, nhạc phim anime được phát liên tục trong một loạt các trận đấu, riêng bài hát trong anime “Thanh gươm diệt quỷ” (Demon Slayer) được cả dàn nhạc biểu diễn mở màn cho lễ bế mạc thế vận hội. Manga và anime là một phần đời sống người Nhật. Sena Ire, nữ vận động viên đầu tiên đem về cho Nhật Bản huy chương vàng môn boxing, dù là một võ sĩ nghiệp dư, đã đến với bộ môn thể thao này nhờ vào việc say mê đọc bộ manga thể thao Ganbare Genky. Hay, sự thành công của bộ anime và manga Haikyu!! của tác giả Haruichi Furudate đã giúp bộ môn bóng chuyền và đặc biệt là đội tuyển bóng chuyền Nhật, nhận được sự chú ý và hâm mộ. Anime là gì và có gì khác biệt? 「アニメ」anime (đọc là a-ni-mê) là viết tắt của từ mượn 「アニメーション」 “a-ni-me-shon”, xuất phát từ tiếng Anh “animation” – mang nghĩa “hoạt họa”. Hiểu đơn giản, “anime” là “phim hoạt hình” trong tiếng Nhật. Tới nay, anime được hiểu như một danh từ độc lập, tên gọi riêng một thể loại, một phong cách – phim hoạt hình Nhật Bản. Một khán giả nói rằng tôi thích anime, có thể hiểu ngay người đó thích phim hoạt hình Nhật, với ấn tượng chủ yếu là phim hoạt hình 2D. Những bộ phim anime sơ khởi với thời lượng chiếu ngắn, không có tiếng, ra đời từ năm 1917, với thế hệ những họa sĩ hoạt họa gồm các tên tuổi như Ōten Shimokawa, Jun’ichi Kōuchi và Seitaro Kitayama – những người được coi như cha đẻ của anime. Sự xuất hiện của anime không muộn hơn quá nhiều so với những bộ phim hoạt hình đầu tiên trên thế giới, bắt đầu từ Pháp vào năm 1888. Anime hiện đại nhen nhóm từ năm 1956, và dần bùng lên vào cuối 1961 cùng với sự thành lập của hãng phim Mushi của đạo diễn – họa sĩ truyện tranh lừng danh Osamu Tezuka. Tác phẩm nổi bật của ông, đồng thời mở đường cho sự phát triển của anime hiện đại là Astro Boy (1963) – câu chuyện về một cậu bé người máy có siêu sức mạnh và ưa chuộng hòa bình. Astro Boy xuất phát điểm là một bộ truyện tranh nổi tiếng, sau đó được chuyển thể thành phim hoạt hình. Trong cuốn sách The soul of Anime (Linh hồn của Anime), tác giả Ian Condry có nhận định rằng điểm mạnh của ngành công nghiệp anime là sự kết hợp chặt chẽ giữa anime và manga (truyện tranh Nhật). Có rất nhiều các tác phẩm manga thành công, được chuyển thể thành anime, tạo nên sức bật tương hỗ cho tác phẩm ở cả hai thể loại, mang tới doanh thu lớn, đặc biệt với các sản phẩm ăn theo khác như đồ chơi, quần áo, đồ dùng văn phòng phẩm, game… và cả nhạc phim. Manga nổi tiếng thì được chuyển thể thành anime, anime ăn khách thì lại đẩy doanh thu của manga lên theo. Qua thời gian phát triển, anime và manga đã tạo dựng được phong cách thẩm mỹ đặc thù, không thể trộn lẫn với hoạt hình phương Tây nói chung. Xét về phong cách thẩm mỹ, không thể tách rời anime khỏi manga do hai thể loại này có sự thống nhất và tương đồng mạnh mẽ. Khi một bộ manga được chuyển thể thành anime, đoàn làm phim sẽ trung thành gần như tuyệt đối với phong cách vẽ của manga gốc. Điểm này rất khác với hoạt hình và truyện tranh phương Tây. Lấy ví dụ như truyện tranh siêu anh hùng của DC Comics, phiên bản hoạt hình có phong cách tạo hình hoàn toàn khác so với truyện tranh gốc. Dễ dàng nhận thấy rằng phong cách vẽ của truyện tranh Mỹ nghiêng về hướng tả thật (bám sát giải phẫu, đánh bóng, tạo khối chi tiết, tỉ mỉ…), trong khi đó phiên bản hoạt hình lại có phong cách vẽ mảng miếng đơn giản hơn, giảm bớt chi tiết phức tạp cũng như cách bóp hình với tỷ lệ ít tả thực hơn. Trong khi đó, so sánh với cặp đôi anime và manga của Bảy viên ngọc rồng (Dragon Ball) – Akira Toriyama, câu chuyện không chỉ quen thuộc với độc giả Việt Nam mà còn có một cộng đồng người hâm mộ rộng lớn ở châu Âu và Bắc Mỹ, có thể thấy ngay là phong cách vẽ của hai phiên bản manga và anime là tương đồng, tuy rằng do hạn chế của kỹ thuật làm phim, bản anime có phần kém tươi tắn về màu sắc so với truyện. Một số đặc điểm dễ nhận diện của tạo hình nhân vật anime là mắt to và long lanh, mũi nhỏ – đôi lúc chỉ như một dấu phẩy. Khuôn mặt được đơn giản hóa về những khuôn mẫu chung tương đối giống nhau. Tạo hình nặng tính cách điệu tượng trưng, ít tả thật. Nhưng xin độc giả lưu ý, các đặc điểm kể trên không phải tất cả, thế giới anime và manga vô cùng đa dạng phong cách thể hiện, vẫn có nhiều mangaka (họa sĩ truyện tranh Nhật) có phong cách vẽ tả thật, tuy vậy đây không phải ấn tượng đặc

Trong anime chủ đề chuyển sinh, các nhân vật chính thường được tái sinh ở một thế giới khác hoặc trong một trò chơi. Tại đó họ trải qua những cuộc phiêu lưu mạo hiểm, lĩnh hội sức mạnh và gặp gỡ các loài vật kỳ lạ… Thể loại chuyển sinh có nhiều pha hành động mãn nhãn, yếu tố hài hước, siêu nhiên và cả phép thuật, tuy hư cấu nhưng nội dung đều có lồng ghép các thông điệp ý nghĩa. 18/ Cheat Pharmacist’s Slow Life: Making a Drugstore in Another World Reiji – nhân vật chính của bộ anime tỉnh dậy ở một thế giới hoàn toàn xa lạ, nơi mà cậu có khả năng sản xuất và phân phối thuốc. Reiji bắt đầu mở một hiệu thuốc với người bạn là Noera, và nhanh chóng trở nên nổi tiếng nhờ các sản phẩm chất lượng mà cậu sản xuất. Cheat Pharmacist’s Slow Life là anime chuyển sinh rất phù hợp để giải trí, nhịp độ phim tuy chậm nhưng các sự kiện được diễn ra liên tục. 17/ Kyuukyoku Shinka shita Full Dive RPG ga Genjitsu yori mo Kusoge Dattara Nhân vật chính Yuuki Hiroshi tham gia vào một trò chơi có tên là Kiwame Quest. Tuy chỉ là trò chơi nhưng nó lại sống động như thật, Yuuki có thể ngửi, ném, cảm nhận mọi thứ trong không gian ảo. Trò chơi này cũng có những tương tác với thực tế như khi cậu bị thương trong trò chơi thì cơ thể ngoài đời cũng bị thương. Dù nhận ra thế giới ảo sẽ khiến bản thân gặp trở ngại với thế giới thực nếu cậu cứ đắm chìm vào nó, nhưng Yuuki đã quyết tâm sẽ mạo hiểm cho đến khi không thể chơi được nữa. Được biết đến với tên tiếng Anh là Full Dive, đây là một anime hành động nổi tiếng năm 2021, chuyển thể từ bộ truyện tranh cùng tên với lượng người theo dõi khổng lồ tại Nhật Bản. 16/ Urasekai Picnic “Other World” là một vương quốc nguy hiểm được kiểm soát bởi những sinh vật bóng tối  kỳ lạ, nhiều sinh vật  còn đe dọa con người và gây ra các mối nguy hiểm. Để trải nghiệm rõ hơn về “Other World”, bạn có thể khám phá những cánh cửa ẩn, các thang máy cổ hay trong các hội trường. Sau cuộc chạm trán với một sinh vật đến từ “Other World” Sarao Kamikoshi đối mặt với suy nghĩ liệu có nên tiếp tục sống hay không. Trong lúc đó, Toriko Nishina đang tìm kiếm người bạn của cô – Satsuki – người  đã thất lạc trước đó. Sau khi hai nhân vật tình cờ gặp nhau, họ trở thành bạn thân và bắt đầu khám phá chiều không gian bí ẩn này. 15/ Isekai Maou to Shoukan Shoujo no Dorei Majutsu Câu chuyện kể về Diablo, người chơi mạnh nhất trong Cross Reverie, ai cũng thận trọng khi đối đầu anh ta. Diablo sở hữu những vật phẩm hiếm và mạnh nhất của trò chơi, điều này khiến không ai có thể dễ dàng vượt qua anh. Thực chất Diablo chính là  Takuma – nhân vật chính của anime, Takuma đã chuyển sinh vào trong trò chơi, và phải tìm cách để trở lại thế giới thực thông qua cuộc du hành trong trò chơi đó. 14/ Tenku Shinpan Tenkuu Shinpan thuộc thể loại chuyển sinh nhưng vẫn có các yếu tố khác như hành động, bí ẩn, kinh dị. Yuri Honjou sau khi chứng kiến cái chết kinh hoàng của một người đàn ông, cô đã chạy để trốn khỏi tên sát thủ. Tuy nhiên, cô nhận ra tất cả cánh cửa đều bị khóa, và cô bị mắc kẹt trên sân thượng của các tòa nhà cao tầng. Yuri cũng nhận ra anh trai cô cũng đang mắc kẹt tại nơi này và quyết tâm tìm anh ấy. 13/ Log Horizon: Entaku Houkai Log Horizon: Entaku Houkai là bản anime phát hành năm 2021 kể về Elder Tale một game nhập vai online cho phép người chơi tham gia các cuộc phiêu lưu trên khắp các thế giới khác nhau. Nhưng phiên bản thứ mười hai – Novasphere Pioneers – đã không hoạt động tốt, dẫn đến việc 30 nghìn người chơi Nhật Bản bị mắc kẹt bên trong thế giới game này. Trong số những người bị mắc kẹt có cậu học sinh Shiroe với tính tình điềm tĩnh, không giỏi tương tác với người khác, cậu là người đã lập nên hội  “Log Horizon”. 12/ I’ve Been Killing Slimes For 300 Years Sau nhiều năm làm việc bán mạng cho công ty, Azusa Aizawa đã kiệt sức và qua đời. Kì diệu thay cô đã gặp một nữ thần và được ban cho sự bất tử. Sau đó cô chuyển sinh đến một thế giới khác để sinh sống. Ở đây, cô là một nhà nông, có nhiệm vụ bảo vệ ngôi làng gần đó và giết 25 con slimes mỗi ngày. Việc này trở  thành một thói quen kéo dài ít nhất ba thế kỷ.  Khi cô đạt đến cấp độ 99, đột nhiên tin đồn về sức mạnh của cô lan ra khắp lục địa. Chẳng bao lâu, nhiều người xuất hiện trước cửa nhà cô một phần vì muốn học hỏi kỹ năng chiến đấu, một phần muốn khiêu chiến phần khác thì tìm kiếm sự giúp đỡ. Liệu cuộc sống yên bình của Azusa có thể tiếp tục nữa hay không? 11/ The Dungeon of the Black Company Nhân vật Kinji không muốn làm việc, lười biếng và cảm thấy thiếu động lực trong xã hội hiện đại. Một ngày nọ, anh đột nhiên được chuyển đến một thế giới khác – nơi mà thực tại diễn ra khắc nghiệt, mọi thứ đều chống lại anh. 10/ Combatants Will Be Dispatched Tập đoàn Kisaragi đã và đang làm

11. Another Bạn muốn xem anime kinh dị thì Another chắc chắn sẽ không làm bạn thất vọng. Câu chuyện lấy bối cảnh ở thị trấn yên bình Yomiyama, Another sẽ khiến bạn lạnh sống lưng với mỗi tập phim. Chuyển thể từ Light Novel cùng tên, Kouichi Sakakibara, một học sinh 15 tuổi, chuyển đến lớp 3-3 của trường Trung học Bắc Yomiyama và cảm nhận được điều khác thường trong lớp. Cậu bị thu hút bởi Mei, nhưng cậu nhận thấy rằng những người bạn cùng lớp khác cư xử như thể cô ấy chẳng tồn tại. Cuối cùng, những bí ẩn dần được hé lộ và cuộc sống của cả thị trấn dần rơi vào sự chết chóc. 10. Parasyte: The Maxim Parasyte là anime kinh dị được đánh giá xuất sắc bởi các fan hâm mộ anime. Nội dung kể về những sinh vật ký sinh kỳ lạ, chúng đến Trái đất và bắt đầu chiếm lấy cơ thể con người. Shinichi Izumi, một học sinh trung học, cũng bị tấn công. Cậu cố gắng không để nó xâm nhập vào não của mình nhưng vô tình làm nó mắc kẹt bên trong bàn tay phải, điều này buộc cậu phải sống cộng sinh với nó, mắc kẹt trong một thế giới giữa ký sinh trùng và con người. 9. The Promised Neverland The Promised Neverland là anime tâm lý – bí ẩn kể về ba đứa trẻ mồ côi sống cùng nhau tại trại trẻ mồ côi Grace Field cùng với Mama và những đứa trẻ  khác. Một ngày nọ, ba đứa trẻ khám phá ra một bí mật kinh dị về trại trẻ, buộc chúng phải cùng nhau giải cứu những đứa trẻ khác và bỏ chạy khỏi nơi này. 8. Death Parade Death Parade là một anime tâm lý, kể về việc những người sau khi chết sẽ được đến một quán bar trước khi đi đầu thai. Ở đó, họ sẽ bị thử thách với những trò chơi mang tính quyết định số phận của mình, đầu thai hay rơi vào cõi hư không. Trò chơi khiến tất cả bản chất thật sự của một con người bộc lộ, buộc họ phải dẫm đạp lên người khác để được sinh tồn. 7. Code Geass Code Geass là bộ phim kinh dị khoa học viễn tưởng, kể về Lelouch Vi Britannia, người được ban cho sức mạnh của các vị vua – Geass – bởi một cô gái vô danh. Lelouch, với sức mạnh tối thượng này, quyết tâm lên đường trả thù những kẻ đã khiến anh phải đau khổ. 6. Mirai Nikki Mirai Nikki thuộc thể loại kinh dị siêu nhiên, trong đó, nhân vật chính là Yukiteru Amano, một học sinh bình thường cho đến khi cậu nhận được một cuốn nhật ký tương lai, buộc cậu phải tham gia vào một trận chiến đẫm máu với 11 người nắm giữ nhật ký khác. Mirai Nikki được đánh giá rất đen tối, bao gồm rất nhiều cảnh máu me lẫn 18+. 5. Erased Erased là một anime tâm lý – bí ẩn kể về Satoru, người có khả năng đặc biệt – có thể quay ngược thời gian. Khi bị buộc tội sát hại người khác, anh đã dùng khả năng đặc biệt này để quay về 18 năm trước. Khi đó, anh nhận ra toàn bộ vụ việc có liên quan đến vụ bắt cóc và sát hại người bạn cùng lớp, Kayo Hinazuki. Anh nắm lấy cơ hội sửa sai và quyết tâm thay đổi tương lai của mình. 4. Monster Monster kể về Tiến sĩ Kenzo Tenma, người đã cứu sống một cậu bé. Kể từ đó, cuộc sống của anh bị đảo lộn khi  cậu bé anh từng cứu lại trở thành  kẻ giết người hàng loạt. Kenzo cảm thấy tội lỗi và phải có trách nhiệm  hạ gục tên sát nhân mà anh đã cứu nhiều năm trước. 3. Re: Zero – Starting Life in Another World Anime thể loại chuyển sinh (Isekai) thường không liên quan đến tâm lý cho lắm. Nhưng Re: Zero là một ngoại lệ. Nội dung của Re: Zero kể về  anh chàng Natsuki Subaru được chuyển sinh đến một thế giới khác. Ở đó, cậu gặp những con quái vật muggers nhưng may mắn được cứu bởi một cô gái tên Satella. Và từ đó, số mệnh đưa đẩy khi cậu vô tình biết được rằng cậu và Satella sẽ bị giết. Natsuki sau đó thức dậy với khung cảnh quen thuộc, tiếp tục vòng lặp chuyển sinh lần nữa. 2. Steins;Gate Steins; Gate là một anime xuất sắc về du hành thời gian, trong đó – Okabe Rintarou – một nhà khoa học gia đã có cơ hội  gửi mail cho bản thân trong quá khứ và từ đó thay đổi quá khứ của mình. Steins; Gate tiếp nối câu chuyện về Okabe khi anh  phải chịu  trách nhiệm cho việc thay đổi dòng chảy của thời gian. 1. Death Note Death Note được xem là kiệt tác anime của thế kỷ. Nội dung bộ anime kể về một học sinh trung học – Light Yagami – tình cờ nhặt được  Death Note, thứ có thể giết bất kỳ ai chỉ bằng việc viết tên người đó vào quyển sổ, miễn là người viết biết mặt người bị giết. Với khát vọng trở thành Vị thần của Thế giới mới, Light đã dùng Death Note để “thanh lọc” những người mà cậu cho rằng đáng phải chết. >> Xem Phần 1: tại ĐÂY Nguồn: animeindia.in Người dịch: Minh Thanh

Sẽ không có gì tuyệt vời hơn việc được thưởng thức những bộ anime lôi cuốn với cốt truyện mang màu sắc giật gân – tâm lý trong những ngày rảnh rỗi đúng không nào? Những bộ anime này sẽ “thâm nhập” vào bộ não bạn, chơi đùa với suy nghĩ của bạn, tạo ra một tia hy vọng le lói để rồi dập tắt nó một cách tàn nhẫn. Tuy khó tin nhưng đó là một trong những điều khiến anime thuộc thể loại giật gân – tâm lý cuốn hút khán giả. Cùng điểm qua 22 anime dưới đây nhé! 22. Moriarty the Patriot Bạn là fan hâm mộ của thám tử Sherlock Holmes? Vậy thì anime Moriarty the Patriot cần được đưa ngay vào playlist của bạn. Moriarty the Patriot là anime chuyển thể từ tiểu thuyết đình đám Sherlock Holmes nhưng được xây dựng dưới góc nhìn của Giáo sư James Moriarty. Mọi thứ đều được giữ đúng theo nguyên tác, ngay cả các nhân vật phụ như bà Hudson, Lestrade, và những người khác. Moriarty the Patriot theo chân William James Moriarty, một quý tộc và là người con thứ của gia tộc Moriarty. Tuy là một cố vấn viên, cung cấp cho người khác lời khuyên về những vấn đề trong cuộc sống nhưng sâu thẳm bên trong anh muốn phá hủy chế độ xã hội hiện tại, đứng lên nắm quyền làm chủ nó và anh sẽ làm bất cứ điều gì để thay đổi thế giới. 21. Durarara!! Durarara!! là anime  hành động – bí ẩn và được khá ít người xem vì độ “khó ngấm” của nó. Durarara!! kể về Mikado Ryuugamine, người cảm thấy mệt mỏi với cuộc sống yên ấm thường ngày của mình, Mikado luôn khao khát cảm giác mạo hiểm. Khi nhận được lời mời đến Tokyo từ một người bạn, anh đã bắt lấy cơ hội này. Cuộc đời anh thay đổi từ khi chứng kiến huyền thoại đô thị “Black Rider” xuất hiện. Các sự kiện siêu nhiên bắt đầu xảy ra, gây nên sự hỗn loạn cho cả thành phố. 20. Classroom of the Elite Classroom of the Elite là anime tâm lý học đường kể về Ayanokoji Kiyokata, người đang theo học tại một ngôi trường cao trung của chính phủ. Vẻ bề ngoài thì cậu trông như một học sinh bình thường, nhưng sâu bên trong cậu tồn tại một nhân cách đen tối. Và cũng tại ngôi trường này, mọi người luôn đấu tranh để vươn đến hạng A nhằm đạt được kiến thức vượt trội và công việc mong muốn. 19. Tokyo Ghoul Tokyo Ghoul  là  bộ anime nổi tiếng khi đem lại cho  khán giả những giây phút  đầy căng thẳng. Tokyo Ghoul có thể không được đánh giá là anime thể loại giật gân – tâm lý hay nhất, nhưng lại được lòng rất nhiều khán giả, đặc biệt là tác phẩm manga cùng tên. Nội dung anime kể về những con quỷ Ghoul, ăn thịt người để tồn tại. Trong thế giới đó, Kaneki Ken là nhân vật chính, và mọi thứ đã trở nên chệch hướng kể từ khi anh hẹn hò với một cô gái là quỷ ăn thịt người. Mắc kẹt giữa xã hội con người và loài Ghoul, Kaneki phải chiến đấu để bảo vệ chính  mình. 18. Paprika Nếu bạn không có nhiều thời gian để thưởng thức những bộ anime dài tập, hãy thử xem movie Paprika với thời lượng 90 phút. Paprika sẽ mang đến cho bạn cảm giác hồi hộp và lạnh gáy đến cực độ. Nội dung kể về câu chuyện của  Atsuko Chiba và Kosaku Tokita, hai người đã phát triển một thiết bị để xâm nhập vào suy nghĩ của người khác. Ban đầu, mục đích của họ là điều trị cho các bệnh nhân mắc hội chứng tâm lý. Nhưng dần về sau, khi thiết bị này bị đánh cắp và những người xung quanh bắt đầu cư xử một cách kỳ lạ, Atsuko và Kosaku biết họ đã rơi vào rắc rối lớn. Nhờ sự giúp đỡ của sĩ quan Konakawa, họ  đi vào thế giới giấc mơ để tìm  người đã gây ra toàn bộ sự việc. 17. Shiki Shiki là bộ anime tâm lý – bí ẩn, được chuyển thể từ tiểu thuyết kinh dị do Fuyumi Ono viết, vượt ra xa những câu chuyện về ma cà rồng mà ta thường thấy. Shiki kể câu chuyện bi thương về sự tồn tại trong một thế giới mà ta không thể phân biệt được thiện – ác. Bị Chúa bỏ rơi, Shiki – những con ma cà rồng, đã đưa ra ranh giới giữa con người và quái vật. Ngôi làng nơi câu chuyện diễn ra, vốn là một nơi không có cả tàu điện, học sinh phải đi khá xa mới có thể đến trường nên cuộc sống cũng rất buồn tẻ nhưng bầu không khí đó nhanh chóng bị phá vỡ khi hàng loạt những vụ chết người bí ẩn liên tục xảy ra. 16. Higurashi Nếu bạn thích Another, chắc chắn bạn cũng sẽ thích bộ anime này. Cả hai đều có bối cảnh giống nhau nhưng Higurashi có nhiều tập về cuộc sống thường ngày hơn do đó thời lượng cũng dài hơn. Higurashi xoay quanh anh chàng Keiichi Maebara, vừa chuyển đến ngôi làng Hinamizawa. Khi ngôi làng đang chuẩn bị cho lễ hội hàng năm, nhiều vụ giết người và mất tích kỳ lạ bắt đầu xảy ra và dường như chúng có mối liên kết với lễ hội này. Khi hỏi những người bạn sống ở ngôi làng, Keiichi rất hoang mang khi không nhận được câu trả lời mà bản thân đang tìm kiếm. 15. B: The Beginning Đây là một anime thuộc chủ đề tội phạm – trinh thám dành cho fan hâm mộ của những cuộc rượt đuổi, truy bắt tội phạm.

Từ những cảnh hành động cho tới lời thoại sống động, tất cả đều được ghi lại trong một bản storyboard chất lượng. Ngành công nghiệp giải trí đang rất cần những hoạ sĩ Storyboard và họ cũng mong muốn có một phần mềm phù hợp với công việc cũng như kĩ năng của mình. Bạn có thể tìm thấy hàng loạt những sự lựa chọn nhưng mỗi phần mềm có những đặc điểm, lợi ích và giá cả khác nhau (một số lại miễn phí). Vậy phần mềm nào tốt nhất để tạo storyboard? Và trong số chúng, cái nào hữu ích và phù hợp nhất với các dự án của bạn? Dưới đây là 14 phần mềm được đánh giá cao để chúng ta – những hoạ sĩ storyboard có thể tham khảo cũng như bắt đầu tạo ra tác phẩm của riêng mình. 1/ Storyboarder Giá: Không tính phí Hệ điều hành: Mac, Windows, Linux Đội ngũ của Wonder Unit đã phát triển một số phần mềm ấn tượng dành cho những nhà làm phim. Một trong số đó phải kể đến Storyboarder, một phần mềm miễn phí giúp tạo ra những câu chuyện mang tính thị giác cao. Phần mềm này sử dụng được ở cả ba hệ điều hành chính chuyên dùng và hoàn toàn miễn phí. Nếu bạn là người mới bắt đầu, hiển nhiên sẽ muốn tiết kiệm tiền, vậy Storyboarder là một sự lựa chọn hợp lí cho bạn và những ai cần một ứng dụng đơn giản để luyện tập.   Trong Storyboarder, một khung hình tương ứng với một shot, bạn có thể chèn thêm lời thoại hoặc sử dụng các điều hướng di chuyển, thậm chí có thể chèn thành phẩm vào Photoshop khi bạn cần nhiều công cụ chỉnh sửa hơn cho bản storyboard của mình. Đây cũng là một phần mềm có thể giúp bạn trình bày ý tưởng với khách hàng, hoặc đơn giản chỉ để luyện các kĩ năng vẽ storyboard cho nhuần nhuyễn hơn. Tất nhiên không có gì phải phàn nàn về giá của nó cả, đúng không? 2/ Toon Boom Storyboard Pro Giá: $60/tháng hoặc $999 cho 1 lần mua Hệ điều hành: Mac, Windows Nếu xét về phương diện giá cả, Toon Boom Storyboard Pro hoàn toàn không có lợi thế. Đây có thể là phần mềm làm Storyboard mắc nhất trên thị trường ở thời điểm hiện tại, cũng là thước đo tiêu chuẩn của ngành công nghiệp truyện tranh và hoạt hình. Đa số những studio có tiếng đều sử dụng Toon Boom để tạo storyboard cũng như diễn hoạt, nên  bạn sẽ cần tìm hiểu Toon Boom nếu muốn thâm nhập sâu hơn vào thị trường truyện tranh và hoạt hình. Ngoài giá gốc đã nêu, Toon Boom cũng cung cấp gói tháng với mức chi phí thấp hơn để người dùng  tiện chi trả. Với mức chi phí này, bạn có thể kiểm tra chất lượng diễn hoạt của yếu tố nước trong các phân cảnh để đánh giá chất lượng của Toon Boom mà không cần phải mua bản quyền chính. Vậy phần mềm này có những chức năng gì? Toon Boom Storyboard Pro tổng hợp cả chức năng sketching (kí hoạ) lẫn diễn hoạt. Bạn có thể phác thảo storyboard và xem thử cách nó diễn hoạt, trong khi vẫn bám chặt vào kịch bản để chắc chắn mọi phân cảnh đều đáp ứng được yêu cầu của biên kịch. Có thể nói Toon Boom còn hơn cả một phần mềm làm hoạt hình. Các công ty quảng cáo có thể tận dụng Toon Boom. Nó cũng có thể hỗ trợ hoạ sĩ vẽ storyboard trong những dự án nhỏ. Hơn hết, công cụ Story Flow còn giúp biên kịch dễ dàng chuyển đổi giữa bản phác thảo và kịch bản, giúp họ  theo dõi độ chính xác của từng chuyển cảnh, phân cảnh và hành động của nhân vật. Toon Boom còn có thể thiết lập chuyển động cho camera một cách linh hoạt, tạo không gian 3D – trải nghiệm phù hợp với những hoạ sĩ diễn hoạt 3D. Bạn có thể chèn kịch bản từ Final Draft vào Toon Boom hoặc chèn các Layer Panel từ Toon Boom vào Photoshop một cách dễ dàng. Cuối cùng là sở hữu hàng loạt các chức năng tương tự như các phần mềm khác trên thị trường. Thẳng thắn xem xét thì Toon Boom Storyboard thật sự là một phần mềm chuyên nghiệp. Để tạo ra một bản thảo ở mức độ cao thì không cần thiết phải dùng Toon Boom. Tuy nhiên, nếu muốn theo đuổi nghiêm túc ngành công nghiệp hoạt hình thì việc tìm hiểu về phần mềm này sẽ vô cùng hữu ích. 3/ Adobe Photoshop Giá:$9.99/tháng Hệ điều hành: Mac, Windows. Chắc chúng ta chẳng còn lạ gì với Photoshop. Đã hơn 20 năm kể từ khi phần mềm này chính thức ra mắt nhưng độ phổ biến của nó vẫn không hề giảm sút. Thật thú vị là Photoshop được người dùng tận dụng để thực hiện nhiều thứ khác bên cạnh tính năng chỉnh sửa ảnh, chẳng hạn như digital painting, vẽ đồ hoạ và tạo storyboard. Bạn có thể thực hiện đồ hoạ kỹ thuật số trên Photoshop tương tự như các phần mềm khác. Photoshop hiện nay đã và đang được nâng cấp khi cung cấp thêm hàng loạt những công cụ brush mới phục vụ cho giới hoạ sĩ vẽ môi trường (background artists). Ngoài ra, bạn cũng có thể sử dụng những template storyboard miễn phí dưới định dạng PSD đặc trưng của Photoshop. Không cần phải nói quá nhiều về phần mềm này nữa vì hầu như tất cả hoạ sĩ đều biết về nó. Nhược điểm lớn nhất là nó không được hỗ trợ để chạy trên hệ điều hành Linux, nhưng Photoshop vẫn là một phần mềm được hỗ trợ và

Jojo’s Bizarre Adventure: Stone Ocean sẽ ra mắt vào tháng 12 năm 2021 trên nền tảng Netflix Ngày phát hành phần Stone Ocean của loạt anime Jojo đã được ấn định vào tháng 12 năm nay. Dự kiến được phát hành trên Netflix nhưng vẫn chưa chắc chắn liệu Netflix có chiếu tất cả các tập cùng lúc hay không. Ngoài ra, nhiều người cũng cho rằng có khả năng Attack on Titan mùa 4 và Demon Slayer mùa 2 cũng sẽ ra mắt vào tháng 12. Khiến cho mùa Đông năm 2021 là mùa anime được trông đợi nhiều nhất. Những nội dung đầu tiên được tiết lộ trong trailer Stone Ocean Đoạn trailer ngắn của Jojo’s Stone Ocean đã cho khán giả thấy  sức hút và những điều đáng mong đợi trong phần phim này. Cụ thể, qua trailer khán giả biết được Jolyne Cujoh (con gái Jotaro Kujo) bị kết án 15 năm tù tại nhà tù Green Dolphin Street sau khi cô gặp tai nạn xe hơi. Trailer cũng cho thấy trong Jojo’s Stone Ocean sẽ có sự góp mặt của Jotaro Kujo, bonus thêm những hình ảnh đầu tiên về Stand của Jolyne – Stone Free. Về phần âm thanh Dàn diễn viên chính của Stone Ocean cũng đã được tiết lộ. Ai Fairouz sẽ lồng tiếng cho nhân vật chính của phần phim này, Jolyne Cujoh. Ai Fairouz chia sẻ cô rất biết ơn bộ truyện tranh gốc cùng tên: “Tôi không thể sống thiếu series Jojo’s Bizarre Adventure và chính nó đã khiến tôi bùng cháy ước mơ trở thành diễn viên lồng tiếng.” Cô nói thêm: “Ước mơ của tôi sau 12 năm cuối cùng cũng đã thành sự thật.” Ngoài ra, còn có Mutsumi Tamuro lồng tiếng cho Ermes Costello, Mariya Ise lồng tiếng cho Mysterious FF, Atsumi Tanezaki lồng tiếng cho Emporio Alnino và Yuuchirou Umehara cho Weather Forecast. Cuối cùng, không thể thiếu hai cái tên là Daisuke Namikawa và Daisuke Ono lần lượt đảm nhận vai Narciso Anastasia và Jotaro Kujo. Điều gì đáng được mong đợi ở phần phim này? Tóm tắt nội dung do chính nhà phát hành Netflix viết: “Vào năm 2011, tại Florida, Hoa kỳ, sau khi Jolyne Cujoh và bạn trai gặp tai nạn xe hơi, cô bị buộc tội và chịu bản án 15 năm tù. Liệu cô có thể rời khỏi nhà tù nghiêm ngặt này? Trận chiến định mệnh kéo dài hàng thế kỷ của hai gia đình Joestar và Dio sẽ bắt đầu tiếp từ đây”. Một điều đáng lưu ý Stone Ocean không phải là phần cuối cùng của Jojo được chuyển thể thành anime. Vẫn còn hai phần phim nữa được chuyển thể là Steel Ball Run và JoJolion saga. >> Xem trailer tại ĐÂY *Nguồn: GamesRadar+ *Người dịch: Minh Thanh

Những họa sĩ vẽ chân dung 3D sau đây thực sự đã đạt đến trình độ đỉnh cao của vẽ tả thực. 1/ Salt Bae Họa sĩ Eugene Tertychnyi đã hoàn thành bức tranh vẽ vị đầu bếp “Salt Bae” trên nền tranh 3D trong khoảng ba tuần (với cường độ 4 – 6 giờ/ngày). Anh nói: ”Tôi cố gắng không lặp lại những nhân vật đã quá nổi trội. Ví dụ như Batman hay Spiderman, chúng đầy rẫy trên Internet. Cho nên tôi đã cố gắng tạo ra một thứ gì đó thật khác biệt.” 2/ Moon Tác phẩm này đã khiến họa sĩ Charly Amani mất khoảng một tuần rưỡi để hoàn thành. Tên của tác phẩm, “Moon”, là gợi ý từ em của tác giả. “Điều khiến tôi thích nhất ở tác phẩm này là sự biểu lộ cảm xúc trên khuôn mặt của cô gái” – Anh nói. Để tạo được các chi tiết trên da của nhân vật, Amani đã sử dụng Texturing XYZ. 3/ Christopher Lloyd Họa sĩ David Sasselli đã tạo ra tác phẩm kỳ công này bằng Zbrush, Arnold 5, Maya và Photoshop. Sasselli luôn thích đắm chìm trong những nhân vật mà anh tạo ra, cố gắng hoàn thiện hơn trong mỗi tác phẩm, luôn học hỏi từ những người giỏi nhất và tìm những phương pháp mới để cải thiện kỹ thuật của mình. “Khi tôi vẽ bức chân dung 3D này, mục đích của tôi là làm sao cho làn da của nhân vật trong thật nhất,” anh giải thích. “Tôi tạo ra tác phẩm này bằng chính  bàn tay  mình, phần khó nhất là khiến cho bức tranh trông thật có hồn. Từ tác phẩm này, tôi đã học được rất nhiều cách để tạo bóng da, cải thiện kỹ năng điêu khắc hơn trong Zbrush.” 4/ Abdelrahman Kubsi Bức chân dung 3D về Walter White tuyệt vời này đã khiến họa sĩ Abdelrahman Kubsi mất sáu tuần để hoàn thành. Kubsi nói: “Tôi đã sử dụng đổ bóng Arnold 5 cho làn da, Texturing XYZ cho các chi tiết khác và kết cấu màu sắc.” Anh cho rằng: “Phần quan trọng nhất là phải thu thập và học hỏi từ các tài liệu tham khảo, rồi sau đó áp dụng kỹ thuật điêu khắc trong Zbrush để khắc họa tác phẩm của mình.” Khi được hỏi điều gì đã truyền cảm hứng cho anh, Kubsi nói: “Tôi chỉ làm mọi thứ cho thật tự nhiên, theo tôi thì rất khó và cam go để làm cho tranh trông trở nên siêu thực hơn. Nếu tôi có thể khiến mọi người không phân biệt được tranh của tôi là vẽ hay chụp thì tôi chắc là mình đã hoàn thành tốt nó rồi.” 5/ Tsubasa Nakai Đạo diễn kiêm giám sát CG Tsubasa Nakai đã tạo ra chân dung người phụ nữ xinh đẹp này bằng cách sử dụng Maya, Zbrush, Photoshop, Mari và Substance Painter. Các chi tiết của lớp trang điểm, làn da, tàn nhang đều được tả thực đến mức đến kinh ngạc. Chính những điểm không hoàn hảo của khuôn mặt đã khiến cho bức tranh trở nên chân thực, chưa kể nét tả thực phản chiếu những tia sáng trong mắt cô khiến nó trở nên đẹp hơn bao giờ hết. 6/ István Vastag Bức chân dung sống động này đã ngốn mất những buổi tối cuối tuần, kéo dài trong chín tháng của họa sĩ István Vastag tại Digic Pictures. Anh đã sử dụng 3Ds Max, Zbrush, Mari, V-Ray và Nuke. 7/ Jacqutes Defontaine Họa sĩ tự do Jacques Defontaine là một bậc thầy trong vẽ chân dung 3D siêu thực. Anh khẳng định cách anh tạo ra những bức tranh sống động này thực sự khá đơn giản: “Tôi có một bộ sưu tập tem và giấy nến nhỏ, tôi luôn sử dụng chúng cho mục đích điêu khắc và vẽ họa tiết, ngoài ra còn có các công cụ cơ bản nữa. Trong Zbrush, tôi sử dụng các tính năng Geometry HD và Layers, những tính năng này thật sự rất hữu ích.” 8/ Artur Tarnowski Artur Tarnowski là một họa sĩ vẽ nhân vật cho Studio Layopi Games có trụ sở tại Warsaw, với kinh nghiệm trong lĩnh vực người mẫu. Anh mất một tháng rưỡi để hoàn thành bức tranh này. “Tôi đã hoàn thành hầu hết mọi thứ trong hai tuần, phần thời gian còn lại tôi dành cho việc điều chỉnh chân dung, tóc, đổ bóng và ánh sáng. Nhiều người nói rằng những chi tiết nhỏ đó không đáng chú ý, nhưng thực sự đó là những điều tạo nên  sự chân thực cho bức tranh.” 9/ Emerson Silva Họa sĩ 3D Emerson Silva bắt đầu sự nghiệp của mình từ việc tạo các models low – poly cho các trò chơi trên điện thoại năm 2004. Anh bắt đầu vẽ chân dung bằng cách học hỏi từ những tài liệu tham khảo có sẵn và tưởng tượng ra thứ mình muốn vẽ. Anh nói: “Tôi sẽ vẽ chân dung một cách đơn giản, sau đó tiếp tục vẽ lên từ phong cách low – poly. Tôi luôn dùng 3Ds Max trước khi dùng Zbrush.” 10/ Saurabh Jethani Với các kỹ thuật như low – poly và Uvs có sẵn, quá trình vẽ bức chân dung chỉ tốn một tuần để Jethani hoàn thành tác phẩm. Anh nói: “Tôi đã sử dụng Texturing XYZ để vẽ chi tiết lỗ chân lông và Albedo cho màu da.” 11/ Ian Spriggs Ian Spriggs là một họa sĩ vẽ nhân vật và chân dung 3D bằng các công cụ như Maya, Mudbox, V-Ray và Photoshop. “Chân dung cũng giống như cửa sổ tâm hồn, không chỉ thể hiện các đặc điểm trên khuôn mặt của chân dung mà bạn nên tạo nên tính cách riêng cho chúng.” 12/ João Victor Ferreira “Tôi đã chụp rất nhiều mẫu ảnh

“Eden” là bộ anime độc quyền của Netflix ra mắt vào ngày 27 tháng 5, mô tả cuộc sống của Sara Grace, một cô gái trẻ lớn lên trong một thế giới chỉ có robot. Bộ anime gồm 4 tập, mỗi tập dài 25 phút được ra đời từ sự nỗ lực của những nhà sáng tạo tài năng trên khắp thế giới. “Chúng tôi đã tạo ra một kiệt tác giải trí đầy tinh hoa bằng cách diễn đạt các mối quan hệ tình cảm giữa các nhân vật một cách sâu sắc” đạo diễn Yasuhiro Irie nói. Câu chuyện của “Eden” bắt đầu khi hai người máy nông nghiệp, được ký hiệu là E92 và A37, tình cờ gặp một viên nén bên trong chứa một đứa trẻ – chính là Sara. Bởi vì trong thế giới này, con người bị xem là ác quỷ, thế nên cả hai buộc phải bí mật chăm sóc đứa trẻ loài người này với tư cách là cha mẹ nuôi của cô. Sara, sau này lớn lên thành một cô gái với tính cách tò mò, cô bắt đầu đi khám phá những bí ẩn của thế giới Eden, để khám phá tại sao không còn sự xuất hiện của con người nào khác ngoài cô và vì sao loài người lại bị xem là ác quỷ. Bộ anime được sản xuất bởi Justin Leach, người đã gửi cho Irie một lượng thông tin khổng lồ về dự án. Irie nói về thông tin  mà anh nhận được như sau. “Thực tế việc hoàn thành dự án này là một thử thách khó hơn bất kỳ thử thách nào mà tôi đã thực hiện trước đó, cho nên Eden rất thu hút tôi, khiến tôi muốn lập tức tham gia nó.” Đồ họa 3D và vẽ bối cảnh được thực hiện bởi một nhóm nhân viên châu Á, âm nhạc do nhóm người Úc sáng tác. Đội ngũ sản xuất đã nhận được sự ủng hộ của bạn bè quốc tế. Một nhân viên đến từ Nhật Bản và nhà thiết kế nhân vật Toshihiro Kawamoto cũng tham gia vào quá trình sản xuất  phim, cho biết quá trình này mất khoảng hai năm. “Lúc đầu, tôi lo lắng rằng sẽ gặp khó khăn vì rào cản ngôn ngữ, nhưng giờ thì mọi thứ ổn thỏa cả rồi,” Irie nói. Mặc dù Irie đã đạo diễn nhiều phim nổi tiếng trước đó, chẳng hạn như “Fullmetal Alchemist”, nhưng đây lại là trải nghiệm đầu tiên của anh khi làm việc với công nghệ đồ họa 3D. “Tôi không cần phải làm gì quá cao siêu cả. Tôi chỉ sử dụng các kỹ thuật diễn hoạt tương tự như cách mà tôi vẽ tay,” anh nói. “Tôi chắc chắn rằng sử dụng công nghệ 3D có thể giúp tôi tạo ra nhiều nhân vật cầu kỳ hơn và chuyển động cũng chân thật hơn việc vẽ tay.” Irie cho biết anh rất ngạc nhiên trước những chuyển động mượt mà của mô hình nhân vật robot do công ty sản xuất phía Đài Loan tạo ra. Tuy các robot trong bộ anime không biểu lộ cảm xúc, nhưng chúng lại được chú trọng vào những cử chỉ. Thật sự rất buồn cười và có một chút ấm lòng khi thấy các robot chúc nhau “Sạc tốt nhé” thay vì “Chúc ngủ ngon”. Mặt khác, các robot cũng rất đa dạng, những nhân vật robot phản diện được miêu tả như những con người vô cảm, lạnh lùng. Irie không chỉ xuất sắc trong  khâu tạo ra cách di chuyển của những robot mà còn làm tốt trong việc lột tả những cảm nhận và suy nghĩ của nhân vật. “Một người sẽ cảm thấy thế nào khi mất đi thứ quý giá? Tôi đã cố gắng để người xem cảm thấy rằng những cảm giác và mâu thuẫn của các nhân vật trong thế giới Eden cũng giống như thế giới thực.” Đối với phiên bản tiếng Nhật, Irie đã chọn Marika Kono làm diễn viên lồng tiếng cho nhân vật Sara, và  Koichi Yamadera vào vai Zero, nhân vật phản diện. Irie nói: “Có nhiều yếu tố đan xen trong cốt truyện như gia đình và xã hội. Tôi hi vọng người xem sẽ thích thú khi thấy được Sara là một cô gái như thế nào.” *Nguồn: the-japan-news.com *Người dịch: Minh Thanh

Bandai Namco Arts đã mở trang web chính thức cho TV Anime (*) chuyển thể từ manga “Blue Lock” của Muneyuki Kaneshiro và Yuusuke Nomura vào thứ năm vừa rồi, tiết lộ dàn diễn viên chính, đội ngũ sản xuất, đồ họa teaser và quảng cáo teaser. Bộ anime sẽ ra mắt vào năm 2022. (*) TV Anime là là những bộ anime nhiều tập được phát sóng trên truyền hình trong những khung giờ nhất định. Tóm tắt nội dung: Sau khi nhận thấy tình hình hiện tại của bóng đá nước nhà, liên đoàn bóng đá Nhật Bản quyết định thuê một huấn luyện viên bí ẩn có tên Jinpachi Ego nhằm đạt được mong muốn vươn tới ước mơ vô địch World Cup. Tin rằng Nhật bản đang thiếu đi một tiền đạo với khao khát ghi bàn, Jinpachi tạo nên Blue Lock – một cơ sở huấn luyện như nhà tù, nơi ba trăm tiền đạo tài năng từ các trường trung học trên khắp Nhật Bản đọ sức với nhau. Người duy nhất hoàn thành được chương trình Blue Lock sẽ trở thành tiền đạo của đội tuyển quốc gia, và những người thua cuộc sẽ bị cấm tham gia thi đấu vĩnh viễn. Được chọn để tham gia dự án này là Yoichi Isagi, một tiền đạo đã thất bại trong việc đưa đội bóng đá của trường mình tham dự giải đấu quốc gia. Sau khi tin tưởng đồng đội thay vì tự mình ghi bàn thắng, cậu đã tự trách bản thân rằng kết quả sẽ khác nếu cậu tin vào chính mình hơn. Nắm lấy cơ hội ngàn vàng này, Yoichi tham gia Blue Lock nhằm mục đích xóa tan những nghi ngờ bên trong bản thân và theo đuổi nguyện vọng to lớn của mình – trở thành tiền đạo vĩ đại nhất thế giới và đưa Nhật Bản đến vinh quang World Cup. Dàn diễn viên – Kazuki Ura: Yoichi Isagi – Tasuku Kaito: Meguru Bachira – Yuuki Ono: Rensuke Kunigami – Souma Saitou: Hyouma Chigiri – Anime do Studio: 8bit (Hoshiai no Sora) thực hiện, được Tetsuaki Watanabe làm đạo diễn và Sawako Takagi làm Giám đốc nghệ thuật, Tsutomu Hirano là nhà sản xuất. Đội ngũ sản xuất – Đạo diễn: Tetsuaki Watanabe – Trợ lý đạo diễn: Shunsuke Ishikawa – Kịch bản: Taku Kishimoto – Giám sát nội dung: Muneyuki Kaneshiro – Cố vấn sáng tạo: Yutaka Uemura – Thiết kế nhân vật chính: Yuu Shindou – Thiết kế nhân vật: Kenji Tanabe , Kento Toya – Giám đốc hoạt hình: Yuu Shindou, Kenji Tanabe, Kento Toya – Giám đốc hành động: Hisashi Toujima – Đạo diễn hành động: Hiromi Sakamoto – Hiệu ứng đặc biệt: Akane – Thiết kế màu sắc: Sakura Komatsu – Giám đốc nghệ thuật: Sawako Takagi – Ảnh nền: Studio Wyeth – Đạo diễn hình ảnh: Yasuhiro Asagi – Nhiếp ảnh: Chiptune – Đạo diễn 3DCG: Norimitsu Hirosawa – 3DCG: Aura Studio – Ý tưởng hình ảnh: Toshiyuki Yamashita – Xử lý hiệu ứng đặc biệt: Toshiyuki Yamashita, Rina Mitsuzumi – Đồ họa màn hình 2DCG: Yasukazu Asano – Biên tập: Mai Hasegawa – Đạo diễn âm thanh: Fumiyuki Gou – Sản xuất âm thanh: Quảng cáo Bit Grooove – Âm nhạc: Jun Murayama Kaneshiro và Nomura bắt đầu đăng loạt manga bóng đá trên Tạp chí Weekly Shounen vào tháng 8 năm 2018. Kodansha đã xuất bản tập thứ 14 vào ngày 17 tháng 5, tập thứ 15 dự kiến xuất bản ngày 17 tháng 8. Blue Lock đã bán ra được tổng cộng 4,5 triệu bản. Blue Lock đã giành được Giải thưởng Kodansha Manga lần thứ 45 vào tháng 5. Manga cũng đứng đầu hạng mục Thể thao trong ấn bản thứ 15 của Truyện tranh do các cửa hàng sách Nhật Bản đề xuất. >> Xem teaser của phim tại ĐÂY * Nguồn: myanimelist.net * Người dịch: Minh Thanh

Truyện tranh có ý nghĩa như thế nào với bạn? Đối với một số người, nó là “sự phóng đại về mặt cảm xúc” (những ai thường xuyên xem anime/manga chắc sẽ hiểu khái niệm này), với một số khác thì nó lại gợi lên những kỷ niệm thông qua các chuyển động trong phim hoạt hình. Những người đã thổi hồn vào các bộ anime không ai khác chính là những họa sĩ với tài năng tuyệt vời. Bài viết này sẽ giới thiệu 11 họa sĩ mà bạn có thể noi gương để học tập theo trên con đường sự nghiệp. 1/ Viorie Rose Benjamin, hay được biết đến với nghệ danh Viorie, là  họa sĩ đã sáng lập ra một tài khoản mạng xã hội với đông đảo fan hâm mộ. Với hơn 150.000 người theo dõi trên Instagram, chắc chắn rằng phong cách vẽ và biểu cảm, màu sắc của các nhân vật mà cô ấy tạo nên   sẽ không làm bạn thất vọng. Rose Benjamin cho biết: “ Tôi tự học và nghiên cứu mọi thứ thông qua các tác phẩm hội họa của các họa sĩ mà tôi yêu thích trên mạng, đa phần là những người vẽ anime/hoạt hình”. 2/ Toni Infante “Tôi đã mê đắm manga và anime từ những năm 90” – Toni Infante cho biết. Anh là người đã tạo ra nhiều tác phẩm bao gồm hình minh họa và ảnh bìa cho các “ông chủ” lớn như: Warner Bros, Marvel va Apple. Nói về những nguồn cảm hứng, anh cho biết bộ phim hoạt hình Dragon Ball có ý nghĩa rất lớn đối với anh. Bên cạnh đó, phong cách vẽ của Akira Toriyama cũng cuốn hút Toni, là động lực giúp anh cố gắng học tập bằng cách sao chép những pose (dáng) từ các nhân vật của Akira Toriyama. 3/ Linnea Kataja Họa sĩ Linnea Kataja đến từ New York, cô bắt đầu theo đuổi sự nghiệp vẽ minh họa manga kể từ khi tốt nghiệp từ trường Nghệ thuật. Với sự trợ giúp của các phương tiện truyền thông, cô đã chia sẻ những tác phẩm của mình đến các fan hâm mộ (hiện cô có hơn 60.000 người theo dõi). Truyện của cô, A Maid Story, đã giành được giải thưởng trong cuộc thi Comic Grand Pix năm 2019. Cô nói: “Tôi bị thu hút vào việc đọc manga vì sự dễ thương cũng như thế giới đầy màu sắc cùng các nhân vật hư cấu trong đó.” 4/ Laia López Là họa sĩ minh họa người Tây Ban Nha, cô phát triển phong cách nghệ thuật của riêng mình từ khi theo học ngành Mỹ thuật tại Đại học Barcelone. Ngoài việc được truyền cảm hứng từ các họa sĩ yêu thích, các bộ phim anime và tác phẩm hoạt hình của Disney cũng là động lực của Laia. Cô nói rằng: “Tôi là một fan hâm mộ lớn của các manga shoujo, và tôi rất thích cách các nhân vật thể hiện cảm xúc và tính cách chỉ thông qua các biểu cảm được vẽ trên trang giấy.” 5/ B.c.N.y Như nhiều họa sĩ truyện tranh khác, họa sĩ người Đài Loan Han Yuan Yu – được biết đến với cái tên B.c.N.y – đã theo đuổi loại hình nghệ thuật này khi xem anime và manga lúc còn nhỏ. Anh minh họa nhân vật cho các công ty game và cung cấp các tác phẩm cho các hội nghị truyện tranh lớn ở Đài Loan. Tác phẩm của anh cũng được trưng bày trong các viện bảo tàng và phòng trưng bày trên khắp thế giới. 6/ Mina Petrovic Petrovic sinh ra ở Serbia, làm việc ở Studio Mistiqarts. Là một người đam mê manga, cô điều hành một ngôi trường dạy về manga và đã xuất bản một cuốn sách đồng chủ đề: Manga Crash Course (Khóa học manga vỡ lòng). Cô thường vẽ lại các nhân vật nổi tiếng theo phong cách manga. Tác phẩm (hình bên trên) được lấy cảm hứng từ Alice in Wonderland, nhưng được vẽ lại với phong cách manga. 7/ Alexa Pásztor Mặc dù làm việc với tư cách là một nhà thiết kế đồ họa, song Pásztor vẫn luôn dành niềm đam mê cho vẽ minh họa và truyện tranh, cô luôn khao khát  một ngày nào đó có thể tạo ra thu nhập bằng chính công việc này. Trong lúc rảnh rỗi, cô tham gia sáng tạo nghệ thuật với bút danh Lüleiya, Pásztor đã tham gia vào khá nhiều dự án về sách nghệ thuật và tuyển tập truyện tranh. Cô luôn đề cao phong cách nghệ thuật độc đáo của riêng mình, được gọi là “sự pha trộn giữa chủ nghĩa bán thực và manga”. 8/ Timothy Kong Timothy Kong là một họa sĩ độc lập, tự học hoàn toàn  và sống ở Anh Quốc. Anh kết hợp niềm đam mê của mình với manga phương Đông và phong cách hội họa Old Master. Anh từng làm việc tự do với tư cách là một họa sĩ vẽ game và thiết kế đồ họa, hiện anh vẫn đang giữ nguyên công việc vẽ tranh minh họa freelance đó với toàn thời gian làm tại nhà. 9/ Laica Chrose Chrose là một họa sĩ có triển vọng rất cao. Cô sinh ra ở Brazil và học thiết kế ở Tokyo, hiện cô đang làm việc tại Hongkong. Chrose  chuyên sử dụng các phương tiện kỹ thuật số cho công việc cũng như các dự án cá nhân như vẽ manga. 10/ Jessica Prando Prando đã yêu thích thể loại kỳ ảo – giả tưởng từ khi cô còn nhỏ. Cô chia sẻ: “Nghệ thuật là một chút ma thuật… chỉ cần cầm bút chì lên và làm phép! Đó là phương châm sống của tôi”. Cô học thiết kế đồ họa trước khi tự học vẽ sơn dầu và vẽ lại các

Cuộc thi D-Open mùa 2 với chủ đề Viet Nam Frelection – Việt Nam Phản Chiếu đã kết thúc sau gần 2 tháng tranh tài. Trong đêm Gala trao giải trực tuyến tối qua (14/8), tên của các thí sinh xuất sắc nhất đã được xướng lên. Một lần nữa chúc mừng các thí sinh có tên trên bảng vàng. Như chia sẻ của Ban Giám Khảo trong Gala, các tác phẩm dự thi D-Open năm nay chưa có tính đột phá cũng như còn thiếu vài yếu tố để cấu thành tác phẩm toàn vẹn, nên BGK đã quyết định D-Open mùa 2 không có giải thưởng Toàn Năng. Tuy nhiên, số lượng giải thưởng trong nhiều hạng mục đã tăng và có thêm giải phát sinh là giải Cảm Tình. Chúc mừng tất cả chúng ta đã đi qua một cuộc thi D-Open 2021 với thật nhiều cảm xúc, sự nỗ lực, quyết tâm và cả những thiếu sót. BTC tin rằng mỗi cuộc thi là cơ hội để chúng ta hoàn thiện mình hơn. Cảm ơn các bạn đã đồng hành cùng D-Open. >> Xem lại Gala trao giải tại ĐÂY Hẹn D-Open mùa 3 nhé. (Comic Media Academy)

Sau đây là hướng dẫn từng bước cách vẽ thân, tập trung vào từng vùng trên cơ thể người. Học cách vẽ thân sẽ tạo ra nền tảng lâu dài cho sự nghiệp vẽ của bạn. Phần thân là phần cốt lõi của cơ thể, một tư thế sẽ thể hiện rất nhiều ý tưởng, cử chỉ nếu được vẽ thành thạo. Phần thân có lẽ là một trong những điểm dừng đầu tiên của bạn khi quan tâm tới hình họa, bởi vì nó rất cần thiết  trong việc hiểu tỷ lệ cơ thể. 1/ Nghiên cứu hoạt động của thân trên Thân là phần cốt lõi vì nó chiếm một tỷ lệ lớn trong khối lượng của cơ thể, và có sự tương tác giữa ngực và hông. Có rất nhiều chuyển động ở phần thân như nghiêng sang trái hoặc phải, uốn cong về phía trước và phía sau. Hãy bắt đầu bằng cách mô tả lại những chuyển động này. 2/ Chú ý cách nghiêng của phần thân Vai và hông có thể di chuyển cùng lúc, dẫn đến một bên của thân bị nén lại, trong khi bên kia duỗi ra. Cố gắng tìm liên kết của vai hoặc xương đòn và  xương chậu – những đường này thể hiện sự nghiêng của các bộ phận như ngực và xương chậu. Bên nào kéo chúng lại với nhau và bên nào kéo chúng ra xa nhau? Hãy thử cầm bút lên theo chiều ngang và so sánh với góc của vai và hông. 3/ Sử dụng các điểm mốc (landmarks): Các hình thức của thân Đánh dấu những vị trí trên cơ thể mà chúng ta khó có thể nhìn thấy, đặc biệt là những phần bên dưới da, như khung xương. Trên thân, chúng ta có các điểm mốc được tạo bởi xương đòn, lồng ngực – xương sườn thứ 10 – và mào chậu của hông ở mặt trước. Ở mặt sau, chúng ta có xương sống và xương cùng. Lồng ngực và khung chậu là những bộ phận có cấu trúc lớn, cứng trong khung xương mà thân được xây dựng dựa trên đó. Sử dụng các mốc này để đơn giản hóa chúng. 4/ Sử dụng các điểm mốc: Tỷ lệ của thân Ngoài các mốc xương, chúng ta còn có các điểm mốc giúp điều hướng tỷ lệ. Thông thường, một đầu trở xuống từ gốc cằm là vị trí của nhũ hoa, rốn và cơ quan sinh dục thì dài hơn một đầu. Điều này có thể thay đổi một chút tùy theo các cá nhân, đặc biệt là những người nặng hơn, nhưng nói chung đó là một cách hữu ích để kiểm tra tỷ lệ của thân. Thông thường, phần thân chỉ kết thúc quá nửa cơ thể, tùy thuộc vào chiều dài chân của mỗi người. 5/ Chú ý nhịp điệu của thân Phần thân có một vài động tác  giúp chúng ta mô tả lại hình dạng của cơ thể, bằng cách uốn cong để phù hợp với cơ bắp và da thịt khi cơ thể di chuyển. Ở mặt trước, phác thảo một đường cong từ mỗi nách qua ngực, một cặp hai bên của bụng giao với mốc xương sườn thứ mười và một đường chính giữa những đường này giúp mô tả thể tích của lồng ngực. Ở mặt sau, vẽ một đường thẳng ở giữa – theo vết lõm của cột sống – và phác thảo một đường cong chạy dưới xương bả vai. 6/ Nghiên cứu các cơ phía trước Có ba cơ lớn mô tả hầu hết phần thân: cơ ngực, cơ bụng và cơ xiên. Cơ ngực gắn giữa cánh tay và ngực, sẽ phẳng lại khi ta nâng tay lên. Bụng nằm giữa lồng ngực và xương chậu. Khi cơ thể uốn cong về phía trước hoặc phía sau, chúng sẽ kéo căng hoặc nén lại. Cơ xiên hoạt động tương tự như cơ bụng, nhưng ở hai bên; chúng hoạt động khi uốn cong hoặc xoay người sang một bên, tạo ra một lực nén, trong khi phía đối diện duỗi ra. 7/ Nghiên cứu cơ lưng Cơ “hình thang” (trapezius) là một cơ lớn ở lưng chạy từ cổ và vai, giữa xương bả vai đến đáy lồng ngực. Nó ảnh hưởng rất nhiều đến bề mặt cơ thể, đặc biệt là xung quanh vai. Cơ latissimus là một cơ quan trọng khác ở lưng, gắn từ cánh tay đến trung tâm của lưng và xương cùng, bao phủ một vùng lớn. Và nó không phải lúc nào cũng rõ ràng để có thể nhìn thấy. 8/ Nghiên cứu vùng dưới cánh tay Phần dưới cánh tay hay còn gọi là nách thường không được chú trọng  vì độ phức tạp của nó, mặc dù khu vực này rất quan trọng trong việc mô tả thể tích của thân.  9/ Tìm hiểu phần ngực Ngực là điểm dùng để phân biệt  người mẫu nam và nữ. Mặc dù ngực là một đặc điểm nằm trên bề mặt, chúng vẫn chịu ảnh hưởng của các bộ phận khác bên dưới da. Một vấn đề phổ biến là chúng ta thường vẽ ngực không được chân thực và có phần “cứng” hơn thực tế. Chúng bị trọng lực kéo xuống và có xu hướng phẳng hơn ở  phần trên, trong khi phần dưới tròn hơn. Lưu ý rằng hai bầu ngực luôn vừa vặn với thể tích căng tròn của ngực và được ngăn cách bởi một khe hở nhỏ. 10/ Chú ý đến vùng thắt lưng Thắt lưng cũng là một khu vực giúp phân định  khác biệt giữa hai giới, ở đây nam giới có nhiều cơ và mỡ hơn, trong khi nữ giới có xu hướng eo hẹp hơn. Khi vẽ thắt lưng, hãy chú ý đến vị trí của rốn so với đỉnh của hông. 11/ Quan sát các khớp lồng với nhau

Hãy cùng tạo ra những khuôn mặt nhân vật manga hấp dẫn với 17 mẹo dưới đây. Khuôn mặt nhân vật là một phần quan trọng trong việc vẽ manga. Tôi đã mua rất nhiều sách hướng dẫn tạo phong cách nghệ thuật của riêng mình và nhận ra rằng các phương pháp vẽ này cũng tương tự như phong cách vẽ truyện tranh phương Tây (Comic). Về cơ bản, bạn sẽ sử dụng bút chì để vẽ các hình dạng đầu và sau đó thêm các đường nét để chỉ ra vị trí mắt và tâm điểm của khuôn mặt. Khi bản phác thảo được hoàn thành, dùng bút mực để hoàn thành nhân vật cho rõ ràng hơn. 1/ Thiết lập Dành một vài phút để cài đặt cấu hình của các công cụ vẽ. Ví dụ: máy tính bảng có Pen Pressure thì bút vẽ nên cài chế độ mặc định ở mức tối đa. Khi vẽ bạn sẽ phải ấn mạnh bút xuống bề mặt của máy tính bảng để đạt được công suất tối đa. Việc vẽ với các cài đặt Pressure and Threshold (Áp suất và Ngưỡng tối đa) có thể dẫn đến các “đường dao động”. Bằng cách điều chỉnh Ngưỡng áp suất và giảm Ngưỡng đầu ra tối đa xuống khoảng 60% của Áp suất, bạn có thể tạo các đường nét (ở đây là cài đặt Pressure làm sao cho 2 đầu của nét không cùng một độ lớn mà nhỏ dần đi) mà không cần lo lắng về việc tất cả các nét đều giống nhau. 2/ Sử dụng mũi tên để đánh dấu các đặc điểm chính trên khuôn mặt Sau khi vẽ đầu (hình 1), tôi quyết định hướng nhân vật đang xoay mặt. Hãy quan sát phần đầu như một dạng 3D, vẽ một đường ngang uốn cong dọc theo bề mặt. Khi vẽ đường này, nên lưu ý xem đầu nghiêng theo hướng lên hay xuống, quay sang trái hay phải. Để sửa hướng của đầu, vẽ một mũi tên hướng lên trên (hình 2). Điều này giúp xác định vị trí sống mũi. Khi đã xác định được vị trí quan trọng này của khuôn mặt thì bạn có thể nhanh chóng vẽ và phác thảo theo đường chính giữa khuôn mặt, mắt, lông mày, miệng và cằm (hình 3). 3/ Sử dụng các phương pháp vẽ để phác thảo đầu Tôi vẽ các bản phác thảo bằng nét lớn thay vì nét mảnh. Sử dụng một brush lớn với khoảng 60 đến 80% opacity để vẽ. Tiếp theo, sử dụng giá trị tối hơn,  phác thảo phần đầu và vẽ các đặc điểm chính. Tôi vẽ biểu cảm của miệng và mắt bằng cách chọn tông màu xám. Cuối cùng, chỉnh sửa lại tóc để có “sự cảm nhận” về hình dạng của nó, tô các đường nét để đạt được hình dạng mà mình muốn. 4/ Ghi chép các biểu cảm trong bản phác thảo Các đặc điểm biểu cảm chính của khuôn mặt con người bao gồm miệng, lông mày và mắt. Khi vẽ một nhân vật  có cảm xúc cụ thể, trước tiên, hãy vẽ nguệch ngoạc  về biểu cảm mà bạn có trong đầu. Sau khi bản phác thảo này hoàn thành, hãy cố gắng chọn ra một số cơ quan nhất định trên khuôn mặt để thể hiện biểu cảm. Miệng có mở không? Có nghiến răng không? Biểu hiện của lông mày trông như thế nào? 5/ Vẽ các khối hình (shape) Đây là một số dạng khối hình. Vẽ một đường ngang qua các hình  này sẽ tạo cảm giác về chiều sâu cho đối tượng, biến nó thành dạng 3D. Sau khi phác thảo thiết kế, hãy nghĩ về chúng dưới dạng các hình khối để có thể tô bóng cho phù hợp với hướng ánh sáng trong bố cục. Đây là cách thực hành tốt khi vẽ các đầu có hình dạng khác nhau. 6/ Tỷ lệ đầu nên chính xác Các nhân vật trong manga thường có những đặc điểm phóng đại như mắt to và mũi nhỏ, nhưng tôi  cảm thấy rằng hình dạng của hộp sọ vẫn phải phù hợp với size của hộp sọ người. Trên đây là hình vẽ đơn giản một hộp sọ, với bộ não và xương mặt cân đối với nhau. So sánh đầu người thường với đầu nhân vật manga và bạn có thể thấy rằng tỷ lệ khá giống nhau. Tai vẫn nằm trên nửa dọc của vỏ não, trong khi đường chân mày nằm trên nửa ngang của vỏ não. 7/ Vẽ răng Răng là một trong những thứ mà tôi thực sự thích vẽ và tôi thường không vẽ những chiếc răng thẳng một cách hoàn hảo. Một số nhân vật manga hoặc anime có những chiếc răng nanh nhỏ trông khá kỳ lạ, mang lại cảm giác dễ thương. Tôi kết hợp sự dễ thương này vào một số nhân vật của mình, tôi  thường vẽ những chiếc răng khấp khểnh, một số chiếc răng mọc lệch về phía sau và những chiếc răng nanh đẩy ra phía trước. 8/ Sử dụng điểm sáng và phủ bóng trên mũi Phần sống mũi của khuôn mặt luôn là một đường dốc và phần nhô ra sẽ ít rõ ràng hơn đối với nhân vật theo phong cách manga. Thay vì vẽ một đường cứng để chỉ sống mũi, tôi sử dụng bóng hoặc highlight với một cạnh sắc nét dọc theo sống mũi 9/ Tạo phần đầu nghiêng Hãy thử hình dung độ nghiêng đầu. Sử dụng hình tròn và hình hộp, có thể hình dung đầu nghiêng sẽ như thế nào khi nhìn từ bên cạnh. Tôi vẽ các đường thẳng đứng kéo dài từ các đặc điểm chính như cằm, tâm não, tai và đỉnh đầu. Điều này cho phép tôi nhìn thấy những gì mình cần vẽ khi thử vẽ

Học cách dựng mô hình môi trường 3D trước khi làm nó trở nên sống động hơn bằng Photoshop. Mục đích của bài viết này là hướng dẫn bạn tạo ra một nơi tuyệt vời từ trí tưởng tượng của mình. Có thể là một căn phòng ấm cúng, một ngôi đền bí ẩn hoặc một quán cà phê. Tôi thích làm việc trên mô hình 3D mà mình đã lập ra trong 3ds Max và chiếu sáng qua Unreal Engine 4 (UE4). Nếu bạn muốn hiện thực hóa các ý tưởng của mình, việc có một cơ sở đã được mô hình hóa sẽ giúp bạn tiết kiệm thời gian. 1/ Lập bố cục cho tranh của bạn Khi bắt đầu vẽ một bức tranh, tôi luôn tạo sẵn một ý tưởng sơ bộ về nó. Sau đó là bắt đầu phác thảo. Tôi chưa quan tâm ngay đến phối cảnh, vì mô hình 3D sẽ làm thay điều đó. Tôi chỉ sử dụng brush tròn cứng của Photoshop để vẽ màu và lên nét. 2/ Thử nghiệm bằng 3D 3D là một nguồn tài nguyên tuyệt vời và hiệu quả. Tôi tạo các mô hình cơ bản như đá, cây cối và thuyền trong 3ds Max, sau đó thiết lập chúng trong Unreal Engine 4. Bên trong UE4 tôi chỉ dùng Skylight để điều khiển màu bóng và DirectionalLight, hoạt động như “mặt trời”. Tất cả các mô hình đều có chất liệu màu xám trơn ngoại trừ nước, chất liệu này có màu xanh lam trong suốt để  người xem có thể nhìn thấy vật thể dưới nước. 3/ Xem xét các thành phần Bây giờ tôi bắt đầu thử nghiệm với bố cục và ánh sáng, bằng cách di chuyển các đối tượng xung quanh và thay đổi tỷ lệ của chúng, xoay “mặt trời” cho đến khi cảm thấy phù hợp. Tôi tăng tỷ lệ lên rất nhiều để khung cảnh có cảm giác gần gũi hơn, đồng thời cũng thay đổi bố cục. 4/ Phác thảo trên mô hình 3D Môi trường 3D của tôi đến giai đoạn này đã hoàn chỉnh và hoạt động như một cơ sở tham chiếu tuyệt vời cho bức tranh. Tuy nhiên, nó nhìn vẫn còn khá đơn giản và chưa có trọng tâm, vì vậy, tôi  trở lại Photoshop, bắt đầu vẽ chi tiết hơn. Sử dụng brush tròn cứng tương tự như cho bản phác thảo ban đầu  và bắt đầu việc phác thảo cây cối, đạo cụ và các chi tiết trong cảnh. 5/ Sử dụng các giá trị màu sắc Cơ sở 3D cung cấp một khởi đầu tốt cho các giá trị của bức tranh. Tuy nhiên, có một số khu vực có thể cải thiện tốt hơn. Tôi không tập trung nhiều vào việc vẽ làm sao cho hình ảnh chính xác về mặt vật lý mà thay vào đó  “bẻ cong” thực tế để cải thiện ánh sáng và nâng cao chất lượng. Trên một layer mới với brush tròn lớn,  tôi chọn màu từ nền 3D và vẽ các vùng ánh sáng mới, các vùng bóng và tối của nền. 6/ Lên màu Khi tô thường hơi khó lên màu như ý chúng ta muốn nên tôi luôn chuẩn bị nhiều hình ảnh để tham khảo. Tạo thêm một layer mới và chỉnh sửa các giá trị màu bằng brush tròn cứng với Hue Jitter. Tôi vẽ với opacity thấp để các giá trị cũ vẫn hiển thị bên dưới, và tô qua loa một số màu cho các vật liệu khác nhau như đá, nước và thực vật. Giai đoạn này màu sắc vẫn khá đơn giản và bão hòa. 7/ Thử lên màu các layer Nhiều màu sắc trong tranh của tôi có đôi khi đến từ “tai nạn bất ngờ” như lúc tôi thử tô các màu khác nhau trên nhiều layer và chế độ layer (chẳng hạn như Screen, Exclusion và Lighten) thay vì tô chính xác màu như đã dự định. Tôi bắt đầu thêm các layer mới bên dưới các layer màu hiện  có và tô các khối màu với Hue Jitter để xem nó trông như thế nào. Tôi cũng thêm các lớp màu mới bên trên và  sắp xếp chúng lại. 8/ Điều chỉnh lại các giá trị bằng các layer khác nhau Việc tô màu quá nhiều khiến chúng ta mất đi giá trị ban đầu của bức tranh, vì vậy tôi lấy layer 3D với các giá trị đã có trước đó, sao chép nó và sau đó đưa nó lên trên cùng các layer. Tiếp theo, tôi thử với các chế độ layer khác nhau, tôi chọn Vivid Light. Điều chỉnh màu sắc của layer giá trị để nó trông ấm hơn bằng cách vào Image > Adjustments > Hue/Saturation. 9/ Thống nhất các màu với nhau Ở bước này tôi đã sửa xong các giá trị, tạo một layer mới và thêm một gradient đơn giản bằng công cụ Gradient. Gradient bao gồm hai màu tương đối giống nhau, chẳng hạn như cam và vàng hoặc xanh lá cây và xanh lam. Thử nhiều chế độ Layer khác nhau và thay đổi Opacity và Hue (sử dụng phương pháp ở bước 8) của layer, cho đến khi cảm thấy ổn nhất. 10/ Vẽ tranh Bây giờ tôi bắt đầu quá trình vẽ tả thực. Sử dụng công cụ Polygonal Lasso, chọn các khu vực vừa và lớn để tô trước, chẳng hạn như bề mặt đá. Sử dụng lại brush cứng Round, và  tôi thường bật Hue Jitter để dễ thay đổi màu sắc. Bật và tắt layer 3D để dễ xem xét vị trí của ánh sáng và bóng tối khi tô. 11/ Vẽ các chi tiết Khi đã tô màu xong các khu vực lớn, tôi bắt đầu vẽ chi tiết hơn. Ở giai đoạn này, tôi bắt đầu từ vẽ dưới nước, chỉ vẽ trước

Hãy cùng tìm hiểu cách trở thành một Character Designer (người thiết kế nhân vật) với những mẹo sau đây. Ai nói ước mơ thì không thể thành hiện thực? Nếu bạn từng tự hỏi làm thế nào để trở thành một Character Designer thì câu chuyện của Brittany Myers sẽ khiến bạn phải chú ý. Năm 2018, Myers bắt đầu công việc thiết kế nhân vật tại Netflix Animation cho bộ phim Over the Moon. Over the Moon là bộ phim hoạt hình được đạo diễn bởi nghệ sĩ yêu thích của Myers, họa sĩ minh họa và hoạt hình, Glen Keane – người đã khiến Myers phấn đấu trở thành một nhà thiết kế nhân vật khi còn bé. Over the Moon kể về câu chuyện của một cô gái tuổi teen xây một con tàu tên lửa để có thể gặp  nữ thần trên mặt trăng. Myers đã thiết kế cho nhân vật chính của phim: Fei Fei, 13 tuổi. 1/ Quan sát những người xung quanh Khi Myers 14, cha cô có quen biết một người bạn đã từng làm việc tại Disney.  Cha của Myers đã gửi cho người này tác phẩm của cô. Mặc dù Myers vẫn cần phải học hỏi nhiều điều để hoàn thiện kĩ thuật của mình, nhưng người nghệ sĩ tin rằng Myers sẽ phát triển rất tốt thông qua  việc học tập và thực hành. Myers chia sẻ rằng bạn có thể học cách kể chuyện trực quan bằng cách quan sát mọi người. Cô thích đến quán cà phê để quan sát hoạt động của mọi người. Myers đã theo học tại Học viện Nghệ thuật California (CalArts), nơi có các vũ công và trẻ em theo học làm người mẫu. Thử thách cô tự đưa ra cho bản thân là “ghi lại” những chuyển động của người mẫu và vũ công trong một bản vẽ tĩnh. “Nó buộc bạn phải tập trung vào các giác quan hơn.” Myers nói. Myers sử dụng tư thế, biểu cảm và ngôn ngữ cơ thể để truyền tải cảm xúc. Cô thường vẽ cho các nhân vật của mình một đối tượng để tương tác hoặc một hành động để làm. Ngay cả đường nét và hình dạng của nhân vật cũng nói lên điều gì đó về họ. “Luyện tập vẽ lại mọi khoảnh khắc và vẽ làm sao cho hình mẫu thật chân thực.” 2/ Thử nhiều phương hướng với thiết kế của bạn Myers đã thử nhiều thiết kế cho Fei Fei sau khi tự đặt câu hỏi: ” Cần tạo ra phong cách phim như thế nào?” Myers chọn ra những khoảnh khắc nhỏ trong kịch bản Over the Moon và minh họa lại chúng. Cô không chỉ vẽ những tư thế tĩnh  mà còn vẽ Fei Fei đang đạp xe hoặc ôm chú thỏ cưng của mình. Myers muốn những hình ảnh này trông thật năng động để gợi lên đặc điểm  nổi bật của nhân vật Fei Fei. 3/ Thể hiện cá tính qua nét vẽ   Myers đã “đặt” Fei Fei cùng với bố mẹ cô bé trong cùng một bối cảnh. Myers cho biết: “Đó là một cách hay để xem các nhân vật tương tác với nhau như thế nào.” Người cha được tạo ra từ các hình  góc cạnh vì tính cách của ông thể hiện tính khoa học và sự thật. Người mẹ có tính cách tương tự Fei Fei – cô ấy cũng tin vào nữ thần trên mặt trăng – vì vậy mà hình dạng của cô ấy tròn hơn, trông tự do hơn. 4/ Xây dựng đa dạng nhân vật   Myers đã làm việc cho nhiều dự án khác nhau trong đó có Spider-Man: Into the Spider-Verse, phim hoạt hình đã đoạt giải Oscar, và công việc chủ yếu của cô là vẽ các nhân vật quần chúng. ” Công việc này thực sự rất thú vị bởi vì những nhân vật quần chúng thường không bị soi mói nhiều. Bạn phải thiết kế rất nhiều kiểu người với các kiểu cơ thể, giới tính, chủng tộc khác nhau. 5/ Xây dựng một portfolio online vững chắc   Myers đã đăng các tác phẩm fan-art nhân vật Ariel trong The Little Mermaid lên các trang mạng xã hội về lĩnh vực liên quan. Keane đã nhìn thấy nó (“Thật kì diệu, tôi không biết làm sao mà anh ấy thấy được chúng” – cô nói) và đề nghị cô làm việc cho ông. Điều tương tự cũng xảy ra với Sony, đó là lý do tại sao Myers nhấn mạnh tầm quan trọng của một portfolio được đầu tư. Bạn nên lên mạng  tìm kiếm các portfolio của những nghệ sĩ mà bạn quan tâm, và quan sát cách trình bày và những gì họ thể hiện trong portfolio. Portfolio  thể hiện bạn là một chuyên gia về một lĩnh vực hay một người biết nhiều thứ. Myers nói rằng bạn sẽ dễ tìm việc hơn nếu bạn có thể làm một chút mỗi thứ: phát triển hình ảnh, môi trường, bảng phân cảnh (storyboard). Tuy nhiên, Myers luôn xem mình là một chuyên gia – một nhà thiết kế nhân vật có cá tính riêng – nên đó là cách cô ấy thể hiện bản thân trong portfolio của mình. Nếu bạn định chuyên sâu về một thứ thì bạn nên thực sự giỏi về nó. 6/ Thể hiện kĩ năng bản thân   Myers nói rằng hiện nay rất ít tuyển dụng công việc liên quan đến thiết kế nhân vật, cho nên sự cạnh tranh là rất cao. Đây là lý do tại sao bạn cần nghiên cứu portfolio của các họa sĩ  cùng lĩnh vực – những người mà bạn đang cạnh tranh. Bạn nên làm cho portfolio của mình đa dạng bằng việc thêm vào nhiều tác phẩm, dù  đã hoàn thành hay chưa. Khi làm việc, các Character Designer phải

Truyện tranh Nhật Bản (Manga) có sự phát triển vượt bậc trong vài chục năm qua, là nét văn hóa đặc sắc của đất nước Mặt trời mọc. Nó đã trở thành niềm cảm hứng cho nhiều độc giả trên toàn thế giới nỗ lực học tập và rèn luyện để trở thành họa sĩ truyện tranh. Nắm bắt nhu cầu của các bạn trẻ Việt Nam, một cơ sở đào tạo chuyên sâu ngành Họa sĩ truyện tranh đã được sáng lập: Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam (CMA). Vào tháng 8/2014, Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam – Comic Media Academy (CMA) đi vào hoạt động, trở thành cơ sở duy nhất đào tạo chuyên sâu Họa sĩ kể chuyện ngành Truyện tranh, Hoạt hình và Digital Painting tại Việt Nam. Với đội ngũ giảng viên vững lý luận, dày kinh nghiệm cùng việc áp dụng mô hình phòng học tương tác trực tiếp trên bảng vẽ điện tử công nghệ, đến nay, Viện CMA đã mở hơn 158 lớp học, đào tạo hơn 2.046 học viên. Vừa qua, Kilala đã may mắn có cơ hội trao đổi với Viện trưởng của CMA – Thạc sĩ, họa sĩ Lê Thắng, lắng nghe những chia sẻ của anh về mô hình đào tạo, những hoạt động của Viện CMA cũng như về nghề họa sĩ truyện tranh. Q: Chào anh Lê Thắng! Được biết, Viện CMA là đơn vị tiên phong đào tạo chuyên sâu Họa sĩ kể chuyện chuyên ngành Truyện tranh, Hoạt hình và Digital Painting tại Việt Nam. Anh có thể chia sẻ việc thành lập CMA xuất phát từ đâu không? A: Thời điểm đấy, hẳn ai cũng nhận ra hiện trạng quá thiếu nguồn nhân lực cho ngành công nghiệp sáng tạo nước nhà trước sự phát triển của Manga và hoạt hình Nhật tại Việt Nam. Dù có những doanh nghiệp, cá nhân sản xuất ra tác phẩm chất lượng cao, nhưng nhìn chung vẫn thiếu giải pháp toàn diện từ nghiên cứu thị trường, đến hợp tác đào tạo giữa doanh nghiệp và tổ chức cùng chung mục tiêu. Hơn nữa, chúng ta vẫn có rất ít nơi đào tạo bài bản và có hệ thống từ lý luận đến thực tiễn cho ngành công nghiệp sáng tạo – một ngành mũi nhọn được ưu tiên phát triển trong và ngoài nước. Đó là lý do thôi thúc chúng tôi thành lập Viện Truyện Tranh và Hoạt Hình Việt Nam. Q: Là một mô hình mới tại Việt Nam, ở giai đoạn đầu thành lập, CMA có gặp nhiều khó khăn không? Đâu là thử thách cam go nhất và Viện đã làm gì để vượt qua? A: Việc là đơn vị tiên phong trong các ngành học mới tại Việt Nam, CMA không thể tránh khỏi những khó khăn từ nhiều phía. Có thể nêu ra một số ví dụ như sự hoài nghi của dư luận về các ngành học mới; các định kiến và quan điểm mơ hồ của xã hội về truyện tranh, hoạt hình…; sự quan tâm, hỗ trợ của cơ chế, chính sách cho các nhóm ngành này còn hạn chế; sự thiếu thốn các nguồn cơ sở, tài liệu nghiên cứu, học tập phục vụ cho quá trình giảng dạy; nguồn giảng viên có chuyên môn chuyên ngành chưa nhiều… Riêng thử thách cam go mà CMA đã, đang và sẽ luôn phải đối đầu, đó là nỗ lực làm sáng tỏ bản chất thật sự của các ngành nghề này (từ góc độ sáng tạo, kinh doanh, tổ chức sản xuất…) để lồng ghép vào chương trình đào tạo. Q: Trong chương trình “Giá trị thật” do kênh HTV7 thực hiện vào tháng 10/2014, truyện tranh Việt Nam chỉ chiếm 1% thị trường truyện tranh trong nước. Điều này đồng nghĩa trẻ em Việt Nam tiếp xúc 99% truyện tranh nước ngoài, trong đó, Manga chiếm ưu thế hơn cả. Là đơn vị đào tạo họa sĩ truyện tranh, CMA nhận định đâu là những khó khăn trong việc sản xuất truyện tranh mà Việt Nam đang gặp phải? A: Trong nhiều khó khăn cản trở sự đi lên của truyện tranh Việt Nam hiện nay, theo góc nhìn của CMA, khó khăn lớn nhất đó là yếu tố con người, cụ thể hơn là cách nhìn nhận về nghề hay thái độ nghề nghiệp của đội ngũ làm nghề. Cần phải khẳng định Việt Nam không thiếu những tài năng về chuyên môn, nhưng việc thiếu đi những tìm hiểu căn cơ về bản chất của nghề nghiệp ở giai đoạn xuất phát điểm dẫn đến những hệ quả phía sau, có thể là nóng vội, thiếu nhẫn nại, mất phương hướng, thiếu khả năng tương tác nhóm… Để truyện tranh Việt Nam có thể đi đường dài, đường xa, CMA cho rằng nên tham khảo bài học từ câu chuyện “nếu anh có 8 tiếng để chặt một cái cây, hãy dành 7 tiếng cho việc mài rìu”. Q: Để trở thành họa sĩ truyện tranh, có lẽ năng khiếu nghệ thuật là điều không thể thiếu. Nhưng trong điều kiện tuyển sinh của CMA, học viên không cần thi tuyển đầu vào. Vì sao CMA lại đưa ra tiêu chí tuyển sinh này? A: Trong phạm vi của ngành truyện tranh, ý niệm “tài năng” hay “năng khiếu nghệ thuật” rất dễ bị hiểu theo nghĩa hẹp là “vẽ đẹp”. Trên thực tế, đúng là một bộ truyện tranh không thể thiếu những nhân sự có liên quan đến việc tạo hình nói chung (phân cảnh, phác hình, lọc nét, lên hiệu ứng, tô màu, thiết kế, dàn trang…). Tuy nhiên, một tác phẩm truyện tranh thực thụ cần nhiều hơn thế, với các vai trò không kém phần quan trọng từ những vị trí khác, thậm chí là “không biết vẽ, vẽ không đẹp” như: quản lý nhóm, ý tưởng

8/ Hãy thả lỏng và tìm ra “dòng chảy” Điều này tương tự như bước 6 nếu bạn muốn thực hiện động tác tạo dáng cho con vật. Động vật di chuyển rất nhiều vì vậy bạn cần nhanh chóng nắm bắt được bản chất của tư thế. Nếu bạn đang vẽ một con hổ hoặc sư tử, bạn cần phải thực hiện vẽ các dáng cho con vật và đừng lo lắng về các đường kẻ sọc và râu ria của chúng. Thay vào đó, hãy tìm đường nét của hành động và nhịp điệu cho tư thế của nó. 9/ Tạo bóng Những điều cơ bản để vẽ một con vật không khác gì vẽ một nhân vật. Bạn luôn muốn tư thế của chúng được rõ ràng và ngắn gọn nhất có thể. Nếu  bóng  bạn vẽ không rõ ràng thì người xem sẽ khó lòng hiểu được bản vẽ. Dù bạn đang vẽ một con voi, một con gấu hay bất kỳ con vật nào khác thì đều như vậy cả. 10/ Sử dụng các hình dạng chồng chéo để tạo chiều sâu Sau khi bạn  tả được các hình dạng khác nhau của con vật mình chọn, hãy thử chồng chúng lên. Điều này sẽ mang lại cho hình ảnh của bạn cảm giác về chiều sâu và không gian trong khung hình. Việc chồng lên nhau từng hình dạng một cách thích hợp sẽ mang lại cho bản vẽ của bạn cảm giác thực tế và sinh động hơn. 11/ Tạo thêm hành động và sự kịch tính Động vật là sinh vật sống và chúng sẽ luôn có sự chuyển động. Bạn nên tả điều này trong bản vẽ của mình. Mặc dù không có gì sai khi vẽ một bức chân dung động vật, nhưng tôi thấy rằng hình ảnh động vật đang hoạt động hay làm gì đó luôn nhận được phản hồi tích cực hơn và có nhiều tác động hơn. Hãy chịu khó rèn luyện để phát triển khả năng tạo cảm giác kịch tính và sinh động cho tranh của bạn. 12/ Chú ý đến ánh sáng và bóng tối Việc sử dụng hợp lý ánh sáng và bóng tối trong tranh có thể giúp nâng cao cảm giác kịch tính mà chúng ta đã thảo luận ở bước 11. Tôi thường xuyên đẩy hoặc phóng đại ánh sáng tự nhiên để nâng cao cảm giác đó. Nếu được sử dụng đúng cách, một “cú bóng đổ” mạnh mẽ có thể cải thiện sâu sắc tâm trạng của bức tranh cũng như mang lại cảm giác về thời gian và địa điểm cho nó. 13/ Hãy vẽ những hình dạng lớn trước Một sai lầm điển hình mà tôi thấy các họa sĩ mắc phải là họ dễ bị cuốn vào các chi tiết ngay lập tức. Hãy vẽ những hình lớn trước. Ví dụ, nếu bạn đang vẽ một con voi, hãy vẽ “hình hạt đậu” lớn để tạo cơ thể, tiếp theo là hình tam giác hoặc hình nêm của đầu. Sắp xếp đúng vị trí của chúng và phần còn lại sẽ nhanh chóng kết hợp với nhau. 14/ Thể hiện cảm xúc và tính cách Cho dù vẽ một con vật thực tế hay hoạt hình, hãy cố gắng đưa nhiều tính cách vào tranh nhất có thể. Một chút cường điệu hoặc nhấn mạnh sẽ tạo thêm sự ấn tượng  cho bức tranh của bạn. 15/ Hãy chọn lọc khi vẽ  lông động vật Không cần phải quá chi tiết ở đây. Bạn không cần vẽ từng sợi lông trên thân con vật. Thay vào đó, hãy vẽ vào những điểm chính để gợi tả  chúng. Những nơi mà cơ thể uốn cong là những điểm tuyệt vời để tô điểm cho phần lông. Nguồn: creativebloq.com Người dịch: Minh Thanh

Vẽ động vật là một phần không thể thiếu trong vẽ tranh minh họa. Từ cảnh động vật hoang dã đến chân dung vật nuôi, bạn sẽ có rất nhiều khả năng phát triển sau khi thành thạo kỹ năng này. Các mẹo hướng dẫn dưới đây được chia sẻ bởi nhà làm phim hoạt hình, đạo diễn và họa sĩ vẽ động vật hoang dã nổi tiếng Aaron Blaise. Anh sẽ đưa ra các lời khuyên về cách tạo ra một tác phẩm tranh động vật tốt nhất. Kết hợp với việc tự luyện tập, việc vẽ nên “vương quốc động vật” của riêng bạn sẽ nằm trong tầm tay. 1/ Quan sát Trước khi bắt đầu vẽ, hãy dành một chút thời gian để quan sát và nghiên cứu con vật bạn muốn vẽ. Nó di chuyển như thế nào? Đang làm gì? Thường thì bạn sẽ nhận thấy điều này rất dễ dàng. Bạn có thể đoán trước nó sẽ ở đâu tiếp theo không? Ví dụ: nếu đó là một ngày nắng nóng, con vật  có thể hướng đến bóng râm. Những loại chi tiết này rất quan trọng trong việc giúp bạn nắm bắt chi tiết vì động vật thường không ngồi yên và tạo dáng cho bạn – đặc biệt là trong môi trường hoang dã! 2/ Thực hiện nghiên cứu  trước khi bạn đến nơi mà bạn định vẽ Ví dụ, trong chuyến đi đến Alaska, tôi cố gắng tìm hiểu mọi thứ về gấu xám, chuột xạ hương và nai sừng tấm trước khi đến. Tôi nghiên cứu sách để tìm hiểu về cơ bắp, khung xương và khuôn mẫu của chúng. Tôi thậm chí còn xem webcam trực tiếp của một khu vực để có thể cảm nhận môi trường ở đó. Thông tin này sẽ hỗ trợ cho bạn rất nhiều khi bạn có ý định đến địa điểm nào đó để vẽ và tiết kiệm được rất nhiều thời gian. 3/ Chụp lại ảnh Động vật thường không ngồi yên một chỗ. Để tránh điều này, tôi chụp lại ảnh của con vật mà tôi định vẽ. Thay vì nhìn chằm chằm vào con vật trong suốt thời gian tôi vẽ, tôi sẽ nhìn lướt qua con vật và nhanh chóng quay trở lại trang giấy vẽ của mình. Bằng cách này, “hình ảnh cuối cùng” của con vật còn đọng lại trong đầu tôi kết hợp với nghiên cứu của tôi về giải phẫu học, tôi có thể vẽ chính xác lại con vật. 4/ Chia cơ thể thành nhiều phần Đây là một phương pháp mà tôi đã thực hiện trong nhiều năm. Hầu hết các loài động vật bốn chân có thể được chia thành các khu vực chính: đầu, cổ, chân trước, vai, thân, chân sau, hông, và cuối cùng là đuôi. Điều này nghe có vẻ chỉ là một sự quan sát khá bình thường, nhưng khi bạn phân tích con vật theo cách này, bạn có thể chồng lớp lên các khu vực đó theo bất kỳ hướng nào trong không gian. 5/ Hiểu về giải phẫu so sánh cơ bản Mọi người thường hỏi làm sao tôi biết được tất cả những chi tiết về những con vật mà tôi vẽ? Câu trả lời là: “Tôi không biết!” Nhưng tôi biết giải phẫu học so sánh. Hầu hết các loài động vật, đặc biệt là động vật có vú, có  các bộ phận giống nhau – chỉ khác nhau về khoảng cách. Và điều này cũng đúng với con người. 6/ Xem tỷ lệ Bây giờ bạn đã hiểu rằng hầu hết các loài động vật đều có xương và nhóm cơ giống như con người, chỉ là khác nhau với tỷ lệ và cách vẽ. Vấn đề này chủ yếu là do luyện tập và sự lặp đi lặp lại. Nhưng một khi bạn bắt đầu hiểu được khoảng cách và tỷ lệ phù hợp, bạn có thể vẽ đối tượng của mình ở bất kỳ tư thế hoặc góc độ nào. 7/ Sử dụng mực vẽ đen trắng trên giấy midtone Cách làm cho bản vẽ đầu sư tử bằng mực và bút chì trở nên sống động: a) Tạo một bản phác thảo thô Đầu tiên hãy vẽ một bản phác thảo thô bằng bút chì và nhớ lại tất cả các mẹo bạn đã xem ở trên. Hãy thả lỏng  ở giai đoạn này. Điều  đó mang lại cho bạn sự năng động trong công việc. Việc tinh chỉnh hình ảnh sẽ được thực hiện trong các bước sau. b) Thêm bóng vào bản vẽ Tiếp theo, sử dụng bút lông hoặc bút bi để tô vùng tối. Sử dụng mực không thấm nước ở đây trong trường hợp bạn muốn thêm màu nước hoặc rửa sau đó. Cố gắng làm việc theo một hướng nhất quán để không làm lem mực. c) Sử dụng mực trắng để làm nổi bật Bây giờ sử dụng bút màu trắng (tôi thích nhất dùng bút Sakura Gelly Roll) và thêm các điểm nhấn và điểm nổi bật. Bởi vì bạn bắt đầu với tông màu trung bình chứ không phải tông màu trắng, bạn có thể làm nhẹ hơn hoặc làm cho nó nổi lên. (Còn tiếp) Nguồn: creativebloq.com Người dịch: Minh Thanh

After Effects CC – phần mềm hoạt hình, đồ họa chuyển động và 3D của Adobe, nghe có vẻ là một chương trình phức tạp, nhưng khi bạn nắm được các khái niệm cơ bản, bạn sẽ có thể tạo một loạt các kiểu hoạt hình thông qua phần mềm này. Bài viết này sẽ giới thiệu  một số mẹo cơ bản để tạo hoạt ảnh  trong After Effects. Và sau khi đọc xong nếu bạn có hứng thú thì có thể tìm hiểu các hướng dẫn After Effects khác dành cho người mới bắt đầu, bán chuyên và chuyên nghiệp để biết thêm các mẹo thiết thực và cảm hứng thiết kế. 1/ Nhập tệp từ Photoshop After Effects cho phép bạn kết hợp các tệp Photoshop vào các “thành phần” của mình (comp). Khi bạn nhập các tệp này vào một dự án (project), các layers sẽ giữ nguyên chất lượng riêng của chúng – chỉ cần kéo một tệp vào comp và nó sẽ xuất hiện trên dòng thời gian hoạt ảnh. 2/ Sử dụng keyframes Nhấp vào hình tam giác bên cạnh Chuyển đổi (Transform) sẽ hiển thị Vị trí, Tỷ lệ, Xoay (Position, Scale, Rotation),… Mỗi công cụ  là một keyframe – một vị trí trên dòng thời gian đánh dấu sự bắt đầu hoặc kết thúc của quá trình chuyển đổi. Để thêm keyframe, hãy chọn điểm bạn muốn thay đổi và nhấp vào chuyển tiếp trên dòng thời gian. Ví dụ, có thể thay đổi từ keyframe này sang keyframe khác bằng cách kéo nó dọc theo comp. Khi bạn phát hoạt ảnh, nó sẽ di chuyển theo đường dẫn bạn đã tạo. 3/ Làm mượt quá trình chuyển đổi bằng cách sử dụng nới lỏng (easing) Việc làm dịu có thể giúp cho quá trình chuyển đổi giữa các keyframe trông ít bị giật hơn bằng cách tăng tốc hoặc làm chậm hoạt ảnh một cách tự nhiên. Tìm menu Hỗ trợ keyframe (Keyframe Assistant) trong Hoạt ảnh (Animation) để kết hợp nới lỏng (easing). Easy Ease sẽ thực hiện những chuyển đổi như tên của nó bằng cách nới lỏng phần tử trên cả hai mặt của keyframe. 4/ Điều chỉnh các điểm Đồng bộ hóa những thay đổi của một layer với sự chuyển đổi của một layer khác. Ví dụ, bánh xe ô tô sẽ là layer con của thân xe (layer chính). Trong trường hợp này, mỗi khi ô tô di chuyển, quay hoặc điều chỉnh tốc độ, bánh xe sẽ đi cùng với nó. Để gán mối quan hệ cha/con (một thuật ngữ trong IT, khiến cho các layer hay class có mối quan hệ với nhau, khi layer chính (cha) chuyển động đến một lệnh nào đó, layer phụ (con) cũng sẽ hoạt động theo), trước tiên hãy đảm bảo rằng các điểm của bạn được căn chỉnh chính xác. Hãy nghĩ về nó giống như khung xương – các khớp là gì? Khi một cái gì đó quay, nó sẽ xoay từ đâu? Kéo điểm để thay đổi vị trí của nó. 5/ Kết nối các phần tử Nhấp vào phần tử con (hình xoắn ốc) và kéo biểu tượng đến phần tử gốc của nó. Khi các điểm này được xác định, hãy chọn phần tử con mà bạn muốn và nhấp vào biểu tượng hình xoắn ốc trong phần gốc. Sau đó, kéo nó vào phần tử chính và thả ra – cả hai hiện đã được kết nối và bất kỳ thay đổi nào bạn thực hiện sẽ ảnh hưởng đến cả hai phần của phần tử mới. 6/ Thêm chuyển động Công cụ Con rối (Puppet) giúp thêm chuyển động một cách tự nhiên cho hình ảnh. Ví dụ, một con rắn có thể lắc đầu trong khi đuôi lắc lư, tất cả chỉ với việc đặt một vài chiếc “đinh ghim”. Đầu tiên, nhấp vào hình tam giác bên cạnh các hiệu ứng và chọn con rối (puppet). Ở đó, bạn sẽ thấy Mesh 1. Nhấp vào hình tam giác bên cạnh nó để hiển thị menu Deform. Giờ đây, bạn sẽ có thể nhấp vào các khu vực mà bạn muốn thêm Ghim con rối (Puppet pins) – bạn có thể thử nghiệm điều này cho đến khi đạt được hiệu ứng mà bạn đang mong muốn. Khi bạn đã hoàn tất việc đặt các ghim, hãy nhấp vào chuyển tiếp trên dòng thời gian và sử dụng thuộc tính Chuyển đổi để kéo dài hoặc làm biến dạng từng ghim riêng lẻ. Đối tượng đã được ghim sẽ di chuyển ngay lập tức. 7/ Xuất hình ảnh động của bạn Khi bạn đã hài lòng với hoạt ảnh của mình, hãy xuất nó ra. Để xuất hoạt ảnh thành phim, hãy chuyển đến Tệp> Xuất> Thêm vào hàng đợi kết xuất (File > Export > Add to render queue). Nguồn: creativebloq.com Người dịch: Minh Thanh

Một video hoạt hình 2D đẹp không chỉ thu hút khán giả mà còn thúc đẩy tối đa lợi nhuận và thể hiện hai khía cạnh quan trọng:  – Đội ngũ thực hiện là một nhóm các chuyên gia sáng tạo và giàu kinh nghiệm, luôn tập trung vào kết quả cuối cùng.  – Một quy trình hoạt ảnh toàn diện để tạo ra các video tốt. Cho dù bạn đang lên kế hoạch tự xây dựng  video hoạt hình  hay đang tìm thuê một công ty trong lĩnh vực này để tạo video quảng bá thương hiệu của mình, thì trong bài viết này chúng tôi đã tổng hợp chi tiết về quy trình tạo nên một video hoạt hình. Quy trình dựng hoạt hình là gì? Để tìm hiểu về quy trình làm video hoạt hình, trước tiên bạn cần hiểu khái niệm video hoạt hình là gì. Hoạt hình 2D liên quan đến việc sử dụng các đối tượng và nhân vật hai chiều như một phương tiện truyền đạt thông điệp và tường thuật câu chuyện. Là việc tạo ra sự chuyển động bằng cách sử dụng chiều rộng và chiều cao của hình ảnh tĩnh trong không gian 2D. Quá trình làm video hoạt hình thông thường sẽ bao gồm tạo nhân vật, background và storyboard (phân cảnh). Các chuyên gia như các nhà thiết kế và người làm video hoạt hình thường sử dụng phần mềm như Photoshop, Adobe After Effects và Illustrator để tạo video hoạt hình. Vậy làm thế nào để tạo ra một video hoạt hình 2D có sức ảnh hưởng? Các bước của quy trình làm hoạt hình tùy thuộc vào từng công ty sản xuất. Họ có thể chia các bước thành các phần chi tiết hoặc đưa ra các danh mục rộng hơn. Cố gắng thu hút sự chú ý của khách hàng chỉ là một trong những lý do khiến các nhà tiếp thị ngày càng quan tâm đến vấn đề dùng video hoạt hình. Các chuyên gia đang tận dụng video hoạt hình 2D để phát triển doanh nghiệp của họ bằng cách phục vụ khán giả trên mạng xã hội, làm cho trang web của họ trở nên thú vị và hấp dẫn hơn đối với khách hàng,… Quy trình của mỗi video hoạt hình sẽ khác nhau, dựa trên yêu cầu cụ thể của khách hàng, mong muốn của họ và tính cấp thiết của dự án. Tuy nhiên, đây là bảy bước chính của quá trình làm hoạt hình. 1/ Nghiên cứu Để video có sức ảnh hưởng thì video cần đáp ứng được nhu cầu và  mục tiêu mà khách hàng hướng tới. Để làm được điều này cần hoàn thành hai nhiệm vụ chính:  – Thu thập thông tin từ khách hàng càng nhiều càng tốt.  – Tìm hiểu bất cứ điều gì bạn có thể về mong muốn của khách hàng. Đảm bảo rằng bạn trao đổi rõ ràng với khách hàng về kỳ vọng và tầm nhìn của họ. Việc gửi một bảng câu hỏi hoặc một bản tóm tắt  để khách hàng có thể điền vào sẽ luôn hữu dụng. Nó giúp bạn thu thập các thông tin chi tiết như mục đích, trọng tâm, điểm nổi bật trong video, thông điệp,…. Tìm hiểu xem các đối thủ cạnh tranh đang làm gì, nội dung video mà khách hàng muốn khán giả của họ xem và sự mong đợi từ khách hàng của bạn. 2/ Lên concept và kịch bản Thu nhập và nghiên cứu thông tin là một bước có ảnh hưởng lớn nhất đến kết quả. Concept và kịch bản của video giống như nền tảng của nó và cần phải chú trọng. Bạn có thể nảy ra ý tưởng cho video theo hướng nhân vật, khơi gợi cảm xúc mạnh mẽ, cuộc trò chuyện hoặc có thể mang tính khái niệm. Trọng tâm là tập hợp một phương pháp tiếp cận sáng tạo cho phép khách hàng đạt được các mục tiêu đã định trước. Sau khi  nhận được  sự đồng ý từ khách hàng về concept video, tiếp theo là lên ý tưởng cho kịch bản. Đây là bước mà bạn  định hướng cho video. Một số mẹo cần lưu ý khi viết kịch bản video:  – Thời lượng từ 1 đến 2 phút.  – Tránh truyền đạt thông tin phức tạp, dài dòng vì nó làm mất đi trải nghiệm hình ảnh mà bạn đang muốn tạo ra.  – Đảm bảo câu chuyện đi  theo một hướng  nhất quán 3/ Storyboard Sau khi đã xong phần kịch bản, đã đến lúc kết nối các hình ảnh với kịch bản bằng cách tạo ra một storyboard (phân cảnh) chi tiết cho video. Storyboard là “kịch bản trực quan” của video. Nó cho biết từng cảnh video hoặc câu chuyện sẽ xảy ra như thế nào bằng cách truyền đạt bởi hình ảnh, đối tượng và hành động. Nó có thể là bản phác thảo được vẽ bằng tay hoặc bạn cũng có thể sử dụng phần mềm như Storyboarder and Plot để vẽ storyboard. Storyboard sẽ định hướng cho thiết kế, diễn viên lồng tiếng và người làm hoạt hình. Nó giúp họ thiết kế background và nhân vật, xác định cao độ và vị trí dừng trong kịch bản và tạo chuyển tiếp trong hoạt ảnh. 4/ Lồng tiếng Tìm giọng nói phù hợp để làm cho câu chuyện của bạn có xúc cảm hơn. Tùy thuộc vào  câu chuyện đang kể, bạn cần tìm một  diễn viên lồng tiếng phù hợp. Nếu bạn đang kể câu chuyện về một công ty hoặc những người sáng lập công ty, bạn có thể mời một trong số họ góp giọng vào video để tạo cảm giác cá nhân hơn. Tuy nhiên, nếu bạn chỉ muốn  kể một câu chuyện mà người xem có thể chia sẻ, thì diễn viên lồng tiếng là lựa chọn

Sau nhiều năm vắng bóng, Ishida Sui đã trở lại Shonen Jump với serie hoàn toàn mới: Choujin X CẢNH BÁO: Bài viết tiết lộ nội dung của Choujin X, nếu bạn chưa trải nghiệm, hãy xem ngay Chương 1 được sản xuất bởi Ishida Sui, Jan Cash, và Snir Aharon hiện đã có bản tiếng Anh tại Viz Media và Manga Plus. Sau khi hoàn thành câu chuyện của Tokyo Ghoul, Ishida Sui đã kiệt sức và căng thẳng vì quỹ thời gian hạn hẹp và áp lực đến từ dư luận trong khoảng thời gian sáng tác manga này. Kết quả là anh mất dần tình yêu dành cho manga. Tokyo Ghoul đã khiến Ishida gần như đánh mất  bản thân mình. Choujin X, manga mới nhất của Ishida sẽ thay đổi điều đó. Loạt series Shonen Jump sẽ được phát hành có lẽ không thường xuyên lắm vì theo như dự định của Ishida, anh ấy sẽ dành thời gian để viết câu chuyện mà anh ấy muốn thực hiện. Đây là những gì mà ngay chương đầu tiên đã cung cấp cho độc giả. Vào một ngày như mọi ngày, một cô gái trẻ từ vùng nông thôn đang trên chuyến bay đến cuộc thi trồng rau, cô trò chuyện cùng một người phụ nữ lớn tuổi đi chung chuyến bay. Mọi chuyện trở nên tồi tệ khi một người đàn ông ngồi phía đối diện đột nhiên cư xử kỳ lạ. Khói bắt đầu bốc ra từ những đầu ngón tay của ông ta và khi ông ta hất tay ra sau, mọi người ngồi sau lưng ông ta bỗng bốc cháy. Đây chính là việc làm của thứ gọi là Choujin. Máy bay chìm trong biển lửa nhưng đáng ngạc nhiên là không có thương vong nào. Sau vụ tai nạn kinh hoàng 200 người trên chuyến bay đó đã sống sót. Tiếp đó, chương truyện giới thiệu hai nhân vật chính: Tokio Kurohara và Azuma Higashi, hai học sinh trung học thường xuyên bắt tay nhau chống lại bọn tội phạm. Azuma thường là người đầu tiên lao vào cuộc chiến ngay khi thấy sự bất công trong khi Tokio chỉ đứng nhìn. Cuộc sống bình dị của họ thay đổi nhanh chóng sau khi Azuma đánh gãy tay một tên côn đồ Johnny Kiyoshi Takeyama. Tìm cách trả thù, tên côn đồ này nhận huyết thanh – thứ mang lại cho hắn ta sức mạnh giống như Mr. Fantastic (cơ thể dẻo dai và có thể kéo dài ra) từ một nhân vật bí ẩn và biến thành Flexi Choujin. Johnny Kiyoshi Takeyama đánh bay Azuma và với cơn khát máu tột độ, hắn đã giết chết hai người bạn của mình bằng cách siết chặt họ cho đến khi đầu họ nổ tung. Tokio trốn thoát cùng Azuma và mặc cho Tokio thúc giục chạy thật nhanh, Azuma nhìn chằm chằm vào hai ống huyết thanh trên mặt đất, cái cùng loại với huyết thanh Johnny đã sử dụng để trở thành Choujin. Azuma quyết định mình phải sống sót và cho dù có phải trở thành Choujin, cậu cũng sẽ làm. Sợ rằng mình sẽ bị bỏ lại phía sau, Tokio đồng ý. Chương truyện kết thúc với việc Tokio biến thành một Bestial Choujin mạnh mẽ, hoàn chỉnh với một chiếc mặt nạ  khá phức tạp, và dễ dàng chế ngự Johnny. Nhưng Azuma thì đã biến mất. Tác phẩm của Ishida vẫn luôn đẹp với những lớp shading đặc trưng. Mặc dù thế giới Choujin X chưa được hoàn chỉnh hoàn toàn, nhưng nó đã truyền cảm hứng cho rất nhiều kế hoạch mở rộng  sau này. Từ “Choujin” được dùng để chỉ một siêu nhân hay siêu anh hùng. Khi tin tức về việc Ishida viết một bộ manga mới được công bố, Ishida đã  tiết lộ rằng tác phẩm mới nhất của anh được lấy cảm hứng từ Ubermensch của Nietzsche, trong đó Nietzsche cho rằng có một loại trạng thái mà con người có thể vượt qua chính họ và có thể tạo ra số phận của bản thân, không bị điều khiển bởi bất kì xã hội hay luật lệ nào. Có vài điểm tương đồng đáng chú ý giữa Choujin X và Tokyo Ghoul chính là việc Tokio đeo mặt nạ Choujin gợi cho ta nhớ đến hình dạng kakuja của Kaneki. Tính biểu tượng của Ishida là  khía cạnh được đánh giá cao nhất trong mangaTokyo Ghoul và anh cũng sử dụng rất tốt biểu tượng “hoa và động vật” trong Choujin X. Bồ công anh trôi đi khi hai người bạn lựa chọn trở thành Choujin. Loài hoa này thường không được ưa chuộng vì chúng được coi là cỏ dại nhưng mọi người, đặc biệt là trẻ em luôn thích thổi những cánh hoa bồ công anh và tin rằng điều này có thể thực hiện điều ước. Và có lẽ đó là lý do tại sao Tokio lựa chọn trở thành Choujin cùng với Azuma – ước muốn của cậu là dù cho có chuyện gì xảy ra, cậu và Azuma vẫn là bạn bè. Những bông hoa bồ công anh  còn song hành cùng với hình ảnh chim kền kền. Đầu chương, Tokio được so sánh với một con kền kền, loài chim bay vòng quanh nơi những kẻ săn mồi kiếm ăn, chờ cơ hội để sà vào ăn thức ăn thừa của chúng. Chúng không phải là những sinh vật tốt để nói lên bản chất của Tokio và cậu ghét sự so sánh, Tokio muốn được công nhận như là một con sư tử – như Azuma. Azuma là người thay đổi suy nghĩ đó, nói với Tokio rằng kền kền có thể bay cao hơn bất kỳ loài chim nào khác, có nghĩa là Tokio cũng có thể bay cao hơn giới hạn của chính cậu. Những ô truyện này chứa những khoảnh khắc

Bạn muốn trở thành một họa sĩ giỏi? Bài viết dưới đây sẽ gợi ý cho bạn những cách để cải thiện kĩ năng vẽ Digital (vẽ tranh trên máy tính hoặc bảng vẽ điện tử) chỉ với những bước đơn giản nhất. Cải thiện kĩ năng vẽ luôn là điều tiên quyết đối những họa sĩ vẽ minh họa, vẽ tranh Digital… Giống như những nhà sáng tạo nghệ thuật khác, họa sĩ Digital chuyên nghiệp cũng phải học hỏi rất nhiều. Và để tránh sự đình trệ và tụt hậu, với tư cách là một người làm công việc sáng tạo, bạn phải tự thúc đẩy và thử thách bản thân thật nhiều. Điều này không chỉ đơn thuần là học thêm kĩ thuật sử dụng phần mềm hay tìm những “phần cứng” như bút vẽ, bảng vẽ hay máy tính bảng. Không quan trọng những công cụ bạn có là tuyệt vời hay bình thường, trình độ của bạn được cải thiện thông qua việc làm mới mình và điều chỉnh những kỹ thuật cốt lõi sẽ giúp bạn có có góc nhìn tốt hơn trong việc vẽ. Trong bài viết này, chúng ta sẽ đi vào 6 cách cải thiện trình độ của bạn với sự kết hợp của những bài hướng dẫn, mọi thứ từ kĩ năng vẽ chân dung cho đến thiết kế nhân vật. HÃY PHÁC HỌA THƯỜNG XUYÊN Không quan trọng việc bạn dùng bút và giấy hay bảng vẽ. Luyện tập phác họa thường xuyên là một điều cần thiết để duy trì và phát triển kĩ năng của bạn. Họa sĩ người Mỹ – Terryl Whitlach, người được biết đến với những tác phẩm thiết kế cho Lucasfilm, nói rằng: “Trở thành một họa sĩ giỏi và giỏi hơn rất quan trọng, và để có được nền tảng từ trải nghiệm, hãy làm rối tung mọi thứ lên, thử lại và thử lại lần nữa để rồi phát triển được kĩ năng. Đôi lúc mọi thứ diễn ra không đúng như dự định, nhưng đó chính là quá trình để chúng ta thoát ra khỏi “vùng an toàn”, và trở nên tốt hơn.” Phác họa thường xuyên có thể giúp bạn nảy ra nhiều ý tưởng mà bình thường bạn khó  nghĩ tới được. Họa sĩ Kì ảo (Fantasy: Kì ảo – Một thể loại nghệ thuật) Tony Diterlizzi nói: “Tôi thường xuyên phác họa những ý tưởng ngẫu nhiên mà tôi nảy ra khi đang thả lỏng tâm trí. Trí tưởng tượng của tôi cho phép tôi phác họa ra những ý tưởng không bình thường, thứ mà sau này tôi biến thành những bức tranh minh họa hoàn chỉnh.” LUYỆN TẬP VẼ NGƯỜI Vẽ người – sự sao chép chính xác hình dáng người từ nhiều góc độ, nét và tư thế khác nhau – là một kĩ năng cốt lõi của tất cả họa sĩ, và luôn mang tính giá trị cao trong công việc. Cách tốt nhất để học những điều cơ bản là tham gia những lớp học vẽ. Nhưng cũng có những cuốn sách mà bạn có thể tham khảo, sau đây là một số đầu sách có lẽ bạn sẽ cần: – Figure Drawing của họa sĩ Steve Huston: Cuốn sách cung cấp đầy đủ từ nhập môn cho tới bài học – Human Drawing của Daniela Brambilla: Cuốn sách ít tập trung vào  lý thuyết mà  khuyến khích sự luyện tập, rèn dũa PHÁT TRIỂN KĨ NĂNG VẼ CHÂN DUNG Vẽ chân dung, dù chúng ta họa ra từ thực hay trí tưởng tượng, là một kĩ năng cơ bản mà mọi họa sĩ đều muốn thành thạo. Bạn sẽ học cách dựng bản phác họa của chân dung cơ bản, rồi sau đó đi sâu vào cách phát triển tranh của bạn sao cho chúng trông “thật” hơn. TRAU DỒI KĨ NĂNG VẼ ĐỘNG VẬT Vẽ động vật cũng là một cách rất đáng giá để bạn nâng cao trình độ vẽ tranh của mình. Luyện tập quan sát động vật và vẽ lại sẽ giúp bạn cải thiện rất nhiều. PHÁT TRIỂN KĨ NĂNG VẼ NHÂN VẬT Để cải thiện kĩ năng vẽ nhân vật phần lớn nhờ vào  sự luyện tập chăm chỉ không ngừng nghỉ và một phần từ cảm hứng. Nhưng vẫn có một số gợi ý hữu dụng từ những họa sĩ chuyên nghiệp. Một trong những cuốn sách  bạn có thể tham khảo là The Silver Way: Techniques, Tips and Tutorials for Effective Character Design của Stephen Silver, người làm việc cho show hoạt hình truyền hình “Kim Possible”, và điều hành Silver Drawing Academy. Một số kĩ thuật như “phác họa trí nhớ”, “cảm giác mù (blind feeling)” và “ném lên trang giấy (throwing up on page)”, những phương pháp này có thể giúp bạn nâng trình độ vẽ nhân vật lên một tầm cao mới. Và còn rất nhiều lời khuyên thú vị từ việc thiết kế nhân vật mà bạn có thể nghiên cứu. HIỂU ĐƯỢC CÁCH BỐ TRÍ Dù bạn đang theo đuổi loại hình nghệ thuật nào thì sắp xếp bố cục hợp lí chính là chìa khóa. Nếu bạn đang phải chật vật với bố cục, vậy thì  quyển sách Cẩm nang Người thiết kế của Golden Ratio và cuốn sổ cầm tay Làm thế nào để sử dụng quy luật của góc nhìn thứ ba trong nghệ thuật rất hữu dụng với bạn đấy. Nguồn: Creative Bloq Dịch: Minh Thanh

Điều này thật sự cần nhiều thời gian để cải thiện. Việc kiên nhẫn và luyện tập hàng ngày sẽ giúp bạn thành thạo kĩ năng vẽ nhân vật hoạt hình. Vào những ngày đầu tiên tại studio Walt Disney, khi đang tham gia làm việc cho các bộ phim như: “Vua Sư Tử”, “Hoa Mộc Lan” hay “Anh Em Gấu”, chúng tôi đã phải làm việc và xử lý hàng trăm sự đa dạng của thiết kế nhân vật. Bởi vì những bộ phim kể trên đều được vẽ tay, sẽ không khó để hình dung việc những thiết kế thiếu chỉn chu ấy sẽ trông như thế nào khi lên phim. Dù sao thì, sau sự ra đời của những tác phẩm hoạt hình như “Câu Chuyện Đồ Chơi” và các tác phẩm khác, việc thiết kế  nhân vật theo hình thức vẽ tay truyền thống càng khó khăn hơn đối với các họa sĩ, bởi theo họ thời đại vẽ tay đang dần không còn chỗ đứng trong ngành công nghiệp làm phim hoạt hình. Một trong những phát hiện lớn nhất của tôi khi bắt tay vào công việc vẽ tranh kỹ thuật số là tôi có khả năng tự tạo ra một hình ảnh dựa trên một bộ phim có sẵn. Tôi có thể thay đổi và truyền tải kết cấu theo ý muốn, gam màu và độ sáng – tất cả chỉ trong một hình ảnh. Điều này mang giá trị thật sự lớn nếu muốn trình bày ý tưởng với các nhà sản xuất phim, giám đốc nghệ thuật và đoàn làm phim. 1/ Vẽ những phác họa thô Hãy phác họa những bức tranh với tông nền xám chủ đạo, điều này giúp dễ quan sát các sắc độ màu hơn (chẳng hạn như sáng và tối). Tạo thêm một layer trên nền xám và đặt tên nó là “Bản phác họa thô”. Tiếp đó,  tôi vẽ một cách cẩu thả để phác họa. Đẩy nhanh  mọi ý tưởng và có thể chính sửa lại những ý tưởng bất cứ khi nào muốn. Kiểm tra tỉ lệ và khoảng cách của nhân vật với phong cảnh xung quanh. 2/ Hoàn thiện bản phác thảo Giảm opacity của phần phác họa thô xuống khoảng 30% và tạo thêm một layer mới có tên là “Hoàn thành phác thảo”. Bây giờ thì xác định và vẽ các chi tiết của nhân vật – ví dụ như có nếp nhăn hay mũi cao. Ở giai đoạn này rất quan trọng, vì bản vẽ bây giờ đóng một vai trò là bản thiết kế chính cho phần còn lại của quá trình kết xuất. Phác thảo tốt là bước đầu tiên để có những bức tranh hoàn hảo. 3/ Tô màu nền nhân vật Thuật ngữ “Local colour” được sử dụng để miêu tả những bức vẽ có chủ thể được tô màu nền nhưng không có mảng sáng hay bóng đổ. Bạn hãy tạo thêm một layer ngay dưới layer vẽ và đặt nó là “Màu nền”. Lần này, tôi sử dụng cọ lớn và đủ tự nhiên. Tô màu xanh lá làm chủ đạo. Tiếp đến, thêm các màu sắc khác nhau để tạo thêm sự đa dạng. Giai đoạn này hãy thật nhanh chóng và không cần quá rõ ràng. Đây là nền tảng cho việc lên màu sắc ở những bước tiếp theo. 4/ Tạo layer vẽ bóng đổ Tạo một layer mới đặt trên các layer khác, đặt tên là “Bóng” và đặt chế độ Blend thành Multiply. Điều này giúp bạn dễ quan sát màu nền nhân vật qua layer “Bóng”. Chọn một màu lạnh phù hợp với màu nền và bắt đầu tạo bóng. Để làm điều này thật chính xác, bạn nên học cách quan sát từ những bài học và cuộc sống đời thật. Ở đây  tôi  chỉ “lướt” nhanh qua nhưng cũng phải thật tỉ mỉ. 5/ Vẽ hướng sáng Tiếp theo, tạo thêm một layer để trên đầu và đặt tên là “Hướng sáng”. Quan trọng là phải nhớ sắc độ màu ở giai đoạn này. Sử dụng một màu trung tính lạnh cho phần bóng, nhưng ấm hơn và sáng hơn với các điểm sáng. Tô ở những vùng có nhiều nguồn sáng chiếu vào nhân vật, sử dụng màu xanh lá cây kết hợp với màu vàng nhẹ. 6/ Ánh sáng phản chiếu Trong vùng tối, ánh sáng sẽ phản chiếu lại từ các vùng được chiếu sáng và tạo ra ánh sáng phản chiếu. Tạo một layer dưới layer “Hướng sáng” và đặt tên là “Ánh sáng phản chiếu”, sau đó chọn một màu ấm hơn và sáng hơn một chút so với màu bóng xung quanh. Sự tỉ mỉ chính là mấu chốt: Nếu bạn muốn điều chỉnh một chút các giá trị (value), hãy tưởng tượng nguồn sáng đang được phản chiếu và hình thức hóa nó. 7/ Tận dụng các highlight Tạo ra một layer trên cùng và đặt nó là “Highlights”. Giờ thì đã đến lúc chỉnh sửa lại vùng sáng. Vào công cụ chọn màu, lấy một số màu sáng đồng màu với hướng sáng và chỉnh nó sáng hơn để thêm highlight. Vẽ vào các khu vực cần thêm điểm sáng và để ý tới ánh sáng viền, đẩy mảng tối sâu hơn. 8/ Tô nền (Ở đây tôi chọn mùa thu) Tiếp theo, tạo một layer bên dưới tất cả các layer và đặt tên là “Nền”. Sử dụng một cái cọ bình thường, tô nhanh một số màu sắc mùa thu để bổ sung cho màu xanh của nhân vật. Ở bước này chủ yếu quẹt nhanh một cách trừu tượng và sử dụng các sắc độ tối để đảm bảo nhân vật không bị kém nổi bật. Sau đó vào Filter > Blur > Gaussian Blur và đặt độ mờ ở 25 pixel. 9/ Thêm họa tiết Ở đây  tôi chọn kết cấu

Sau 11 năm phát hành, bộ manga đình đám “Attack on Titan” đã đi đến hồi kết. Sau đây là toàn bộ nội dung và giải thích chương cuối cùng của series. (Cảnh báo SPOILER) Số phận của Eren Ở chương cuối cùng, Mikasa, Armin, Levi và những chiến binh Titan còn lại đã chiến đấu với Eren và “con rết phát sáng”, thứ đã triệu hồi tất cả cựu chiến binh Titan, ẩn náu trong xương sống của Titan Thủy Tổ. Sau khi chui vào  miệng Titan của Eren nhờ sự trợ giúp của binh trưởng Levi, Mikasa chặt đầu Eren và hôn tạm biệt cậu, lần đầu cũng như lần cuối cùng. Tập truyện đã cho thấy chính điều đó đã thực sự giết chết Eren. Dưới màn sương bụi, Mikasa ôm đầu Eren và đi đến chỗ Armin, người đang khóc nức nở, thương tiếc cho  sự mất mát của Eren và Mikasa. Sau đấy Mikasa ôm phần thi thể còn lại của Eren rời khỏi chiến trường, cô biết rằng tổ chức một đám tang cho người gần như vừa hủy diệt cả thế giới là điều không được phép. Giống như tên của tập truyện, chương cuối cùng đã mở ra một khung cảnh mới – ba năm sau, tại nơi Eren được chôn cất, ngay dưới gốc cây cậu thường ngủ khi còn bé. Mikasa nói với cậu rằng những người đồng đội cũ đang đến thăm họ, Armin, Reiner, Jean, Connie, Annie và Pieck, cùng với Levi, Gabi, Falco, Onyankopon. Một cách đầy thương tiếc,cô bày tỏ nỗi lòng, mong muốn một lần nữa được gặp cậu. Điều kì diệu đã xảy ra, chiếc khăn choàng cổ Eren đã tặng cô năm xưa bỗng dưng quấn quanh cổ cô. Một bất ngờ khác, một chú chim xuất hiện ngay trước mặt cô và quấn chiếc khăn lại. Cô cười nhìn chú chim bay đi và không quên nói “Cám ơn cậu vì đã choàng chiếc khăn này cho tớ, Eren.” Một lúc sau đó, một chú chim giống hệt bay ngang Armin và những người khác đang ở trên boong tàu khởi hành đến đảo Paradis. Đội Trinh Sát dùng đôi cánh chim như một dấu hiệu, thứ được nhìn thấy xuyên suốt series, và đó cũng là một biểu tượng mà Eren mong mỏi từ lâu: sự tự do. Hồi kết của những Titan Ý định cuối cùng của Eren là loại bỏ sự tồn tại của Titan khỏi thế giới. Cuộc trò chuyện của cậu và Armin thông qua Con Đường ở đầu tập truyện đã làm sáng tỏ điều này. “Cậu ta đã làm điều đó vì toàn bộ lợi ích của thần dân Ymir.” – Armin nói, ám chỉ Eren quyết định dùng Rung Chấn để giết 80% nhân loại. Khi Armin hỏi liệu thực sự Eren có cần phải đẩy mọi thứ đến mức đó không, Eren đã cho Armin thấy một vùng đất rực cháy. Theo cậu, “sức mạnh của các Titan vẫn tiếp tục tồn tại vì Ymir đã phục tùng Vua Fritz trong 2000 năm qua.” Bất chấp sự bạo hành từ nhà Vua đã gây ra với ngôi làng và gia đình cô, thậm chí với chính cô, cô vẫn đem lòng yêu hắn. Chính sự ràng buộc này đã khiến cô dính chặt với hắn và gia tộc hắn trong suốt hai thiên niên kỷ. Eren nói rằng cậu thực sự không hiểu Ymir muốn gì, nhưng cậu biết rằng cô muốn được tự do, chờ đợi ngần ấy thời gian để có người đến “giải thoát cô khỏi xiềng xích của tình yêu.” Cho đến thời điểm hiện tại, chúng ta đều nghĩ rằng người có thể giải thoát cho Ymir là Eren khi cậu nhận được toàn bộ sức mạnh Titan Thủy Tổ từ cô. Nhưng thực chất không phải vậy, Eren nói với Armin rằng người có thể giải thoát cho Ymir chỉ có Mikasa mà thôi. Đó là lý do tại sao Ymir mỉm cười với Mikasa ở cuối chương 138 khi Mikasa giết Eren. Bằng cách nào đó, Mikasa đã giải phóng cô, và có lẽ chỉ Ymir mới là người hiểu rõ điều đó. Sau cuộc trò chuyện này, Eren đã xóa trí nhớ của Armin, cho đến khi trận chiến thực sự kết thúc, Armin mới nhớ lại tất cả. Cái chết của Eren và sự giải thoát của Ymir đã làm thay đổi tất cả, biến những Titan trở lại thành người bình thường. Nhớ lại sự hi sinh của Eren qua Con Đường, những đồng đội của cậu rất biết ơn vì cuối cùng đã được giải thoát khỏi lời nguyền Titan, nhưng sau tất cả, Marley vẫn nghi ngờ bọn họ. Hậu quả của cuộc chiến giữa Thiên Đàng và Trần Gian Ba năm kể từ sự kiện Rung Chấn. Mặc dù những Titan không còn, nhưng người dân trên đảo Paradis vẫn lo sợ cả thế giới sẽ trả thù. Eldia thiết lập một chế độ quân đội dưới ngọn cờ của Jeagerist. Trong một bức thư gửi cho Armin, Nữ hoàng Historia, hiện là mẹ của một bé gái ba tuổi, viết rằng: “Nếu chúng ta thắng, chúng ta sống. Nếu chúng ta thua, chúng ta chết. Nếu chúng ta không thể chiến đấu, chúng ta không thể thắng. Phải chiến đấu, chiến đấu cho đến cùng. Cuộc chiến này sẽ không kết thúc cho đến khi hoặc là Edia hoặc là thế giới biến mất. Đó là những gì Eren đã nói, và cậu ấy cũng có thể đã đúng. Dù vậy, cậu ấy đã chọn để lại thế giới này. Một thế giới mà chúng ta đang sống, thế giới không có Titan.” Armin, Reinar, Annie, Jean, Connie và Pieck mang theo hy vọng trở lại Đảo – sau khi đã giết chết Eren, vị Thánh của dân Paradis – để ký một hiệp ước hòa bình với tư

Hãy cùng theo dõi mẹo vẽ người từ những chuyên gia để nâng cao khả năng hội họa của bản thân nhé! Vẽ người là một kỹ năng nền tảng của họa sĩ, nhưng để đạt đến trình độ cao là một điều không hề dễ. Bài đọc sau đây sẽ cho các bạn xem qua quá trình vẽ và đưa ra một số lời khuyên giúp bạn thành thục kĩ năng này. Mục đích chính của bài viết nhằm giúp các bạn vẽ mẫu nữ tốt hơn. Mặc dù nắm được kiến thức về tỉ lệ cơ thể người là rất quan trọng, nhưng hãy nhớ đây chỉ là một bài hướng dẫn tham khảo. Để thành thục nó còn phụ thuộc vào rất nhiều yếu tố của riêng bạn và nhớ rằng bạn sẽ không thể nào vẽ thành thạo được nếu chỉ phụ thuộc vào mẫu cao 8 đầu người. Để đạt được điều đó, bạn cần phải biết được rằng mình đang vẽ gì, cử chỉ, tư thế hay tính chất uyển chuyển của mẫu phải phù hợp ra sao. Tuy nhiên, nếu chúng ta chỉ tập trung vào phần cử chỉ, tranh vẽ của chúng ta sẽ không thể nào hoàn chỉnh được. Để tránh điều đó, bạn cần phải học và luyện tập nhằm có được một nền tảng vững chắc về cấu trúc cơ thể, tuy nhiên việc tập trung quá nhiều vào cấu trúc có thể làm cho tranh bị cứng nét. Đó là lí do vì sao chúng ta phải học cách cân bằng hai điều đó thông qua bài viết này. Link Youtube (xem TẠI ĐÂY)  Ở đường link trên, bạn có thể xem qua một trong những video hướng dẫn vẽ chuyên sâu, nơi các bạn có thể tham khảo rõ ràng hơn sau khi đọc xong bài viết. Và để học cách vẽ mẫu nữ theo từng bước nhỏ, hãy đọc kĩ bài viết bên dưới nhé! Nào, hãy chuẩn bị bút chì và tinh thần cầu tiến tốt nhất. Chúng ta sẽ bắt đầu học cách vẽ mẫu nữ. 1/ Hãy bắt đầu vẽ các khối đơn giản trước Bắt đầu nâng cao sự tỉ mỉ và chú ý  các chi tiết trong bức vẽ. Hãy sử dụng một mẫu than nhỏ rồi phác thảo tranh. Tiếp đến, vẽ khối tỉ lệ cơ bản, phác họa lên hết những yêu cầu/ý muốn của bức tranh, điều này là tối quan trọng nếu bạn đang chép tranh từ một tranh mẫu. 2/ Vẽ thêm nét Từ việc vẽ các khối hình cơ bản như trên, bạn có thể dễ dàng vẽ các đường nét phức tạp hơn từ những khối đó. Đầu tiên vẽ khuôn mặt đánh từ khối nhỏ bên trong một khối lớn. Đây là hai trong số các quy luật vẽ: Vẽ từ lớn đến nhỏ và từ đơn giản đến tinh vi hơn. Hãy lưu ý khi vẽ các động tác cầm nắm,ưu tiên sử dụng nhịp điệu của cánh tay thay vì chỉ dùng lực cổ tay để vẽ. Điều này giúp  bạn vẽ tốt hơn những đường dài trên trang giấy. 3/ Vẽ đường cong rõ hơn Để vẽ một bàn chân một cách chân thật nhất người vẽ cần thể hiện rõ  mắt cá chân. Hãy dùng những dạng khối cơ bản để làm cho chân  trở nên rõ ràng hơn. Đồng thời thể hiện rõ các đường khối cong để bức tranh thêm sinh động. 4/ Bắt đầu lên tông màu bằng than Ở giai đoạn này, bạn nên thường xuyên quan sát bức tranh từ xa để kiểm tra thử xem có lỗi sai và kết cấu đã vững chắc chưa. Bắt đầu phủ lên tông màu bằng than vẽ. Hãy nhớ  mục tiêu  là trình bày lại từ mẫu tham khảo. Nếu chúng ta cố gắng đến mức hoàn hảo như một bản sao, tranh vẽ của chúng ta không thể nào hoàn chỉnh được, nó sẽ bị “cứng nhắc”, như thuật ngữ của một số họa sĩ. 5/ Trộn tông màu thành hình dạng hoàn chỉnh Từ những giai đoạn trên, chúng ta sẽ bắt đầu tạo nên phong cách riêng của mình. Hãy dùng khăn giấy, trộn tông màu từ lớp than thành dạng hoàn chỉnh hơn, giai đoạn này cũng thích hợp cho những bạn lỡ vẽ sai ở giai đoạn trước vì khi trộn tông màu bằng khăn giấy sẽ làm mờ bức tranh đi, cho bạn một cơ hội thứ hai để vẽ lại chi tiết bạn muốn. 6/ Thêm sắc độ màu lên cử chỉ của mẫu Ở phần này, điều chỉnh các phần nhỏ của cấu trúc cơ thể và thêm sắc độ. Giai đoạn vẽ này thường kéo khá nhanh, chỉ trong vài phút, nhưng nếu bạn đầu tư tập trung hơn khoảng một giờ, sẽ khá là đáng đấy. Bây giờ bạn có thể thêm thắt phong cảnh, chi tiết cho tranh vẽ rồi. 7/ Nhớ rằng, nếu thấy nó sai sai, thì nó sai thật đấy! Sử dụng cách đẩy bóng để làm cho các cử chỉ trông thật hơn, hãy nhớ nếu bạn quên đánh bóng phần xiphoid (xương nhỏ dưới vòm nhọn của lồng ngực) sẽ khiến bức tranh trông kì quặc. Và nó đã phạm vào một trong những quy tắc vẽ: Nếu cảm thấy nó sai, thì nó sai, ngay cả khi trông có vẻ đúng! 8/ Sử dụng giấy để không bị lem chì Sử dụng một mảnh giấy vừa đủ che tay bạn khi vẽ, như vậy khi đã tô sắc độ xong, bạn sẽ không làm bức tranh bị lem. Mẹo này giữ cho tranh của bạn không bị thay đổi “sắc độ” cũng như bị lem chì. Lưu ý là phải dùng mọi lúc để tránh những điều đáng tiếc xảy ra với bức tranh khi vô tình để bàn tay dính chì của bạn phá hỏng nó. 9/ Dùng

Không nằm ngoài dự đoán của giới chuyên môn và khán giả, siêu phẩm Soul của hãng Pixar đã giành tượng vàng cho giải Phim Hoạt hình xuất sắc nhất (Animated feature film), tại lễ trao giải Oscar lần thứ 93, được tổ chức song song tại nhà hát Dolby và nhà ga Union Station, cũng ở Los Angeles. Bộ phim nói về The Great Before, một thế giới nơi linh hồn của chúng ta được tạo ra trước khi chúng rơi xuống Trái đất và tìm thấy cơ thể con người, mang lại triết lý sâu sắc cho trẻ em, đồng thời cũng chia sẻ những bài học cuộc sống với người lớn. Mang giá trị nhân văn cao cả, Soul không đơn thuần là bộ phim hoạt hình giải trí mà còn có khả năng đánh thức niềm yêu đời mãnh liệt nơi những “người lớn” đang cảm thấy hoang mang trước cuộc sống hiện đại. Tại Oscar năm nay, Soul còn sở hữu tượng vàng thứ hai cho Nhạc phim xuất sắc nhất. Theo The Telegraph, Soul là phim hoạt hình đầu tiên được đề cử cho hạng mục Nhạc phim xuất sắc nhất trong 10 năm trở lại đây, kể từ sau How to Train Your Dragon. Hạng mục Phim hoạt hình ngắn xuất sắc nhất (Animated short film) đã được trao cho phim If Anything Happens I Love You của đạo diễn Will McCormack và Michael Govier. Bộ phim là câu chuyện cảm động về một hành trình vượt qua những tổn thương để lại bởi một sự kiện bi thảm khiến họ mất đi người con và làm gia đình họ thay đổi mãi mãi. Cre: tuoitre

Quyền lực mềm – một cách để một quốc gia gây ảnh hưởng tới công chúng cũng như giá trị và quan điểm quốc tế – đã trở thành một phần quan trọng trong cuộc tranh đua ảnh hưởng giữa các quốc gia. Đối với Nhật Bản, văn hóa anime xuất hiện rất đúng lúc với chỗ đứng và tầm ảnh hưởng của riêng mình lên toàn thế giới. “Rẽ màn đêm Tokyo với những ánh đèn neon hắt bóng trên đường, một băng đảng đua xe máy lao đi thật nhanh rồi dừng lại bên một chiếc hố đen khổng lồ được tạo ra sau một vụ nổ hạt nhân lớn. Chiếc hố thực sự quá khủng khiếp, tràn ra ngoài khuôn tranh và thấm đẫm cả trang truyện…” – Đây là phần mở đầu của cuốn truyện tranh manga giả tưởng nổi tiếng “Akira” (và sau này được chuyển thể thành hoạt hình anime) được họa sĩ người Nhật Katsuhiro Otomo cho ra mắt vào năm 1982. Các tác phẩm của Katsuhiro sau này cũng trở nên khá nổi tiếng tại thị trường Mỹ. “Người Mỹ chưa bao giờ nhìn thấy bất cứ thứ gì tương tự như thế này trước đây”, Susan Napier, giáo sư chuyên ngành Nhật Bản học tại Đại học Tufts chia sẻ trong một cuộc phỏng vấn qua điện thoại. “”Akira” là một câu chuyện hậu tận thế đáng kinh ngạc với chiều sâu tâm lý được thể hiện ấn tượng qua thế giới hình ảnh. Bộ phim đã vượt qua những giới hạn mà truyện tranh Mỹ thời đó vẫn chưa dám.” So sánh với thế giới của những DC Comics và Marvel, “Akira” cho thấy sự khác biệt và độc đáo. Câu chuyện kể về thủ lĩnh Shotaro Kaneda của băng đảng “biker” bất chấp mọi hiểm nguy để giải cứu bạn mình khỏi một chương trình bí mật của chính phủ chuyên thực hiện những bài kiểm định với trẻ em có siêu năng lực ngoại cảm. Năm 1988, Otomo phát hành “Akira” dưới dạng một bộ phim hoạt hình anime. Đây được xem là một bộ phim hết sức chi tiết và phức tạp đến nỗi các nhà làm phim phải mất nhiều năm vẽ tay từng cảnh một nhằm mang lại một câu chuyện sống động nhất có thể, bên cạnh đó thì nó vẫn được xem là một tác phẩm kinh điển hết sức đình đám và đi đầu cho làn sóng du nhập truyện tranh manga và phim hoạt hình anime tới nền văn hóa phương Tây. Với sự phong phú trong khai thác các thể loại, từ hành động, tình dục, khoa học giả tưởng cho tới lãng mạn, manga và anime phù hợp với mọi lứa tuổi và thị hiếu của khán giả. Những sản phẩm tạo được dấu ấn thương mại như Pokemon, Dragon Ball Z đã mở ra một hình ảnh đất nước Nhật Bản mới mẻ cho toàn thế giới. “Trong mắt người phương Tây, hình ảnh về xứ sở Phù Tang (từ năm 1980 cho tới năm 1990) mang hai thái cực: một nước Nhật phong kiến tập quyền được khắc họa thông qua các bộ phim Samurai với những ninja và kiếm sĩ; và một nước Nhật với sự vươn lên thần kì, mang tới thế giới bên ngoài những sản phẩm chất lượng như Walkman, Toyota,” Kaichiro Morikawa, một chuyên gia về phim hoạt hình anime tại Đại học Meiji, Tokyo cho biết trong một cuộc phỏng vấn qua điện thoại. “Sự phổ biến của các bộ truyện tranh manga, hoạt hình anime, trò chơi điện tử Nhật Bản đã giúp truyền tải hình ảnh đất nước – con người Nhật Bản nhân văn, và gần gũi hơn bao hết.” Sau 7 năm tăng trưởng liên tục, ngành công nghiệp hoạt hình anime tại Nhật Bản đã lập kỷ lục mới trong doanh thu, vào năm 2017 ngành công nghiệp này đạt 2,15 nghìn tỷ Yên (tương đương 19,8 tỷ USD) mà phần lớn xuất phát từ nhu cầu của khán giả nước ngoài. Việc xuất khẩu các series phim hoạt hình và phim điện ảnh thông qua các thương vụ cho các đại gia trực tuyến như Netflix hay Amazon đã giúp tăng gấp ba lần doanh thu kể từ năm 2014. Và những con số này vẫn chưa có dấu hiệu chậm lại. Một đất nước của văn hóa thị giác và những thước phim hoạt hình anime sơ khai Nhật Bản vốn là quốc gia với nghệ thuật hình ảnh phát triển, cả về sự đa dạng và cầu kỳ, tỉ mẩn trong các tác phẩm. Người nghệ sĩ khắc gỗ nổi tiếng Katsushika Hokusai là một trong những nghệ sĩ tiên phong sử dụng thuật ngữ manga (trong tuyển tập “Hokusai Manga” ra mắt vào năm 1814) khi đề cập tới những bản phác thảo các hiện tượng siêu nhiên hay những thứ đơn giản. Manga như chúng ta biết ngày nay xuất hiện từ đầu thế kỷ 20 trong các trang truyện dài kì trên các tờ báo và tạp chí tại Nhật Bản. Anime xuất hiện vào khoảng đầu những năm 1900 khi các nghệ sĩ người Nhật Bản như Oten Shimokawa thử nghiệm sản xuất những đoạn film hoạt hình ngắn. Tuy nhiên lúc bấy giờ, sản xuất phim hoạt hình rõ ràng rất tốn kém và các tác phẩm làm tại Nhật Bản bị cái bóng quá lớn của Disney lấn át. (Một trong những anime đầu tiên được làm ra vào năm 1917) Trong thế chiến thứ II, anime bắt đầu phát triển khi chính phủ quân đội Nhật Bản yêu cầu các nhà sản xuất phim hoạt hình tạo ra các đoạn phim tuyên truyền để gây ảnh hưởng tới đám đông. Kể từ đó, dù Nhật Bản đã thất bại sau chiến tranh, các ngành công nghiệp manga hay anime vẫn bắt đầu tăng tốc. Đến năm 1952, “cổ thụ” Osamu Tezuka cho ra đời tác

Hôm nay Google đã mừng kỷ niệm 151 năm thành lập Viện bảo tàng Mỹ thuật Metropolitan với một Doodle hoạt hình gồm 18 tác phẩm nghệ thuật từ bộ sưu tập khổng lồ của bảo tàng. Viện bảo tàng Mỹ thuật Metropolitan thường được gọi tắt là The Met – là bảo tàng nghệ thuật lớn nhất ở Mỹ, với hơn 2 triệu hiện vật có niên đại 5.000 năm. The Met có 17 phòng ban riêng biệt, bao gồm các hiện vật nghệ thuật cổ đại có từ khắp nơi trên thế giới, nhạc cụ, trang phục, vũ khí cổ và áo giáp, cùng những vật dụng khác. Trong viện bảo tàng có các bộ sưu tập rất quý hiếm về nghệ thuật Ai Cập cổ đại và phương Đông cổ, nghệ thuật châu Âu gồm các kiệt tác của Titian, Georges de La Tour, Rembrandt, Monet, Van Gogh… và những báu vật khác thuộc Hy Lạp cổ đại, La Mã, nghệ thuật Hồi giáo Trung cổ, đặc biệt là hội họa châu Âu thế kỷ 20. Với Doodle ngày 13.4, Google đã tạo ra một dải các cổ vật từ bộ sưu tập của bảo tàng The Met, bao gồm một tác phẩm điêu khắc một vũ công Trung Quốc từ thế kỷ thứ hai trước Công nguyên; một tác phẩm điêu khắc bằng đất nung thế kỷ 13 có hình người ngồi từ vùng đồng bằng Nội Niger của Mali ngày nay; tranh kỳ lân nghỉ trong vườn (1495–1505) từ Unicorn Tapestries… Trong số các cổ vật của bảo tàng được Google Doodle giới thiệu cũng bao gồm một bức chân dung Comtesse de la Châtre của Elisabeth Louise Vigée Le Brun, từ năm 1789; một cây đàn Italia được trang trí từ khoảng năm 1800; một chiếc váy Lakota/Teton Sioux đính cườm cầu kỳ được làm vào khoảng năm 1870; và chân dung tự họa của Samuel Joseph Brown Jr. vào khoảng năm 1941. Từ doodle này, các bạn có thể truy cập đến trang web của The Met được liên kết sẵn để khám phá thêm rất nhiều thông tin thú vị, bao gồm các cuộc triển lãm online và các kiến thức về mỹ thuật. https://www.metmuseum.org/ Cre: laodong

Với những thể hiện thuyết phục trong hồ sơ ứng tuyển và vấn đáp, Hoàng Ly đã trở thành học viên mới nhất được trao tặng học bổng cho các bạn tân học viên Họa sĩ kể chuyện của CMA. “Đây là món quà lớn mà em được nhận, đã hỗ trợ em rất nhiều trên con đường học tập. Tuy chưa làm được gì to lớn, nhưng em vẫn rất hài lòng với những cố gắng của mình trong quá trình học vừa qua, vẫn cảm được món quà mình nhận, con đường mình chọn là rất trọn vẹn. Những quỹ học bổng luôn mang nhiều giá trị của sự công nhận và khích lệ, nên em cũng mong điều này sẽ được lan tỏa đến nhiều bạn xứng đáng. Tin tưởng rằng nếu các bạn thực lòng muốn học, muốn làm, muốn đi đến đâu hay cần được hỗ trợ – “chắp cánh”; bằng sự chân thành chia sẻ thì mong bạn cũng sẽ được nhận lại sự sẻ chia. Môi trường học ở Viện rất hợp với em, chương trình học đi từ cái nền rất kỹ và chắc. Thầy cô không những xịn về chuyên môn mà còn lợi hại về cách truyền tải kiến thức, rất dễ nắm bắt, rất mới và rất tinh tế khi cài cắm những giá trị khác trong từng bài học. Thỉnh thoảng thấy học trò còn “phèn” quá, sợ tụi em nản kèo thế là thầy cô ra sức truyền cảm hứng bằng 7-7-49 câu chuyện động viên nghị lực các kiểu để mấy đứa có tinh thần để tiếp tục, làm em thấy thương và quý ghê luôn.” Chương trình học bổng cho các bạn tân học viên ngành Truyện Tranh – Digital Painting – Hoạt Hình với giá trị cao nhất lên đến 100% học phí toàn khóa học giúp các bạn vững bước trên hành trình của mình. Chương trình Học Bổng dành Cho Tân Học Viên của khóa Họa Sĩ Kể Chuyện K14 vẫn đang nhận hồ sơ đến hết ngày 20.04.2021 Truy cập website của CMA để biết thêm chi tiết bạn nhé https://cmavn.org/chinh-sach-hoc-bong/ Comic Media Academy

Bạn là người có thể học các kỹ năng sử dụng phần mềm máy tính một cách dễ dàng, và đặc biệt, bạn có khả năng sáng tạo tốt. Từ việc lơ đãng trong giờ học, vẽ vời vào lề vở đến tự mày mò các phần mềm để giải trí, thỏa mãn thú vui, bạn luôn tìm ra cách để vận dụng các kỹ năng độc đáo của mình vào đời sống thường ngày. Nhưng thật không may, bạn không thể tìm thấy một công việc phù hợp với bạn, công việc cho phép bạn khám phá hết khả năng của mình. Bạn mong muốn có một công việc có thể kết hợp khả năng công nghệ và óc sáng tạo, nhưng cho đến giờ vẫn chưa tìm được. Thiết kế hoạt hình là công việc đặc thù sử dụng công nghệ thiết kế và khả năng sáng tạo để tạo mọi thứ, từ hiệu ứng đặc biệt trong phim ảnh cho đến trò chơi điện tử, phim hoạt hình. Hãy để chúng tôi phân tích các thông tin cơ bản về công việc này, và xem liệu rằng nó có phù hợp với bạn hay không nhé! Thiết kế hoạt hình là gì? Thiết kế hoạt hình là nghệ thuật tạo ra các hiệu ứng đặc biệt và thiết kế cho các hình thức truyền thông khác nhau, bao gồm trò chơi điện tử, phim ảnh và thậm chí các bài đăng trên mạng xã hội. Cục Thống kê Lao Động Mỹ (Bureau of Labor Statistic – BLS) chia sẻ rằng hầu hết các Animator (Họa sĩ diễn hoạt hoạt hình) luôn chọn một chuyên ngành để tập trung, chẳng hạn như tạo ra các chương trình truyền hình hoặc trò chơi hoạt hình, tạo hình ảnh CGI, thiết kế  background hay những hiệu ứng đặc biệt. Phần lớn công việc của những Animator được thực hiện bằng phần mềm máy tính chuyên dụng và một số thậm chí còn sử dụng code lập trình để thiết kế. Thiết kế hoạt hình chắc chắn yêu cầu một số kỹ thuật cao, nhưng cũng có rất nhiều vị trí công việc để bạn rèn luyện khả năng sáng tạo và kỹ thuật của mình. Một số Animator sẽ vẽ những thiết kế của họ trước khi chuyển chúng sang định dạng kỹ thuật số, trong khi những người khác sử dụng mô hình (models) để trực quan hóa (visualize) chuyển động của một hoạt ảnh cụ thể. Vậy các Animator sẽ làm gì? Có thể nhiều bạn đoán rằng các Animator thường làm việc tùy vào  công việc được giao, nơi làm việc và chuyên môn của họ. Nhà thiết kế kiêm họa  sĩ đồ họa chuyển động – Crissy Bogusz – có thể chứng minh cho sự đa dạng trong công việc của một Animator bằng những video hoạt hình trên kênh Snapchat của cô: “Tôi thiết kế và tạo hoạt ảnh, cũng như chỉnh sửa video, typography, xử lý  âm thanh và quản lý đội ngũ những thiết kế freelance.” Nhưng đó chỉ là một phần nhiệm vụ của những Animator. Bộ Lao động Hoa Kỳ cũng tiết lộ sự đa dạng của các công việc hiện tại trong lĩnh vực đầy sáng tạo và độc đáo này. Sau đây là một vài công việc bạn có thể gặp khi là một Animator: 1. Tạo các bảng phân cảnh thể hiện flow (sự mượt mà) của hoạt ảnh 2. Sử dụng model để mô phỏng hành động của các nhân vật 3. Tham gia thiết kế các chiến dịch truyền thông 4. Tạo hình ảnh 2D và 3D bằng phần mềm chuyên dụng Sự nghiệp của mỗi  Animator có thể khác nhau tùy vào sở thích từng người, nhưng vẫn có một khía cạnh nhất quán: Đó là tầm quan trọng của teamwork hay còn gọi là tinh thần đồng đội. BLS chia sẻ rằng các Animator thường làm việc trong một nhóm mà mỗi người chịu trách nhiệm khác nhau trước khi tất cả được “ghép” lại thành một sản phẩm hoàn chỉnh. Đây chính là một thách thức đối với các dự án lớn, điều này làm cho giao tiếp giữa các đồng đội trở nên rất quan trọng. Các Animator thường làm việc ở đâu? Khi nghĩ đến các hiệu ứng đặc biệt, thế giới phép thuật hay máy móc, điều đầu tiên chúng ta nghĩ đến là phim ảnh và trò chơi điện tử, nhưng làm việc ở Hollywood chỉ là số ít so với số nhiều môi trường làm việc của lĩnh vực thiết kế hoạt hình. “Hầu hết các công ty có nhu cầu ngày càng tăng cao đối với  hoạt động tiếp thị và quảng cáo trên mạng xã hội của họ. Hoạt hình đã trở thành một nguồn nguyên liệu quan trọng trong bất kỳ doanh nghiệp hiện đại nào”, Bogusz nhận định. Những Animator là một phần cần thiết của hầu hết mọi ngành công nghiệp trong thời đại kĩ thuật số hiện nay. BLS báo cáo rằng các ngành công nghiệp từ lĩnh vực xuất bản phần mềm đến các công ty quảng cáo và PR đang ra sức tuyển dụng các Animator. Ngoài ra còn có một bộ phận lớn các Animator làm việc như một freelancer – khoảng 59%, theo BLS. Những Animator này thường đáp ứng đúng thời hạn deadline trong khi vẫn giữ lịch trình làm việc linh hoạt và thường làm việc từ xa. Mức lương trung bình mà Animator kiếm được? Với các chuyên gia Animator làm việc từ khắp mọi nơi, từ các xưởng thiết kế khổng lồ của Hollywood đến các doanh nghiệp nhỏ tự hoạt động, không có gì ngạc nhiên khi có một loạt các mức lương được báo cáo khác nhau. Theo BLS, mức lương trung bình cho các Animator vào năm 2017 là 70.530 USD. Trong thống kê, khoảng 10% người có thu nhập cao

Hãy thử tượng tưởng sẽ thỏa mãn biết bao khi dùng sự sáng tạo của mình để làm công việc trong mơ và tạo ra những bộ phim hoạt hình, những hiệu ứng đặc biệt hay đồ họa. Và còn gì thích hơn việc vừa được thỏa sức sáng tạo lại vừa được trả tiền. Tất cả những điều trên đây sẽ khiến bạn tự hỏi bản thân cần những kỹ năng gì để có thể trở thành một Animator (Họa sĩ diễn hoạt hoạt hình). Bạn muốn biết liệu bạn sẽ cần những gì để thành công trong công việc cho phép bạn kết hợp giữa niềm đam mê những thủ thuật công nghệ với sự sáng tạo của bản thân? Làm việc trong lĩnh vực hoạt hình có thể trông khá “đáng sợ” từ bên ngoài, nhưng bạn có thể ngạc nhiên khi biết rằng trong công việc đầy sáng tạo này, những kỹ năng của bạn sẽ được đánh giá rất cao. Chúng tôi đã nói chuyện với một chuyên gia hoạt hình và lập ra một danh sách các kỹ năng cần thiết mà các nhà tuyển dụng đang tìm kiếm. Những kỹ năng, kỹ thuật giúp bạn thành công trong lĩnh vực Animation Người làm phim hoạt hình sử dụng công nghệ để mang góc nhìn sáng tạo của mình vào đời sống, phát triển các hiệu ứng đặc biệt, hình ảnh trực quan được sử dụng trong phim, quảng cáo, hoạt hình, mạng xã hội và hơn thế nữa. Không có gì ngạc nhiên khi các nhà tuyển dụng đều đang tìm kiếm những Animator thành thạo kỹ năng, kỹ thuật sử dụng công nghệ để hoàn thành công việc một cách tốt nhất. Vậy những Animator nên tập trung vào những kỹ thuật nào? Để giúp trả lời cho điều đó, chúng tôi đã sử dụng công cụ phân tích real-time các tin tuyển dụng để xác định 10 trong số các kỹ thuật mà các nhà tuyển dụng mong muốn nhất ở những ứng viên:  – Adobe Photoshop  – Adobe InDesign  – Thiết kế đồ họa  – Adobe Illustrator  – Adobe Acrobat  – Adobe After Effects  – Kinh nghiệm sử dụng Wireframe  – Thiết kế tương tác  – Đồ họa chuyển động  – Tạo mẫu Như bạn có thể thấy, có rất nhiều  phần mềm giúp cho hoạt hình trở nên sống động hơn. Biết các phần mềm là điều nên có, nhưng suy cho cùng phần mềm chỉ là  công cụ – hãy nghĩ  theo cách này, ví dụ như bạn biết mọi cách để vận hành một chiếc cưa bàn, thì điều đó không đồng nghĩa với việc bạn có thể  tạo ra những đồ nội thất tuyệt vời. Bạn vẫn cần khả năng lập kế hoạch và thiết kế . Đó là lí do tại sao những thứ cơ bản như kiến thức về nguyên tắc thiết kế, cách tạo sự hấp dẫn cho bối cảnh và những điều mà bạn học được lại quan trọng đến như vậy. Những kỹ năng mềm thiết yếu để thành công trong lĩnh vực Animation Lĩnh vực  này  phụ thuộc vào các phần mềm chuyên dụng để tạo ra những hoạt ảnh tuyệt đẹp, nhưng việc tìm kiếm thành công đối với một Animator thì kỹ thuật thôi là chưa đủ. Những người làm phim hoạt hình giỏi nhất là những người có khả năng kết hợp thủ thuật công nghệ họ có với các kỹ năng mềm quan trọng để đưa những bộ phim hoạt hình của họ lên một tầm cao mới. Chúng tôi đã tìm hiểu vấn đề này thông qua cuộc nói chuyện với Crissy Bogusz – một nhà thiết kế đồ họa chuyển động, cô có hàng triệu người xem hoạt ảnh hàng ngày trên Snapchat Discover của Vogue về những kỹ năng mềm giúp một Animator có thể nổi bật  giữa  đám đông Sự sáng tạo Chắc chắn không có gì lạ khi sự sáng tạo xuất hiện đầu tiên trong danh sách. Có những kỹ thuật sẽ không giúp bạn tiến xa hơn nếu bạn không có góc nhìn sáng tạo: “Bất kỳ bộ phim hoạt hình nào cũng có thể bị chìm giữa biển kỹ thuật đầy máy móc, nhưng sự sáng tạo có thể khiến tác phẩm của bạn khác biệt so với những nhà làm phim hoạt hình khác ” – Crissy Bogusz Ngoài việc học hỏi, lấy cảm hứng từ những tác phẩm của người khác và phát triển thành phong cách hoạt hình của riêng bản thân. Bogusz cho rằng: ”Hãy tập trung vào phong cách của cá nhân bạn và khiến nó trở nên sinh động hơn”. Cô đề nghị những người mới bắt đầu nên đặc biệt chú ý vào việc học bố cục, bảng màu và typography. Truyền tải cảm xúc Giống như bất kỳ loại hình nghệ thuật nào, một phần công việc của Animator là kết nối người xem thông qua những thiết kế và hiệu ứng của họ. Bogusz nói: ”Phản ứng của khán giả đối với tác phẩm của bạn sẽ là điều khiến họ nhớ đến nó”. Mục đích của việc này là để gợi lên một cảm xúc cụ thể, cho dù đó là cảm giác hồi hộp thót tim trong một bộ phim hành động bom tấn hay sự phấn khích mỗi khi xem quảng cáo của một thương hiệu cho ra sản phẩm mới. Mặc dù sự rõ ràng của hình ảnh là mối quan tâm hàng đầu của những Animator, họ vẫn cần phải suy nghĩ thấu đáo khi muốn truyền tải cảm xúc vào những tác phẩm để đạt được mục đích cuối cùng. Bogusz nói thêm: ”Ngay cả âm thanh được thêm vào một thiết kế tĩnh cũng sẽ tạo ra cảm xúc và phản ứng bên trong khán giả”. Kỹ năng tổ chức Những Animator là những người thường hoạt động teamwork, sắp xếp nhiều

Basic Painting thuộc nhóm môn học cơ bản trong chương trình đào tạo Họa sĩ kể chuyện các bạn học viên sẽ được tiếp cận từ những học kỳ đầu. Không chỉ giúp học viên hiểu về sắc độ, hòa sắc, tâm lý màu, môn Basic Painting còn cung cấp cho học viên những kiến thức cơ bản để thể hiện các đặc tính về màu sắc, sáng tối, chất liệu của vật mẫu. Đây cũng là môn các bạn sẽ được thực hành vẽ tĩnh vật xuyên suốt thời gian học với nhiều chủ đề khác nhau. Một số bạn khi tiếp cận môn này khá e ngại do vốn chỉ quen vẽ trắng đen, nhưng hãy yên tâm vì đây là môn học rất thú vị và Giảng viên luôn nhiệt tình hỗ trợ bạn mọi lúc. Lời khuyên khi học môn Basic Painting là nhớ ăn sáng đầy đủ trước khi vào học nhé, vì vẽ nhiều mẫu hấp dẫn lắm, không kiềm chế là ăn mất mẫu trước khi xong bài luôn. Comic Media Academy

Những ngày tháng ba nắng đỏ, phòng chiếu cả nước nóng lên vì sự thành công của phim Bố Già thì CMA cũng có một niềm vui rực rỡ khi anh Hồ Thúc An, học viên Biên kịch tại CMA là một trong những biên kịch của phim. “Lần đầu tiên mình biết đến nghề Biên kịch là khi tham gia talkshow “Từ truyện đến phim” do CMA tổ chức năm 2016. Sau khi thử sức và đạt giải 3 ở cuộc thi Nhà Biên Kịch Tài Năng CGV 2017, mình đã trở lại CMA học hai khóa biên kịch cơ bản và nâng cao vào năm 2018. Đây là khóa học có giáo trình khoa học, rõ ràng, đi từ cơ bản đến nâng cao giúp học viên dễ tiếp thu, có kiến thức căn bản vững vàng, có tư duy phản biện, làm việc nhóm. Đội ngũ giảng viên đa dạng, có kinh nghiệm thực tế và khả năng sư phạm giúp học viên suy nghĩ đa chiều, tránh cực đoan. Khóa học đã tạo được môi trường tương tác giữa giảng viên với học viên, giữa học viên các khóa giúp học viên được sống trong một cộng đồng làm nghề… Sau khi học xong thì các kiến thức, kỹ năng biên kịch học từ CMA mình vẫn vận dụng thường xuyên lúc làm nghề, đây thật sự là một cái gốc vững chắc để mình học hỏi và tiếp thu thêm từ nhiều nguồn khác mà không bị hoang mang.” Trước Bố Già, anh còn được ghi nhận bằng Giải ba cuộc thi “Nhà biên kịch tài năng 2017” do CGV tổ chức và là đồng biên kịch của phim truyền hình Tiệm Ăn Dì Ghẻ, được phát sóng vào khung giờ vàng trên VTV3 năm 2019. Sau mỗi khóa Biên kịch, được thấy các bạn học viên có cơ hội làm nghề, được trưởng thành, được ghi nhận và thành công trong công việc là một niềm hạnh phúc to lớn với CMA. Tuy chỉ có thời lượng khoảng 3 tháng mỗi cấp độ, nhưng khóa học Biên kịch tại CMA tự tin mang đến cho học viên những kiến thức và kỹ năng cần thiết nhất. Hãy yên tâm học tập và nỗ lực hết mình bạn nhé. >> Xem thêm khóa học Biên Kịch tại CMA: Tại đây Comic Media Academy

Là đơn vị tiên phong đào tạo chuyên nghiệp ngành 𝐓𝐫𝐮𝐲𝐞̣̂𝐧 𝐭𝐫𝐚𝐧𝐡-𝐇𝐨𝐚̣𝐭 𝐡𝐢̀𝐧𝐡-𝐃𝐢𝐠𝐢𝐭𝐚𝐥 𝐩𝐚𝐢𝐧𝐭𝐢𝐧𝐠 tại Việt Nam, CMA tự hào là đơn vị cung cấp nguồn nhân lực chất lượng cao cho các đối tác trong và ngoài nước, bao gồm cả những thị trường có nền công nghiệp truyện tranh-hoạt hình phát triển mạnh như Hàn Quốc, Nhật Bản. Rất nhiều học viên của CMA đã trở thành nhân viên của các đơn vị này từ những lần đối tác đến thăm trường và xem tác phẩm. Với chương trình đào tạo toàn diện từ cơ bản đến nâng cao, định hướng ứng dụng và đề cao phương pháp làm việc, học viên 𝐇𝐨̣𝐚 𝐬𝐢̃ 𝐤𝐞̂̉ 𝐜𝐡𝐮𝐲𝐞̣̂𝐧 tại CMA được trang bị đầy đủ kỹ năng để đáp ứng yêu cầu tại các công ty chuyên ngành hoặc với tư cách họa sĩ cá nhân. Bên cạnh đó, CMA còn có riêng chuyên trang việc làm để kết nối các đơn vị tuyển dụng với học viên, xem chi tiết: Tại đây Chỉ cần bạn học thật tốt, việc làm cứ để CMA lo! Comic Media Academy

Những chiếc bảng đen vẫn thường là nơi để kiến thức được viết lên, nhưng ngoài tác dụng trên thì tấm bảng này khi rơi vào tay những con người yêu vẽ thì nó không khác gì khung tranh đang chờ được phủ lên. Ở Nhật, các học sinh vẫn thường hay dùng tấm bảng đen của lớp để biến nó thành các tác phẩm của mình chỉ với những gam màu cơ bản của các viên phấn, những tác phẩm này có tên không chính thức là “Nghệ thuật vẽ phấn học đường Nhật Bản “. Cre : TAIHEN

‘High-Rise Invasion’ là một series anime chuyển thể từ bộ manga ‘Tenkuu Shinpan’, mang đậm chất kinh dị – tâm lý và sinh tồn. Series xoay quanh một cô nữ sinh trung học Yuri Honjo (lồng tiếng bởi Suzie Yeung), đột nhiên thấy mình bị mắc kẹt giữa một thế giới đầy rẫy những tòa nhà chọc trời, được liên kết với nhau bằng những cây cầu gỗ. Không có cách nào để tiếp cận mặt đất cũng như những tên ‘Mặt nạ’ nguy hiểm lang thang khắp nơi. Những tên ‘Mặt nạ’ hay còn được gọi là Maskers, chúng không quan tâm đến việc giết người nhưng phải đảm bảo nạn nhân của chúng đủ tuyệt vọng để tự sát. Đây là một trò chơi kì lạ mà những người như Yuri và anh trai cô – Rika bị buộc phải tham gia, nhưng còn ẩn số phía sau những Maskers, và liệu phải làm như thế nào họ mới có thể trốn thoát được thế giới điên rồ này? Vậy ‘High-Rise Invasion’ có đáng xem hay không? Cảnh mở đầu: Mở màn cho series là một cảnh tượng thật kinh dị và đáng nhớ. Khung cảnh hiện lên với hình ảnh một bóng đen đeo mặt nạ, trông như chiếc mặt nạ đang cười khi chủ nhân của nó đâm thanh kiếm xuyên qua đầu một người đàn ông. Hắn ta nhìn chằm chằm vào camera với đôi mắt trống rỗng trước khi xoay người và đi xuống dãy hành lang, như thể mạng người mà hắn vừa tước đoạt là một chiến tích vậy. Câu chuyện của Yuri: Chỉ mới một khoảnh khắc trước, Yuri vẫn còn đang sinh hoạt một cuộc sống thường ngày ở thế giới thực. Chớp mắt, cô nhận thấy mình đã được đưa đến một nơi hoàn toàn kỳ lạ với những tòa nhà cao tầng, chúng được nối với nhau một cách khéo léo bằng những cây cầu gỗ ọp ẹp. Trong bộ đồng phục học sinh, cô thấy rằng mình đang ở một nơi khác với thường ngày, thế giới của những tòa nhà cao ngất trời và không có cách nào để xuống được mặt đất. May mắn thay, điện thoại của cô vẫn hoạt động được. Sau khi cố gắng liên lạc nhiều lần cho bố mẹ, cô không biết phải làm gì khi bọn họ không bắt máy. Lúc anh trai của cô – Rika gọi đến, cô cảm thấy dễ chịu hơn khi biết mình không hề cô đơn ở thế giới này… Maskers đi khắp nơi trong các tòa nhà, mỗi tên đều được trang bị những thiết bị, vũ khí nguy hiểm chết người. Bọn chúng đều có một điểm chung: chiếc mặt nạ màu trắng với một nụ cười nham hiểm được khắc trên đó. Rika giải thích cho Yuri rằng họ không phải là những kẻ giết người, mặc dù vẻ bề ngoài của họ đã nói lên điều đó. Thay vì mục đích giết chóc, họ ép nạn nhân tự sát bằng cách nhảy xuống từ trên cao hoặc bằng những cách mà họ cho là ‘chấp nhận được’. Không một lí do được hé lộ vì sao họ làm vậy, nhưng những Maskers đi săn những con mồi của họ một cách man rợ như Jason trong Thứ Sáu ngày 13. Một người xuất hiện ngay sau khi Rika bảo Yuri hãy thử nhìn xung quanh, tìm kiếm tòa nhà cao nhất để anh có thể xác định vị trí của cô ấy. Ngay khi tên Masker ấy tấn công, Yuri làm rơi điện thoại trong khoảnh khắc cố né nhát chém của hắn. Tên Masker đâm xuyên chiếc điện thoại bằng thanh kiếm, Yuri chỉ còn kế chạy là thượng sách. Sự lựa chọn của cô dường như chỉ có thể là chạy và chạy, cho đến khi một viên đạn xuyên thủng chiếc mặt nạ, đúng như nghĩa đen, và một viên tiếp theo bắn thẳng vào người tên đồ tể ấy. Yuri vui mừng khi thấy vẫn còn những người ‘bình thường’ chạy đến, đặc biệt hơn họ là những sĩ quan cảnh sát. Nhưng sau tất cả thì mọi thứ chẳng hề dễ dàng với Yuri. Tên cảnh sát cấp dưới giết hại viên sĩ quan cấp trên bằng cách đẩy anh ta xuống từ mép tòa nhà và đe dọa Yuri bằng thanh kiếm của gã Masker mà họ vừa giết. Nhưng chỉ trong khoảnh khắc ngắn ngủi ấy, một Masker cầm súng bắn tỉa cách đó vài tòa nhà đã bắn một phát chí mạng vào tên cảnh sát biến chất đang tấn công Yuri. Yuri trốn thoát, tin rằng người đeo mặt nạ đó đã cứu mình, ngay trước khi mà anh ta bắn một viên đạn trượt vào cô. Tên Masker cầm súng bắn tỉa đó đi mất trong khi Yuri đang cố đánh lạc hướng để chạy trốn. Nhưng rồi cũng chỉ để gặp một Masker khác trong bộ đồng phục hầu gái, cô ta đã nhảy thẳng đến chỗ Yuri và tấn công bằng vũ khí của mình. Trận chiến ngã mũ với chiến thắng nghiên về Yuri khi cô kịp thời bắn những phát đạn từ khẩu súng mà cô lấy từ viên cảnh sát trước đó. Nhưng có một ẩn số gì đó đằng sau chiếc mặt nạ này. Khi chiếc mặt nạ rơi ra, nó để lộ khuôn mặt con một con người, một con người bình thường như Yuri. Cô bắt đầu nhận ra những Maskers này thực chất không phải là những con quái vật, họ chỉ là con người như cô … và chính những chiếc mặt nạ đã điều khiển họ làm điều sai trái. Bí mật đằng sau chiếc mặt nạ là gì và tại sao những người đeo nó lên dường như đều mất đi nhận thức của chính họ? ‘High-Rise Invasion’ sẽ gợi lại cho bạn một vài sự quen

Theo nhà phát hành tại Việt Nam, bộ phim hoạt hình mới nhất của Disney ‘Raya và rồng thần cuối cùng’ có sự tham gia của 4 người gốc Việt bao gồm 3 diễn viên Kelly Marie Tran, Thalia Tran, Patti Harrison và biên kịch Qui Nguyen. Đây là bộ phim hoạt hình đầu tiên của Disney khai thác văn hóa Đông Nam Á, với nhân vật chính là nữ chiến binh Raya dũng cảm sống tại vùng đất giả tưởng Kumandra. Cô được cha giao nhiệm vụ tìm kiếm thần rồng cuối cùng, dùng quyền năng của rồng ngăn chặn thế lực độc ác đang lăm le xâm chiếm vương quốc. Bộ phim đã nhận được 97% cà chua tươi trên Rotten Tomatoes với những bình luận rất tích cực. Cre: tuoitre, phephim

“Soul” – tác phẩm hoạt hình mới nhất của hãng phim Pixar vừa giành chiến thắng ở hạng mục Phim Hoạt Hình Hay Nhất tại lễ trao giải Quả Cầu Vàng lần thứ 78. Những bộ phim hoạt hình khác cũng được đề cử ở hạng mục này bao gồm: The Croods: A New Age (DreamWorks Animation), Onward (Pixar), Over the Moon (Netflix), Wolfwalkers (Apple TV Plus/GKIDS). Đây là kết quả xứng đáng dành cho Soul. Với câu chuyện đầy ý nghĩa của mình, Soul đã thành công cả về nghệ thuật và thương mại khi nhận được đánh giá rất cao từ các nhà phê bình, đồng thời dẫn đầu doanh thu phòng vé nhiều tuần liên tiếp. Giải Quả cầu Vàng (Golden Globe Awards) là giải thưởng hàng năm của Hiệp hội báo chí nước ngoài ở Hollywood trao cho các cống hiến xuất sắc trong ngành giải trí trên thế giới. Kết quả của giải thưởng này là tiền đề cho những giải thưởng tiếp theo ngay sau đó, đặc biệt là Oscar. (Cre ảnh: Movie Hub)

Có thu nhập từ tác phẩm truyện tranh của mình là mong đợi của tất cả các bạn vẽ truyện tranh và đặc biệt là với những bạn muốn gắn bó nghiêm túc với công viêc này. Vậy độ tuổi nào để bạn có thể bắt đầu kiếm tiền từ vẽ truyện tranh và nên bắt đầu thực hiện từ đâu? Được sự đồng ý của tác giả, CMA xin giới thiệu đến các bạn bài chia sẻ rất chi tiết của bạn Chi Còi về vấn đề này. Theo góc nhìn chủ quan của mình, độ tuổi thuận lợi để bắt đầu có tư duy kiếm tiền từ truyện tranh là sau 22 tuổi, khi mà nhìn chung các tác giả đã: – Trải qua ít nhất 3 cấp học phổ thông, hoặc qua 1-2 cấp học trung cấp, cao đẳng, đại học gì đó… có đủ kiến thức cơ bản về đời sống, xã hội nói chung, biết cách cư xử nơi công cộng, hoặc cư xử với những người xung quanh ở mức độ cơ bản nhất. Bởi vì khi vào nghề chính thức, bạn sẽ làm việc trực tiếp cũng như gián tiếp với nhiều bên để khai thác thương mại cho tác phẩm chứ không chỉ có mỗi việc ngồi sáng tác. Ví dụ: đăng lên mạng thì phải biết nói chuyện với độc giả như nào, khi xuất bản thì phải biết làm việc với biên tập viên ra sao, vv… – Tác giả đã có thể tự lập trong hành vi, quyết định của bản thân mà không còn phụ thuộc vào gia đình. Kiểu như “hôm nay ăn gì”, “hôm nay làm gì” thì là không còn phải đợi bố mẹ nhắc nhở, giục giã nữa. Thậm chí nhiều bạn còn đi làm thêm để có kinh nghiệm va vấp trong đời, gửi tiền về cho bố mẹ (nếu gia đình khó khăn). Còn nếu chưa tự chủ được trong hành vi hay quyết định của mình, khi sự việc không như ý muốn, có thể tác giả sẽ mang tâm lý trách móc cuộc đời tại sao lại bất công, phũ phàng, nghề sáng tác sao mà bạc bẽo, vv… Ví dụ: hồi mình 20 tuổi, mình thi thố 1 cuộc thi sáng tác truyện tranh và dành cả mùa hè để vẽ truyện, nhưng do kỹ năng chưa tốt và truyện không được giải, mình quay ra trách móc ban giám khảo không biết cách chấm điểm, không biết trân trọng “tài năng trẻ”, làm mình tuột mất giải. Việc này khiến mình hậm hực suốt mấy tháng không nguôi vì thời ấy tính mình khá hiếu thắng và cứng đầu, mãi sau này mới dần dần bớt được (tất nhiên không phải bạn nào 20 tuổi cũng “trẩu” như mình). – Tác giả có thể đã có kỹ năng kiểm soát cảm xúc trước những tình huống xảy ra sau này để giữ vững tinh thần làm việc. Ví dụ: khi bản thảo bị từ chối xuất bản thì mình nên làm gì? Khi đăng truyện lên mạng mà không có ai thèm đếm xỉa thì sao? Khi muốn vẽ được nhiều truyện mà kỹ năng hạn chế, càng vẽ càng thấy cực nhọc, mình có chán nản và bỏ nghề luôn không? – Tác giả đã chủ động tích lũy kỹ năng sáng tác khi còn ngồi trên ghế nhà trường để làm bước đệm cho sự nghiệp trong tương lai. Còn nếu tay không tấc sắt mà cứ lao ra chiến trường thì nên xác định thiệt hại cả về thể xác lẫn tinh thần là không hề nhỏ. —– Còn nếu bạn dưới 22 tuổi thì sao? Chẳng lẽ ngồi không chờ thời? Thay vào đó, nếu bạn còn đang đi học, hãy tận dụng những khoảng thời gian rảnh rỗi (ngoài việc học, việc chạy nhảy, các sinh hoạt khác) để: + Chăm chỉ vẽ truyện nâng cao kỹ năng mà chưa cần quá đặt nặng vấn đề rằng liệu mình có kiếm được tiền không. Ví dụ: 3 năm cấp 3 mà vẽ được 200 trang truyện là quá ngon, 4-5 năm đại học vẽ được 300 trang truyện thì lại càng tốt. Bởi vì những trang truyện này sẽ đóng vai trò là “portfolio” làm nền tảng giúp bạn bước chân vào nghề chính thức sau này nếu bạn có ý định. Thử tưởng tượng giữa một rừng tác giả mới, ai mà sở hữu một số lượng lớn truyện (với chất lượng đủ tốt) để show cho thiên hạ xem thì có khi sẽ dễ lọt vào mắt xanh của những nơi muốn hợp tác với tác giả truyện tranh hơn. Còn bạn nào chỉ cần vẽ 20 trang truyện trong lần đầu tiên đã viral toàn cõi Facebook thì lại quá tốt (mà số này thường không nhiều lắm đâu). + Chịu khó theo dõi những người đi trước qua các tài khoản mạng xã hội để xem người ta làm gì mỗi ngày, tư tưởng làm việc ra sao, mình có học hỏi gì từ họ được không? + Chủ động tìm kiếm thông tin, tài liệu học tập trên Google, Youtube mỗi ngày. + Nếu bạn có điều kiện thì đăng ký đi học các lớp vẽ truyện tranh để được hướng dẫn tận tình. Việc chuẩn bị trước như vậy là để khi bạn đủ tuổi “xổ lồng” thì dễ dàng xung trận, bắt kịp cơ hội hơn là ngồi không, chẳng chịu “rèn binh luyện tướng” gì cả, trong khi các bạn khác chăm chỉ tích lũy kiến thức, kỹ năng hơn thì cho dù các bạn có bằng tuổi nhau đi chăng nữa, việc họ vẫn phát triển hơn bạn là điều hiển nhiên. —– Nếu bạn muốn tìm hiểu thêm về cách kiếm tiền từ truyện tranh thì mình xin gợi ý một số cách: 1/ Đi làm phụ tá cho các tác giả lâu

Một trong hai nghệ sĩ thiết kế nhân vật và artwork cho video game tiêu biểu nhất tại Nhật Bản, nếu Yoshitaka Amano gắn liền với series Final Fantasy, thì Kojima Ayami được biết đến nhiều nhất cùng với series Castlevania. Là một trong số ít họa sĩ tự đào tạo, nhưng Kojima Ayami lại định hình cho mình một phong cách và bút pháp hội họa vô cùng có một không hai. Castlevania là dòng game hành động phiêu lưu mang đậm chất Trung cổ, với bối cảnh là lâu đài của bá tước Dracula và xoay quanh cuộc chiến của dòng họ Belmont với vị vua ma cà rồng xuyên suốt mười thế kỷ từ thế kỷ XI đến XXI. Do đó, không khó để thấy rõ yếu tố ảnh hưởng từ nghệ thuật Gothic và tân Cổ điển (Neoclassicism) tới Kojima Ayami, từ cách tạo hình nhân vật hào hoa, phục trang tinh tế, hậu cảnh u ám cho tới chủ đề nghệ thuật giàu phúng dụ. Một ảnh hưởng khác tới cô là niềm yêu thích phim kinh dị, giải phẫu học và… truyện tranh shounen. Về phương diện kỹ thuật, phong cách hội họa độc đáo của Kojima Ayami bắt nguồn từ việc ưa thích sử dụng màu acrylic gouache, vốn là một chất liệu phổ biến được nhiều họa sĩ Nhật Bản sử dụng nói chung, bởi nó hội tụ ưu điểm của hai loại màu acrylic lẫn gouache, ở màu mịn và độ che phủ tốt, đồng thời có thể vẽ trên mọi bề mặt với tốc độ khô nhanh. Ban đầu khi còn đi học và mới đam mê hội họa, Ayami xuất phát từ màu nước và màu chì bất chấp chưa hề có bất kỳ kiến thức gì về màu sắc, nhưng sau một quá trình thử và sai lâu dài, cô đã tìm đến acrylic gouache. Ngoài ra, cô còn vận dụng kết hợp nhiều chất liệu khác như keo tạo hình (molding paste), sáp màu conté crayon, mực Tàu, dung môi gloss polymer. Quá trình thực hiện một tác phẩm của mình, Ayami cho biết, cô thường bắt đầu phác họa bằng sáp conté hoặc pastel, sau đó đổ bóng thêm bằng conté và mực Tàu. Phối cảnh chiều sâu và những chi tiết của hậu cảnh thường được bổ sung bằng cách loang keo tạo hình bằng dao trộn màu, đem đến hiệu ứng ba chiều. Kế đến là màu cơ bản được tạo ra bởi acrylic được pha loãng. Sau khi màu sắc chủ đạo đã hiện lên, họa sĩ dùng ngón tay để day màu nhằm tạo hiệu ứng ánh sáng. Cuối cùng, tác phẩm được hoàn thiện bằng sơn màu kim loại và phủ bằng gloss polymer. Chủ đề chính của Santa Lilio Sangre (2010), một cuốn art book dày 200 trang của Kojima Ayami, dường như bắt nguồn từ nhị nguyên luận (dualism) và thuyết hai bản thể (hay hai thực chất/substance), của tôn giáo. Cụ thể hơn, đó là phạm trù song trùng nhị nguyên: giữa hai bản thể linh hồn ma và thần trong triết lý âm dương Trung Hoa cổ đại, giữa nephesh và ruach trong Do Thái giáo, giữa Angra Mainyu (quỷ dữ) và Spenta Mainyu (Thánh linh) trong tín ngưỡng Ba Tư, giữa pneuma và psyche ở triết học Hy Lạp, giữa hình tượng thiên thần-Chúa và quỷ dữ-Satan trong quy điển Kitô giáo phương Tây. Và phạm trù tương phản mà Ayami lựa chọn, là giữa ánh sáng và bóng tối, được biểu kiến thông qua màu sắc, đổ bóng và ảnh tượng thiên thần lẫn quỷ dữ được đẩy lên cực độ. Những họa phẩm của Ayami là sự đan quyện của nhiều thuộc tính phối ngẫu độc đáo: giữa đường nét diễm lệ của hội họa cổ điển, đặc biệt là Gothic, và biểu đạt hình tượng mang thần thái đặc trưng shounen của Nhật Bản; giữa quy điển mang màu sắc tôn giáo Tây phương và âm hưởng liêu trai cổ phong Á Đông. Nói khác, phong cách của Kojima Ayami chính là sự hòa hợp của những biến điệu bất hòa (harmony of dissonance). (Cre: Phạm Minh Quân, group Mê Tranh)

Một trong những lỗi thường gặp của biên kịch mới vào nghề đó là không xác định được nhân vật chính của câu chuyện, hoặc có quá nhiều nhân vật trong câu chuyện. Điều này không chỉ khiến khán giả gặp khó khăn trong việc ghi nhớ câu chuyện, mà còn khiến ngay cả biên kịch bối rối và bộ phim trở nên lan man. Vì vậy, xác lập tuyến nhân vật trước khi bắt tay vào viết kịch bản phim là công đoạn hết sức quan trọng. Và cho dù phim của bạn là đơn tuyến hay đa tuyến, có một hay nhiều hơn một nhân vật chính thì cũng luôn có 4 tuyến nhân vật quan trọng sau: 1.TUYẾN NHÂN VẬT CHÍNH (NGƯỜI HÙNG – HERO) Tuyến nhân vật người hùng không nhất định phải là vị anh hùng cứu thế trong câu chuyện, nhưng đó là nhân vật thúc đẩy câu chuyện tiến về phía trước. Nói cách khác, đây là tuyến nhân vật chính, và sau đó mọi xung đột, mâu thuẫn, thất bại, chiến thắng,… phải được xây dựng dựa trên mục tiêu, ước muốn của tuyến nhân vật này. 2.TUYẾN NHÂN VẬT ĐỐI THỦ (PHẢN DIỆN – NEMESIS) Đây là nhân vật sẽ cản bước người hùng trên con đường đạt được mục tiêu. Nhân vật đối thủ thường là người xấu, nhưng đôi lúc chỉ là những người có tư tưởng đối lập, một đối thủ cạnh tranh, hoặc thậm chí là một người tốt, nhưng bằng một cách nào đó luôn ngăn trở nhân vật chính. Tuyến nhân vật đối thủ có vai trò rất lớn trong việc quyết định sự hấp dẫn, kịch tính của bộ phim. Thông thường, tuyến đối thủ thường có sức mạnh lớn hơn hoặc bằng tuyến anh hùng, điều này tạo sự thúc đẩy cho anh hùng phát triển, đồng thời tạo nên sự thu hút cho câu chuyện phim. Một lưu ý khác đó là nhân vật đối thủ phải là hữu hình và là một nhân vật cụ thể, cho dù đối với khán giả, họ chỉ biết đó là “tên cướp”, “kẻ giết người”,… nhưng biên kịch cần phải hình dung thật rõ ràng hình ảnh của nhân vật đối thủ, từ đó xác lập hành động, xung đột phù hợp với nhân vật đã xây dựng. 3.TUYẾN NHÂN VẬT ĐỒNG ĐỘI (NHÂN VẬT PHẢN CHIẾU – REFLECTION) Đồng đội là những nhân vật hỗ trợ cho nhân vật chính đạt được mục tiêu của mình, người đó có thể giúp nhân vật chính bằng những hành động cụ thể như: cùng chiến đấu, cùng giải mã bí ẩn, cùng kề vai sát cánh,… để đạt được mục tiêu; song, đó cũng có thể là một người bạn để trò chuyện, giúp nhân vật chính nhìn nhận những tổn thương trong quá khứ, đối mặt những mâu thuẫn bên trong, từ đó sẵn sàng thay đổi. Tuyến đồng đội thường khá dễ xây dựng, nhưng cũng dễ để trở nên nhàm chán. Hãy đặt thêm câu hỏi như: Họ có quá khứ như thế nào? Mối quan hệ khắng khít với nhân vật chính là gì? Ngoài là đồng đội, họ có phải là người thân? Người yêu? Bạn bè? Hay thậm chí từng là kẻ thù của nhau? 4.TUYẾN NHÂN VẬT TÌNH CẢM (NGƯỜI YÊU – ROMANCE) Cần lưu ý rằng, một nhân vật được xếp vào tuyến nhân vật tình cảm khi mục tiêu của nhân vật chính là có được tình yêu của ai đó chứ không phải bất kì nhân vật nào phát sinh mối quan hệ lãng mạn với nhân vật chính đều được gắn mác lãng mạn. Pepper Potts và Tony Stark trong Iron Man có mối quan hệ tình cảm, trong Pepper Potts là nhân vật đồng đội, vì bộ phim không hề nói đến việc Tony Stark đang cố gắng có được tình yêu của cô ấy. Tuyến nhân vật tình cảm khá thú vị, vì luôn vừa hỗ trợ, lại vừa gây khó khăn cho nhân vật chính. Thông thường, họ sẽ có những mâu thuẫn với nhân vật chính đến mức không thể dung hoà, những rồi sẽ cùng trải qua hành trình phát triển, thay đổi với nhân vật chính, cuối cùng quay lại cùng nhân vật chính chia sẻ một mục tiêu. Trong số ít trường hợp, tuyến nhân vật tình cảm đến cuối cùng sẽ rời xa nhân vật chính, nhưng khán giả cần được thuyết phục và đồng cảm bởi sự ra đi này. Lạc An

Biên kịch không phải là một cỗ máy sáng tạo ý tưởng vô tận, không ai sinh ra đã có khả năng tạo ra các ý tưởng không ngừng nghĩ. Một biên kịch luôn cần làm mới mình mỗi ngày, sử dụng những kĩ thuật tạo cảm hứng để giúp mình trở thành một người sáng tạo tuyệt vời. 1/ MƠ MỘNG Để trở nên mơ mộng, bạn phải tập thả lỏng, để cho tâm trí của mình trôi đi. Hãy cố đặt ra những câu hỏi như: Nếu có sức mạnh của siêu nhân, bạn sẽ làm gì? Nếu có thể quay ngược thời gian, bạn sẽ ở đâu? Nếu có thể đóng băng thời gian, bạn sẽ gây ra những hậu quả gì? Nếu bạn là nhân vật chính trong bộ phim yêu thích của mình, bạn nhất định phải làm điều gì? Hãy đặt ra những câu hỏi vô lý nhất, điên khùng nhất, và sau đó tập mơ mộng về câu trả lời của mình. Hãy thoải mái mơ mộng rồi từ từ tìm cách hợp lý hoá chúng. Tập tưởng tượng mỗi ngày sẽ giúp bạn trở trên linh hoạt hơn trong việc triển khai các ý tưởng. 2/ SÁCH Biên kịch thường tìm đến tiểu thuyết hoặc truyện, nhưng tại sao không phải là sách khoa học vũ trụ hay lịch sử? Hãy nghĩ về lịch sử, về không gian, về những điều huyền bí,… Thử chạm vào tất cả những quyển sách về các đề tài mà bạn chưa bao giờ đụng tới. Chúng không chỉ giúp bạn có nhiều kiến thức hơn, mà còn giúp bạn mở rộng phạm vi đề tài cho các kịch bản phim của mình. Một câu chuyện tình của những phi hành gia? Một bức thư đến từ tương lai thông qua hố đen vũ trụ? Những câu chuyện ở lớp học của những chính trị gia?… Sách sẽ giúp bạn nảy ra những ý tưởng mà trước đây bạn chưa từng nghĩ tới. 3/ HỢP TÁC Hai cái đầu thường sẽ tốt hơn một. Hãy tìm một nhà văn, hoạ sĩ, hay một nhà làm phim có trí sáng tạo cao và kết hợp các ý tưởng. Nếu đồng đội của bạn là một biên kịch, hãy viết một kịch bản cùng nhau. Nếu đồng đội của bạn là một hoạ sĩ, hãy nhờ họ vẽ phác hoạ các cảnh. Nếu đồng đội của bạn là một nhà làm phim hãy quay lại một số cảnh từ kịch bản của bạn. Sự hợp tác đôi lúc có thể dẫn đến những tranh cãi, song nó cũng giúp bạn điều tiết lại cái tôi, học cách lắng nghe và trở nên sáng tạo hơn bằng cách học hỏi những điểm hay từ đồng đội của mình. Comic Media Academy

Từ “Heta” có thể hiểu là thiếu kỹ năng, vẽ xấu, nhưng bù lại thì tác giả lại có ý tưởng hay và tính hài hước cao. Và khi đó, truyền thông đánh giá cao tính hài hước nên đã bỏ qua những kỹ thuật vẽ xấu này. Vì sự phát triển của trào lưu này mà về sau, người ta còn không rõ liệu kỹ thuật vẽ của người đó có “dởm” thật không. Không ai rõ thuật ngữ này cũng như phong cách này bắt nguồn từ đâu, họ chỉ biết khi nó nổi lên là một trào lưu xã hội. Theo họa sĩ minh họa Yamafuji Shoji, ông nói rằng bản thân đã nghe thấy từ “Heta-uma” được sử dụng vào những thập niên 70 trong các cuộc triển lãm tranh. Ông nhớ lại rằng mình đã bị cuốn hút bởi những bức tranh “xấu xí” như vậy ở buổi triễn lãm hồi đó và cho rằng từ khóa này sẽ rất được quan tâm trong tương lai. Đến thập niên 80, khi các họa sĩ minh họa đang ăn nên làm ra, Teruhiko Yumura đã trở thành cái tên số 1 trong thể loại này. Các tác phẩm của ông thường xuyên được đăng trên tạp chí và dùng làm bìa các album ca nhạc. Theo sau là các họa sĩ Yosuke Kawamura và Emiko Shimoda. Chưa kể, các nhà làm anime bấy giờ cũng không bỏ qua trào lưu như Kazuhiro Watanabe, Yoshikazu Ebisu, Takashi Nemoto, Jun Miura, Shiriagari Kotobuki,… Từ các cuộc triển lãm nhỏ, Heta-uma bắt đầu được các họa sĩ đưa vào các phòng tranh lớn, đặt ngang hàng với các họa sĩ chuyên nghiệp. Tới mức cộng đồng nghệ thuật phải thừa nhận đây là một trường phái riêng, không phải là một hiện tượng nhất thời nữa. Đến năm 2019, Heta-uma được công nhận chính thức và các cuộc triển lãm lớn mở ra để tôn vinh các nghệ sĩ năm xưa. Bên cạnh đó, các họa sĩ cũng trích dẫn Henri Rousseau là họa sĩ khai sinh Heta-uma ở phương Tây. Phong cách của Rousseau vốn không được đào tạo bài bản nhưng lại có một sức hấp dẫn độc đáo tạo ra một phản ứng hóa học giữa lối vẽ xấu và góc nhìn nghệ thuật xuất sắc của ông. Với lối vẽ không được chỉn chu kết hợp cùng sự hài hước, Heta-uma được áp dụng vào việc vẽ châm biếm trên các tạp chí và các chiến dịch quảng cáo vô cùng hiệu quả tại Nhật.  * Nguồn: Hà Thu Hương – Group Mê Tranh, dẫn nguồn từ A mess needs to be cleaned.  * Ảnh: Internet và Pinterest

Cuộc đấu giá online những bức tranh minh họa trong “Truyện ngắn Nguyễn Huy Thiệp” được tổ chức từ 9h30 ngày 30/1 tới 20h ngày 31/1 đã nhận được sự quan tâm của giới yêu nghệ thuật. 13 bức minh họa cho sách Truyện ngắn Nguyễn Huy Thiệp được đấu giá trên sàn trực tuyến Artopia. Đây là những minh họa được in trong ấn bản S80 (chỉ làm 80 bản giới hạn) Truyện ngắn Nguyễn Huy Thiệp bản kỷ niệm 70 năm ngày sinh tác giả. Hoạt động này do công ty sách Đông A và Artopia thực hiện. Tác phẩm đấu giá là minh họa cho những truyện ngắn đặc sắc trong đời văn Nguyễn Huy Thiệp như: Không có vua, Chảy đi sông ơi, Những người thợ xẻ, Tướng về hưu, Thương nhớ đồng quê, Huyền thoại phố phường, Kiếm sắc, Thiên văn, Những người muôn năm cũ, Những tiếng lòng líu la líu lo, Hạc vừa bay vừa kêu thảng thốt, Đưa sáo sang sông, Quan âm chỉ lộ. Tác giả minh họa đều là những họa sĩ tên tuổi của mỹ thuật đương thời như Thành Chương, Đào Hải Phong, Nguyễn Thanh Bình, Lê Thiết Cương, Trần Trọng Vũ, Hoàng Phượng Vỹ, Trịnh Lữ, Đỗ Hoàng Tường, Đặng Tiến, Lê Thanh Thư, Quách Đông Phương, Đặng Xuân Hòa, Võ Tá Hùng. Nhiều người yêu hội họa, người chơi sách, nhà sưu tầm đã tham gia phiên đấu gia online. Kết quả, toàn phiên đấu thu được 363,8 triệu đồng. Trong đó, bức đắt nhất là tác phẩm của họa sĩ Nguyễn Thanh Bình minh họa truyện ngắn Chảy đi sông ơi. Tranh được nhà sưu tầm Nguyễn Ngọc Hoài Nam mua với giá 99 triệu đồng.  Một số tác phẩm trong cuộc đấu giá: Nguồn: zing.vn, Đông A Gallery

Trong kỉ nguyên của mạng xã hội, các chiến dịch Marketing và quảng cáo đều đề cao “Content is King”, nhưng liệu chỉ về phần “chữ” mà phần vẽ minh hoạ không bắt mắt thì đã đủ gây chú ý và tạo hiệu ứng lan truyền đến cộng đồng? Hình ảnh giúp truyền tải thông tin tốt hơn chữ Xã hội hiện đại đòi hỏi phải truyền đạt thông tin không chỉ chính xác, mà còn phải nhanh và hiệu quả. Một bảng quảng cáo bằng hình ảnh sẽ thu hút hơn một bảng thông tin đầy chữ. Một content đỉnh được truyền tải thông qua hình thức minh hoạ sẽ ấn tượng hơn nhiều lần. Một câu chuyện tranh với những nhân vật vui nhộn luôn giành được nhiều sự quan tâm hơn một bảng tin, cho dù cả hai có cùng một nội dung. Khoa học đã chứng minh rằng, trong cùng một khoảng thời gian, não người có khả năng ghi nhớ thông tin về mặt hình ảnh tốt hơn chữ. Vì vậy, vẽ minh hoạ tỏ ra hiệu quả hơn trong việc truyền tải nội dung hơn là “chữ” đơn thuần. Vẽ minh hoạ càng lúc càng xuất hiện trong nhiều lĩnh vực của đời sống Nếu như trước đây, hoạ sĩ vẽ minh hoạ chỉ tìm được cơ hội nghề nghiệp trong lĩnh vực minh hoạ sách, hoặc các ấn phẩm in ấn,… thì giờ đây, với các hình thức xuất bản online cùng sự phát triển mạnh mẽ của ngành digital marketing, quảng cáo, điện ảnh,… Hoạ sĩ vẽ minh hoạ có thể dễ dàng làm việc trong các lĩnh vực như: Game, truyện tranh online, minh hoạ sản phẩm, quảng cáo,… Đặc biệt, trong lĩnh vực quảng cáo, vẽ minh hoạ trở thành một hình thức truyền tải thông tin vô cùng hiệu quả. Minh chứng cho điều này là những trang fanpage với lượng follow cao như Thỏ Bảy Màu, Chấm Comics, Én,… tỏ ra hiệu quả hơn hẳn phương pháp truyền thống trong việc đăng tải các post quảng cáo dưới hình thức truyện tranh. Chiến lược truyền thông sản phẩm mới của các công ty lớn như Bitis, Nike cũng tìm đến các hoạ sĩ minh hoạ để tìm điểm khác biệt và thu hút. Chưa bao giờ, nghề vẽ minh hoạ trở thành một lựa chọn tuyệt vời cho những bạn trẻ muốn theo đuổi một công việc sáng tạo như hiện nay. Hoạ sĩ vẽ minh hoạ – Cơ hội đi liền với thách thức Tuy vậy, để có lợi thế cạnh tranh, bạn không chỉ cần vẽ giỏi, mà còn cần là một người năng động, cập nhật kịp thời xu hướng của thời đại. Ở kỉ nguyên 4.0, các tranh minh hoạ xuất hiện với tần số dày đặc trên các thiết bị số, đòi hỏi bạn phải trang bị cho mình kĩ năng vẽ trên máy (digital painting), bởi digital painting không chỉ giúp bạn vẽ dễ dàng hơn, mà còn giúp bạn vẽ nhanh hơn, hiệu quả hơn. >> Xem thêm: 4 lý do để học Digital Painting Những cuốn sách có tranh minh hoạ ấn tượng năm 2020 Phân biệt Digital Painting và Graphic Design (Comic Media Academy)

Khi nói đến những nghề cần sự sáng tạo, thông thường ta nghĩ ngay đến các nghề như nhà thơ – nhà văn, thiết kế, họa sĩ. Tuy nhiên, dù yêu cầu công việc không hề đơn giản nhưng những ngành nghề này lại có những lúc không được đánh giá cao vì lương chỉ ‘ba đồng ba cọc’. Thế nhưng, với sự phát triển của các nền tảng công nghệ cũng như nhu cầu cuộc sống ngày một được nâng cao, các ngành nghề sáng tạo trở thành trào lưu trong những năm gần đây và có xu hướng đánh bật các ngành truyền thống. Hơn thế nữa, tác động của dịch COVID-19 có thể được xem như chất xúc tác để chuyển đổi số mới trong các lĩnh vực liên quan đến thương mại điện tử, công nghệ thông tin hoặc sáng tạo nội dung trên nền tảng số.  Cùng Comic Media Academy điểm qua một số ngành sáng tạo cực hot hiện nay nhé! Hoạ sĩ thiết kế 2D/3D Không phải ngẫu nhiên mà ngành thiết kế 2D/3D được cả thế giới gọi là “ngành của thời đại”, bởi rõ ràng, nó hội tụ đủ trong mình tất cả những thú vị và hấp dẫn của thời đại mới. Thế giới hoạt hình 2D/3D cho phép thỏa sức sáng tạo và tưởng tượng. Những hình dung mỹ thuật độc đáo nhất, khác người nhất thông qua những thao tác trên máy đều có thể trở thành những nhân vật, những kiến trúc sống động như thật. Vô hình chung, những người làm 2D/3D đã trở thành những nghệ sĩ đích thực trong chính nghề nghiệp của mình. Thành công kích thích ý tưởng, ý tưởng kích thích sáng tạo, cứ thế, cứ thế, những người làm hoạt hình 2D/3D càng gắn bó với lĩnh vực này thì càng cảm thấy đam mê. Một trong những ưu điểm của nhóm ngành này là mức lương vô cùng hấp dẫn. Khi đã nắm vững các công cụ, bạn hoàn toàn có thể đạt được mức lương cao trên 10 triệu cho ngành hoạt hình 2D/3D. Và cá biệt với các tập đoàn lớn, bạn sẽ có lương tính bằng ngàn đô khi đã có trong người số vốn kinh nghiệm dày đặc. Hoạ sĩ vẽ minh hoạ Đây là lựa chọn thú vị với giới trẻ bởi bạn sẽ được thoải mái tự do, ít ràng buộc. Chỉ cần bạn có chút hài hước, sức sáng tạo phong phú và trình kể chuyện qua vẽ. Hoặc nếu bạn thích đọc sách thì có thể thành một hoạ sĩ chuyên vẽ tranh minh hoạ bìa. Hiện nay, lượng sách xuất bản luôn tăng. Vậy nên bạn sẽ không khó để tìm việc trong các nhà in, xuất bản. Ngoài ra, hoạ sĩ minh hoạ là một ngành nghề mà bạn không bao giờ thiếu ‘đất dụng võ’ khi truyền thông nội dung kèm hình ảnh sáng tạo đang là xu hướng hiện nay. Ngoài minh hoạ sách, bạn còn có thể cống hiến cho lĩnh vực quảng cáo và truyền thông khi nhu cầu hình ảnh sáng tạo đã vượt lên cả các thiết kế thông thường. Hình ảnh yêu cầu phải có độ nhận diện cao và mang tính cá nhân hoá. Các hoạ sĩ minh hoạ có thể làm tốt các điều này, thậm chí hơn cả các nhà thiết kế đồ hoạ. Hoạ sĩ thiết kế game Theo các thông số báo cáo, Việt Nam xét về mặt toàn diện hiện đang giữ vị trí thị trường game online lớn nhất trong 3 quốc gia Đông Nam Á. Thị trường game online tại Việt Nam là một miếng bánh “béo bở” và đang được đổ dồn sự đầu tư từ các hãng game lớn. Họ ký kết hợp đồng đặt hàng với các công ty tại Việt Nam ngày càng nhiều. Vấn đề ở đây là nguồn nhân lực vẫn còn hạn chế dù thu nhập mang lại cực khủng. Mức lương trung bình của một game designer ở mức Junior là 23 triệu đồng đến 35 triệu đồng. Thiết kế game hiện đang là một nghề rất hot và luôn “khát” nhân tài. Giới trẻ phần lớn đều thích chơi game. Chính vì lẽ đó mà thị trường game ngày càng phát triển rực rỡ, các công ty game mọc lên như nấm. Và họ luôn có nhu cầu tuyển về nhiều nhân tài cho công ty. Nếu bạn thực sự có năng lực và đam mê với nghề thì chắc chắn sẽ có nhiều công ty game muốn chiêu mộ bạn. Điều này cũng đồng nghĩa rằng có quá nhiều cơ hội mở ra trước mắt bạn, bạn chẳng bao giờ lo thất nghiệp cả. Comic Media Academy – Chắp cánh ước mơ sáng tạo Thành lập vào tháng 8/2014, Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) là cơ sở duy nhất đào tạo chuyên sâu Họa sĩ kể chuyện chuyên ngành truyện tranh, hoạt hình và Digital Painting tại Việt Nam. Với đội ngũ giảng viên vững lý luận, dày kinh nghiệm và cơ sở vật chất hiện đại, Viện tự tin với vị trí tiên phong mang đến những giải pháp giáo dục sáng tạo, nâng cao chất lượng và số lượng nguồn nhân lực cho ngành công nghiệp sáng tạo, một ngành nghề mũi nhọn đang được ưu tiên phát triển trong và ngoài nước. Năm 2021, Comic Media Academy tuyển sinh khoá chuyên nghiệp các chuyên ngành Truyện tranh, Digital painting và Hoạt hình 2D/3D. Với hình thức xét tuyển, CMA tuyển sinh các đối tượng tốt nghiệp THPT trở lên và nhập học vào tháng 5 và tháng 10 hàng năm. Yêu thích và đam mê sáng tạo, các bạn hãy cùng CMA tham khảo ngay 3 chuyên ngành cực hot tại đây nhé. >> Xem thêm: Các vị trí công việc trong ngành Hoạt hình

Itaewon Class một trong những bộ phim gây sốt khắp Châu Á trong năm 2019 và đã nhận được rất nhiều sự chú ý ngay khi ra mắt. Bên cạnh dàn diễn viên trẻ đẹp tài năng thì sức hút của Itaewon Class còn nằm ở nội dung hấp dẫn, được chuyển thể từ bộ webtoon cùng tên của tác giả Jo Gwang Jin. Tác phẩm này đã tích lũy hơn 220 triệu lượt xem và được đánh giá mức “siêu điểm” 9,9 trên các trang xem webtoon của Hàn Quốc. Trước thành công của Iteawon Class thì hàng loạt bộ phim chuyển thể từ webtoon cũng đã tạo được tiếng vang lớn như “Thư ký Kim sao thế”. Với thành công từ việc chuyển thể tác phẩm truyện tranh, các nhà làm phim đang tiếp tục đẩy mạnh xu hướng này, có thể kể đến: “Ssanggap Pocha”, “Welcome”, “Memorist”, “Backstreet Rookie”,“True Beauty”, “Rugal”, “Sweet Home”… Các tác phẩm được khai thác có đề tài đa dạng và nội dung hấp dẫn, thu hút một lượng lớn fan hâm mộ. Xu hướng này cũng dự báo sự phát triển và cạnh tranh mạnh mẽ của thể loại truyện tranh webtoon. Đây là một trong những ví dụ sinh động nhất cho “chiếc đuôi dài” của ngành công nghiệp sáng tạo, khi tác phẩm được phát triển ở các định dạng và hình thức khác nhau, trở thành cơ hội giúp các tác giả truyện tranh webtoon có thêm thu nhập và danh tiếng. (Nguồn trích dẫn thông tin: kpopmap)

Những quyển truyện tranh huyền thoại như Doraemon, Nữ Hoàng Ai Cập, Đường Dẫn Đến Khung Thành,… đã trở thành một phần trong kí ức tuổi thơ của nhiều thế hệ. Chúng ta lớn lên bằng những trang truyện, và cũng chính những hình vẽ đó đã trở thành niềm đam mê và mục tiêu nghề nghiệp tương lai của không ít bạn trẻ. 1/ Vẽ truyện tranh – nghề tiềm năng nhưng chưa được quan tâm đúng mức Ở Việt Nam, hoạ sĩ truyện tranh vẫn là một cụm từ xa lạ, vì vậy để theo đuổi công việc này, các bạn trẻ vẫn còn gặp nhiều trở ngại: cơ sở đào tạo còn hạn chế, thiếu sự ủng hộ của gia đình, thiếu sự công nhận của xã hội. Mặc dù những năm gần đây, thị trường Việt Nam nổi lên những bộ truyện đặc sắc như: Long Thần Tướng, Bad Luck, Địa Ngục Môn,… Song, các tác giả đều đa phần là tự học. Nhu cầu ngày một tăng cao thế nhưng hiện tại truyện tranh vẫn chưa thể vượt lên các ngành truyền thống khác nên khá bất lợi trên chặng đường tuyển sinh khi các lời khuyên hướng nghiệp chưa được triển khai triệt để. Bên cạnh đó, hiện vẫn chưa có cơ sở đào tạo chuyên nghiệp nào về ngành nghề này đã phần nào hạn chế các bạn trẻ theo đuổi đam mê. 2/ Tự học vẽ truyện tranh là một hành trình rất dài Tự học dĩ nhiên là hoàn toàn khả thi nếu bạn có đam mê và niềm tin, song đó là một hành trình rất dài vì bạn sẽ phải tự mò mẫm và hệ thống tất cả mọi thứ. Trong thời đại mà mọi thứ phát triển như vũ bão, chúng ta không chỉ cần đi đúng hướng, đi đường dài, mà còn cần phải đi thật nhanh. Chưa kể, tự học thành tài đòi hỏi bạn phải thật sự có năng khiếu để có thể phát triển năng lực nhanh nhất và không bị nản giữa chừng. Còn gì tuyệt hơn nếu được tham gia một chương trình đào tạo bài bản để bảo đảm bạn luôn đi đúng hướng và có một lộ trình sự nghiệp rõ ràng. 3/ Học vẽ truyện tranh bài bản ở đâu? Học vẽ truyện tranh hiện nay đang là đề tài được nhiều bạn trẻ quan tâm. Khác với hình thức mỹ thuật truyền thống, truyện tranh là một chuyên ngành thuộc mỹ thuật ứng dụng, trẻ trung và không ngừng thay đổi. Chương trình đào tạo của ngành này vì vậy phải luôn năng động, cập nhật kịp thời xu hướng phát triển của thời đại. Được thành lập từ năm 2015, viện Comic Media Academy –  CMA là đơn vị tiên phong đào tạo hoạ sĩ truyện tranh một cách bài bản và chuyên nghiệp. Trong hơn 5 năm hoạt động, Viện đã đào tạo nên những hoạ sĩ truyện tranh đầu tiên với tay nghề cao và linh hoạt. Với chương trình đa dạng bao gồm các khoá dài hạn, ngắn hạn, online, offline,… CMA là điểm đến đáng tin cậy cho nhiều bạn trẻ đam mê bộ môn đầy nghệ thuật và sáng tạo này. Xem thêm: >> Làm cách nào để trở thành một mangaka >> Tips: Những điều cần biết về phân khung truyện tranh Comic Media Aademy (CMA)

Cùng với sự phát triển của mạng Internet, truyện tranh Webtoon đang phát triển vô cùng mạnh mẽ ở Hàn Quốc và vươn ra thị trường thế giới. Sự ảnh hưởng của Webtoon thậm chí còn tác động đến các cường quốc truyện tranh như Nhật Bản hay Mỹ, tạo nên xu hướng sáng tác mới của thời đại. Nhu cầu sản xuất truyện tranh Webtoon tăng dẫn đến nhu cầu về nhân lực Sự phát triển thần tốc của Webtoon trong những năm gần đây đã làm sản sinh ra nhu cầu về nhân lực tương đối lớn, và Việt Nam được xem là một trong những thị trường nhân lực tiềm năng. Ngoài các công ty truyện tranh đến từ Hàn Quốc, Nhật Bản, trong nước dần xuất hiện các doanh nghiệp sản xuất Webtoon nội địa, cuộc đua nhân sự chưa bao giờ trở nên gay gắt như hiện nay. Tuy nhiên việc tìm được hoạ sĩ Webtoon chất lượng cao chưa bao giờ là một bài toán dễ dàng. Hầu hết các doanh nghiệp thừa nhận, phải tốn khá nhiều thời gian để đào tạo lại hoạ sĩ để phù hợp với loại hình sáng tác truyện tranh mới vốn còn lạ lẫm ở Việt Nam. Học vẽ truyện tranh Webtoon để đón đầu cơ hội Được đánh giá là một nghề nghiệp có tiềm năng trong thời đại hiện nay, hoạ sĩ trẻ hiện nay cần đón đầu cơ hội để tạo nên lợi thế cạnh tranh. Khác với truyện tranh truyền thống, truyện tranh Webtoon được đăng trên các nền tảng trên mạng với những tiêu chuẩn, thông số riêng và hầu như được sáng tác hoàn toàn trên máy tính. Vì vậy, hoạ sĩ Webtoon phải không ngừng làm mới mình, rèn luyện kĩ năng, cập nhật các phần mềm và phương thức sáng tác mới nhất. Kĩ năng càng tốt, càng có nhiều lợi thế cạnh tranh. Học vẽ truyện tranh Webtoon ở đâu? Cùng với nhu cầu của thị trường lao động, các khoá học đào tạo hoạ sĩ chuyên vẽ Webtoon dần được quan tâm. Các bạn trẻ có thể dễ dàng tìm kiếm các khoá học sáng tác Webtoon từ ngắn hạn đến dài hạn tại các trung tâm và viện đào tạo, từ đó tạo được lợi thế cạnh tranh riêng cho mình. Với kinh nghiệm hơn 5 năm đào tạo hoạ sĩ truyện tranh, Viện Truyện Tranh và Hoạt Hình CMA tự tin là đơn vị tiên phong trong việc đào tạo hoạ sĩ Webtoon ở Việt Nam. Với chương trình học cô đọng, tập trung, bao gồm cả khoá Offline và Online, CMA là một địa điểm tham khảo uy tín cho những bạn trẻ có niềm đam mê với loại hình sáng tác đầy tính sáng tạo này. >> Xem thêm: Hoạ sĩ Webtoon – Nghề hot trong thời đại công nghệ số Bí kíp trở thành hoạ sĩ Webtoon chuyên nghiệp Webtoon Online – Chưa bao giờ học Webtoon lại dễ dàng như thế (Comic Media Academy)

Năm 2020 chứng kiến loạt ấn phẩm sách với tranh minh họa chất lượng đến từ đội ngũ họa sĩ trẻ của Việt Nam. Những tác phẩm chất lượng không chỉ góp phần giúp các tác phẩm gốc đến gần hơn với bạn đọc, mà còn khẳng định thị hiếu của khán giả với thể loại này. Cơ hội nghề nghiệp với các bạn họa sĩ vì thế đã rộng mở hơn rất nhiều. Dưới đây là những cuốn sách có tranh minh họa ấn tượng trong năm 2020. 1/ Ấn tượng Hà Nội – Từ kí họa những công trình thời Pháp – Nhiều tác giả Cuốn artbook Ấn tượng Hà Nội là tác phẩm của Nhóm Kí họa đô thị Urban Sketchers Hanoi) – Nhóm tác giả được trao tặng giải thưởng “Bùi Xuân Phái – Vì tình yêu Hà Nội” năm 2019. Sách ghi lại câu chuyện và hình ảnh của Hà Nội qua những công trình kiến trúc thời Pháp. Sách tập hợp gần 150 bức tranh minh họa độc đáo bằng nhiều chất liệu khác nhau đến từ các tác giả, kiến trúc sư, họa sĩ chuyên và không chuyên có chung một tình yêu với Hà Nội. Lần lượt qua những bức tranh, hình ảnh của những công trình lớn như Nhà hát Lớn, Ga Hà Nội, Phủ chủ tịch, Bưu điện Bờ hồ… và cả những công trình nhỏ như các căn biệt thự cổ kính đều hiện ra sống động trước mắt người đọc. Ấn tượng Hà Nội do Wings Books – Thương hiệu sách trẻ của NXB Kim Đồng phát hành bìa cứng, in trên chất liệu giấy dày dặn, màu sắc rõ nét và thu hút. Sách còn được in song ngữ Việt – Anh nhằm phục vụ bạn đọc Việt Nam và quốc tế, cho những ai muốn tìm hiểu thêm về một phần lịch sử phát triển của đô thị Á Đông này. 2/ Việt Nam dọc miền du ký – Lê Rin Cuốn artbook Việt Nam dọc miền du ký là hành trình khám phá mọi miền đất nước hình chữ S xinh đẹp bằng tranh vẽ của họa sĩ trẻ Lê Rin. Trong tập 1, Lê Rin đưa người đọc đến 8 vùng miền bao gồm An Giang, Cần Thơ, Hà Giang, Hội An, đảo Lý Sơn, Ninh Thuận, Phú Yên, Sa Pa để khám phá về phong cảnh, kiến trúc, ẩm thực và văn hóa tại những nơi đây. Cuốn sách có hơn 300 tranh vẽ màu nước của họa sĩ Lê Rin, tái hiện lại vẻ đẹp đất nước Việt Nam, và đặc biệt là các làng nghề truyền thống như nghề đan lọp Thới Long ở Cần Thơ, nghề đan võng gai Khánh Nhơn tại Ninh Thuận, hay nghề gốm làng Thanh Hà tại Hội An… Các minh họa của Lê Rin được vẽ lại tỉ mỉ, công phu và phản ánh chân thực nhất từng công đoạn cơ bản trong nghề. Việt Nam dọc miền du ký là món quà mà Lê Rin dành tặng cho cha mẹ, những người chưa từng có một chuyến du lịch đúng nghĩa, để cùng ngắm nhìn vẻ đẹp của đất nước – con người Việt Nam qua những trang sách nghệ thuật. Cuốn sách do Thái Hà Books kết hợp với NXB Lao động phát hành theo hai phiên bản bìa cứng và bìa mềm. 3/ Truyện Kiều tự kể – Tác giả: Cao Nguyệt Nguyên, Minh họa: 12 họa sĩ Truyện Kiều tự kể là cách tiếp cận mới mẻ của tác giả trẻ Cao Nguyệt Nguyên tới tác phẩm kinh điển Truyện Kiều của Nguyễn Du. Bằng cách kể lại câu chuyện của 12 nhân vật bao gồm Thúy Vân, Đạm Tiên, Kim Trọng, Mã Giám Sinh, Tú Bà, Sở Khanh, Thúc Sinh, Hoạn Thư, Từ Hải, Hồ Tôn Hiến, Giác Duyên và Thúy Kiều, cuốn sách mang đến góc nhìn rõ hơn về cuộc đời và thân phận của họ. 12 nhân vật này được 12 họa sĩ, nhóm họa sĩ minh họa bằng những bức tranh sinh động, với góc nhìn táo bạo và hiện đại. Những nhân vật được thể hiện độc đáo, đầy biến hóa vừa trung thành với nguyên tác nhưng cũng có nét đột phá riêng. Xâu chuỗi tất cả câu chuyện tự thuật và tranh minh họa trong Truyện Kiều tự kể, người đọc có được một phiên bản Truyện Kiều bằng ngôn ngữ của nhân vật và đường nét, sắc màu. Truyện Kiều tự kể chỉ có một ấn bản bìa cứng, in trên chất giấy cao cấp, sang trọng do NXB Kim Đồng phát hành. 4/ Số đỏ – Tác giả: Vũ Trọng Phụng, Minh họa: Thành Phong Ấn bản Số đỏ xuất bản năm 2020 được in lại theo bản in của Lê Cường Editeur MCMXXXVIII (1938). Đây là bản Số đỏ đầu tiên được in đầy đủ và cũng là bản sách duy nhất được in khi tác giả Vũ Trọng Phụng còn sống. Thêm vào đó, tranh minh họa của họa sĩ Thành Phong đem đến một bản sách Số đỏ độc đáo hơn nữa. Sách gồm 20 tranh minh họa vẽ tay toàn bộ, lấy tông màu hồng làm chủ đạo, gây ấn tượng về mặt thị giác, đồng thời phù hợp với phong cách châm biếm mỉa mai của Vũ Trọng Phụng. Để dựng lại hình ảnh cách đây gần 100 năm, Thành Phong đã phải tìm hiểu rất kỹ về phục trang cũng như những thú vui giải trí, đám tang, báo chí… để tái hiện lại một cách chính xác nhất. Cuốn sách Số đỏ do Đông A và NXB Văn học phát hành, ruột sách được in 4 màu trên chất giấy cao cấp. Ngoài bản bìa cứng phổ thông, Số đỏ còn có bản giới hạn S500 với bìa da làm thủ công phục vụ bạn đọc sưu tầm sách. 5/ Dế Mèn phiêu lưu

Đâu là bí quyết giúp bộ manga đã phát hành đến chương thứ 1000, vẫn lôi cuốn người độc đến vậy? Hãy cùng phân tích cách Eiichiro Oda – tác giả bộ truyện đã làm để giữ cho One Piece luôn tươi mới nhé! Là một người hâm mộ lâu năm của One Piece, có lẽ đã rất nhiều lần bạn nhận được câu hỏi “Làm thế nào bạn có thể xem nhiều tập truyện như vậy mà không cảm thấy chán?”. Câu trả lời thực ra không quá phức tạp. Nói một cách đơn giản, Eiichiro Oda – thuyền trưởng của con tàu đã đưa chúng ta đi khắp thế giới kì thú của One Piece, tác giả biết cách giữ cho những chuyến du ngoạn của mình luôn thú vị và tươi mới ngay cả khi bộ truyện đã kéo dài 23 năm với gần 1000 chương đã được ra mắt. Câu chuyện mà One Piece hướng tới là hành trình đi tìm kho báu của băng Mũ Rơm – điều đó có nghĩa Oda hoàn toàn tự do để có thể sáng tác bao nhiêu chương truyện tuỳ thích. Sẽ có người  nghĩ rằng  Oda chỉ đang cố tình kéo dài bộ truyện để  thu nhiều lợi nhuận, nhưng sự thật không hẳn thế. Hành trình hay đích đến, những điều đó đều không phải là yếu tố tạo nên sự hấp dẫn của One Piece. Điểm thu hút lớn nhất chính là việc được chứng kiến băng Mũ Rơm trải qua những gian nan, thử thách và khổ nạn trong hành trình của họ và những kỳ quan của vùng biển Grand Line. Xây dựng một thế giới hư cấu tuyệt đẹp là một trong những điểm then chốt mang đến thành công cho One Piece. Nếu chú ý, bạn sẽ nhận ra mỗi địa danh mà Oda tạo nên, chúng đều có những điểm độc nhất vô nhị, không nơi nào giống nơi nào, tạo được những ấn tượng rất riêng, và đó chính là điều mà độc giả tìm kiếm ở tác phẩm.  Ví dụ địa danh đầu tiên của bộ truyện, quần đảo Alabista. Đây là một quốc gia nằm ở sa mạc khô cằn nơi dân chúng đang có sự xung đột với chính phủ vì sự thờ ơ của họ trước nạn hạn hán kéo dài. Tiếp theo là Skypiea, hòn đảo khổng lồ lơ lửng trên mây, nơi từng là một thành phố cổ đại bằng vàng kéo theo mối hận thù truyền kiếp giữa hậu duệ của những người dân vốn được sinh ra ở đây và những “người trời”, những người tin rằng Skypiea là nhà của Chúa. Sau đó trong Water 7, một thành phố đồ sộ được tạo thành từ những kênh đào và đường thuỷ nổi tiếng khắp thế giới, đồng thời là nơi có nhiều thợ đóng tàu lành nghề nhất thuộc công ty The Galley-La. Tuy nhiên, Water 7 hằng năm phải hứng chiu đợt gió mùa Aqua Lagoona, thứ làm tăng dần mực nước biển quanh hòn đảo. Kỹ năng vẽ đỉnh cao của Oda cũng là một khía cạnh không thể không kể đến. Xuyên suốt bộ manga, chưa bao giờ có sự sụt giảm về chất lượng và thực tế, phong độ của Oda ngày càng chín muồi theo thời gian. Bối cảnh trong One Piece đầy ắp những tiểu tiết và đòi hỏi tác giả phải giàu trí tưởng tượng, chẳng hạn như khi Luffy bày tỏ sự ham muốn được khám phá một nơi nào đó, độc giả có thể cảm nhận rõ ràng “sự mời gọi đầy hấp dẫn” mà những nơi đó tỏa ra. Một khi đã chứng kiến những bông hoa anh đào tuyệt đẹp trong mưa trên vùng đất Wado, người xem chắc hẳn đã đứng ngồi không yên, chờ đợi Oda đưa họ đi khám phá từng ngóc ngách của vùng đất ấy. Hoặc có thể bạn sẽ thích thú với quần đảo Sabaody, một khu rừng ngập mặn giữa biển khơi, được tạo thành từ 79 cây đước khổng lồ và một bầu trời đầy bong bóng. Nổi bật nhất có thể là dòng chảy Kcock-Up dẫn thẳng đến vùng Biển Trắng trứ danh. Mỗi thành viên của Băng Mũ Rơm đều có những mục đích của riêng họ trong khi  xuôi buồm trên những đám mây. Usopp  muốn “bơi” trên những tầng mây, Luffy và Chopper thì muốn nhún nhảy trên  mây như thể chúng là những tấm đệm lò xo, và bếp trưởng Sanji  lại cố nấu món cá đặc biệt. Chính những chi tiết nhỏ này đã giúp những địa danh trong thế giới bao la của One Piece trở nên chân thật và sinh động đến mức như vượt ra khỏi những trang truyện. Ngoài ra, dù là hồi truyện cũ nhất hay mới nhất, Oda vẫn giữ nguyên tinh thần mang những thứ mới mẻ đến cho độc giả, xây dựng những bối cảnh độc nhất cho từng quần đảo. Không chỉ đơn thuần là giới thiệu một địa danh mới, Oda còn rất khôn ngoan trong việc lồng ghép cốt truyện mới vào những địa danh này, khiến cốt truyện không hề có cảm giác gượng ép. Ví dụ như phần truyện ở Long Ring Long Land, băng Mũ Rơm đã phải tham gia vào trò chơi mang tên Davey Back Fight, một cuộc so tài giữa những hải tặc, khi họ đã tốn nhiều công sức đối đầu với băng hải tặc Foxy khét tiếng. Chắc hẳn các fan hâm mộ cũng không thể nào quên hồi truyện tại Impel Down, khi Luffy vất vả vượt qua từng tầng ngục với mong muốn giải cứu người anh trai thất lạc lâu năm, Ace, và cuối cùng bất lực nhìn người anh trai ấy ra đi trước mắt mình. Tại đảo Whole Cake, băng Mũ Rơm phải giải cứu chàng “đầu bếp háo sắc” Sanji tại

Demon Slayer đã trở thành một trong những series được khán giả đón nhận nồng nhiệt nhất trong thời gian gần đây, nhưng điều gì đã khiến bộ truyện này trở thành cơn sốt trên toàn thế giới? Nếu bạn quan tâm tới những tác phẩm anime/manga thành công đi lên từ con số 0, chắc hẳn bạn sẽ không thể bỏ qua Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba. Sẽ không ngoa khi nói rằng series này đã thay đổi hoàn toàn ngành công nghiệp anime hai năm vừa qua. Ban đầu khi bộ manga được phát hành đã không nhận được nhiều sự quan tâm từ khán giả và giới truyền thông, nhưng kể từ khi bộ anime được ra mắt với một tập phim đặc biệt, doanh số của series này đã có những bước đột phá đáng kinh ngạc, cụ thể  hơn 100 triệu bản đã được bán ra. Bộ phim dài gần đây nhất của series mang tên Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Infinity Train cũng đã phá vỡ nhiều kỷ lục tại phòng vé, trở thành cái tên mới nhất trong ngành công nghiệp điện ảnh Nhật Bản khi kiếm về hơn 100 triệu đô. Giống như nhiều bộ truyện nổi tiếng khác chắc hẳn sẽ có người thắc mắc tại sao Demon Slayer lại sở hữu lượng khán giả hùng hậu đến vậy. Bên dưới là những lí do giúp bộ truyện nhận được nhiều tình cảm và sự ủng hộ từ người hâm mộ. TẬP PHIM ĐÃ LÀM “THAY ĐỔI TẤT CẢ” Anime chính là thứ đã giúp tên tuổi của series này “bùng nổ”. Được sản xuất với phong cách hoạt hình vô cùng bắt mắt kết hợp với những phân cảnh hành động diễn ra liền mạch chỉ là một trong vô vàn những yếu tố giúp series thu hút  sự chú ý của khán giả. Demon Slayer là bộ anime đầu tiên thuộc thể loại Shounen mà Studio Ufotable sản xuất, trước đây studio này chỉ chủ yếu chuyển thể những tác phẩm light novel. Thực tế, đội ngũ sản xuất đã làm rất tốt công việc của mình, nhưng mãi đến khi tập phim thứ 19 được ra mắt, đó mới là lúc bộ anime “công phá” internet. Màu sắc và đồ hoạ trong phân cảnh Tanjiro chém vào cổ Rui, cùng mọi thứ diễn ra trước đó cho đến đoạn cao trào, đều được các nhà làm phim thực hiện xuất sắc. Khán giả có thể thấy, Tanjiro  lúc ấy đã kiệt sức do phải chiến đấu với vô số quỷ, và rồi phát hiện ra Rui, con quỷ đầu tiên của Thập Nhị Nguyệt Quỷ, đang truy sát em gái Nezuko của mình. Lúc này, trong tay Tanjiro chỉ còn lại thanh kiếm đã gãy, khiến cậu lâm vào tình thế bất lợi. Đây cũng chính là bước ngoặc của Tanjiro khi cậu đảo ngược được tình thế. Ở giây phút em gái cậu cận kề cái chết, Tanjiro đã đánh thức tuyệt kỹ Điệu nhảy Hoả thần, một bí thuật gia truyền của dòng họ Kamado, thứ từ lâu đã bị vùi lấp trong ký ức của cậu. Phân cảnh Tanjiro sử dụng kỹ thuật Hơi thở của nước chuyển đổi thành Điệu nhảy Hoả thần vô cùng lộng lẫy, khiến khán giả đứng ngồi không yên. Chính nhờ trận chiến hoành tráng này đã chứng minh rằng Tanjiro là một kẻ diệt quỷ đáng gờm, khiến chuyến phiêu lưu của cậu ngày càng được yêu thích. DEMON SLAYER NÓI VỀ SỰ LIÊN KẾT KHÔNG THỂ PHÁ VỠ CỦA GIA ĐÌNH Ngay từ đầu, Demon Slayer đã khẳng định chủ đề cốt lõi của câu chuyện chính là mối quan hệ máu mủ không thể phá vỡ giữa các thành viên trong gia đình, đặc biệt là tình anh em giữa Tanjiro và Nezuko. Câu chuyện của Tanjiro bắt đầu khi cậu nỗ lực tìm cách giúp cô em gái Nezuko trở lại thành một người bình thường, mặc cho cả hai sẽ phải lâm vào những mối hiểm nguy, cậu vẫn quyết không rời em gái mình nửa bước. Tanjiro làm mọi cách để đảm bảo sự an toàn của Nezuko và ngược lại, họ nhất quyết không để người còn lại phải chiến đấu một mình – đó là mối quan hệ dựa trên tình yêu thương và lòng tin tưởng. Dẫu rằng gia đình của cả hai đã ra đi mãi mãi, thì điều đó chỉ góp phần giúp cho mối quan hệ của họ bề chặt hơn bao giờ hết. Ngay cả những lúc tâm trí rối loạn, Nezuko vẫn thường nghĩ về người mẹ thân thương và những đứa em đã mất của mình. Tanjiro cũng vậy, rất ít khi cậu nghĩ về cha của mình, nhưng chính những ký ức về người cha và những điệu nhảy của ông chính là thứ đã cứu sống cậu và  em gái. CỐT TRUYỆN  “THÔ RÁP VÀ CHÂN THẬT” Demon Slayer đã có thể bỏ qua phân đoạn phục hồi sức khoẻ sau những trận chiến đẫm máu của các nhân vật, thế nhưng, series lại không làm thế. Cốt truyện không hề tránh né việc các nhân vật đã phải chịu những chấn thương nghiêm trọng, và họ cần thời gian để bình phục. Có thể kể đến  trận chiến với những con quỷ Nhện, cả Tanjiro, Zenitsu và Inosuke đều phải dành nhiều tuần để dưỡng sức, bình phục chấn thương trước khi có thể tiếp tục chiến đấu. Ngoài ra, nỗi đau và sự mất mát được lột tả một cách vô cùng chân thật. Cái tên “Demon Slayer” đã nói lên tất cả bản chất của tác phẩm, rằng cốt truyện dựa trên sự khát máu của những con quỷ và con người sẽ phải đấu tranh để tiêu diệt chúng: máu sẽ đổ. Chắc chắn sẽ có người phải chết. Dẫu những cái chết trong Demon Slayer đều

Khi nghe hai từ ‘Hoạt hình’, thứ đầu tiên xuất hiện trong đầu bạn chắc hẳn là những bộ phim hoạt hình ‘huyền thoại’ như Doraemon hoặc Spirited Away. Đó chính xác là phần nghĩa nổi, thế nhưng lĩnh vực Hoạt hình lại rộng hơn bạn nghĩ rất nhiều và bao gồm tất cả khung hình chuyển động trong các quảng cáo, phim ảnh và game. Rõ ràng đây là một ngành công nghệ đang phát triển rất mạnh và có tiềm năng mạnh mẽ. Vậy ngành Hoạt hình có các vị trí công việc cụ thể nào? Cùng Comic Media Academy tìm hiểu nhé! Hoạ sĩ hoạt hình Khi theo học chuyên ngành hoạt hình, chắc hẳn rằng bạn có thể ‘kinh’ qua hầu hết các công việc của sản xuất hoạt hình bao gồm hoạ sĩ 2D/3D, hoạ sĩ stop-motion, hoạ sĩ phân cảnh, hoạ sĩ chất liệu và hoạ sĩ đánh sáng.  Khi đã nắm được lộ trình, bạn sẽ biết mình thích hợp với khâu nào và chọn cho mình một vị trí công việc hợp lý.  Hoạ sĩ diễn hoạt  Trong khâu sản xuất hoạt hình, có thể nói diễn hoạt là công đoạn rất quan trọng. Hoạ sĩ diễn hoạt tạo ra nhiều hình ảnh được gọi là khung hình, khi được sắp xếp chuỗi với nhau sẽ tạo ra ảo ảnh chuyển động – đây được gọi là hoạt ảnh.  Vị trí này thường xuất hiện nhiều trong các công ty chuyên về hoạt hình hoặc các doanh nghiệp thuộc lĩnh vực game có sử dụng các hình ảnh 2D/3D. Hoạ sĩ ý niệm (Concept Artist) Các hoạ sĩ ý niệm khởi động các dự án sáng tạo bằng cách tưởng tượng và phác thảo các nhân vật và thế giới chưa tồn tại trên phim ảnh, hoạt hình, VFX, trò chơi điện tử và quảng cáo. Là một hoạ sĩ ý niệm, bạn sẽ áp dụng trí tưởng tượng và kỹ năng nghệ thuật để tạo ra hình ảnh về con người, sinh vật, địa điểm và tâm trạng. Nhìn chung, bạn sẽ cung cấp các bản phác thảo về các nhân vật và môi trường có thể trông như thế nào. Bất kỳ dự án nào liên quan đến câu chuyện bằng hình ảnh đều cần một hoạ sĩ ý niệm, vì vậy bạn có thể làm việc trên nhiều lĩnh vực như hoạt hình, truyện tranh và phim. Hoạ sĩ phát triển game Đây là lĩnh vực rất được nhiều bạn trẻ quan tâm vì tính năng động và sáng tạo cực cao. Để phát triển một bộ game hoàn chỉnh, ngoài đam mê và khả năng chuyên môn, bạn cần có kỹ năng làm việc riêng và kỹ năng phối hợp nhóm thật hoàn hảo vì một sản phẩm có thể mất khá nhiều thời gian thậm chí tính bằng đơn vị năm để hoàn thành.  Có khá nhiều vị trí công việc trong một đội ngũ phát triển game bao gồm tạo và thiết kế giao diện và cách chơi của trò chơi, thiết kế và tạo hoạt ảnh cho các nhân vật và đối tượng, tạo âm thanh, lập trình, bản địa hóa, thử nghiệm, chỉnh sửa và sản xuất.  Hoạt hình là một lĩnh vực cạnh tranh nhưng cực kỳ tiềm năng khi hiện tại vẫn còn rất ít nhân lực có kỹ năng chuyên môn để ứng tuyển vào chuyên ngành này. Ngày càng nhiều công ty hoạt hình trong và ngoài nước đầu tư vào lĩnh vực này, thậm chí các studio chỉ chuyên về thiết kế 2D/3D cũng đã mạnh dạn mở rộng thị trường về hoạt hình. Nếu đam mê nhóm ngành sáng tạo và muốn tham gia vào lĩnh vực hot nhất trong những năm tới đây thì ngại gì không tìm hiểu chuyên ngành Hoạt hình hôm nay tại đây nhé! Comic Media Academy

Như bao loại hình nghệ thuật khác, để bắt đầu sáng tác một Comic Strip, bạn cần phải có những ý tưởng cho riêng mình. Nhưng để có những ý tưởng hay và thú vị không phải là điều dễ dàng, dưới đây là một số gợi ý giúp bạn tìm được ý tưởng hay cho Comic Strip. KỂ MỘT CÂU CHUYỆN TRONG CUỘC SỐNG CỦA BẠN Hãy tưởng tượng một nhân vật đại diện cho bạn, đó có thể là bạn hoặc là nhân vật bạn sáng tạo ra. Nhân vật đó sẽ thay bạn kể câu chuyện về bản thân, cuộc đời và sở thích. Hãy giới thiệu bản thân, nói về bạn là ai, bạn làm gì, bạn quan tâm đến điều gì, bạn thích hay không thích điều gì, cho mọi người biết bạn đến từ đâu và cuộc sống của bạn như thế nào. Có lẽ bạn cũng sẽ muốn sử dụng các nhân vật khác trong truyện tranh của mình để giới thiệu các thành viên trong gia đình hoặc bạn thân. Trong truyện tranh của bạn, nhân vật nói chuyện hoặc suy nghĩ về những phần quan trọng trong cuộc sống, những điều mà bạn muốn chia sẻ với người khác. DU LỊCH ĐẾN NƠI BÍ ẨN Đặt niềm tin rằng bạn có thể du hành đến một vùng đất, hành tinh hoặc ngôi sao bí ẩn. Nhân vật của bạn sẽ nghĩ gì hoặc nói gì khi họ đặt chân đến nơi đó – chẳng hạn như họ kì vọng điều gì ở chuyến đi, hi vọng sẽ gặp được điều gì? Nhân vật của bạn sẽ nhìn thấy hay bắt gặp những điều kỳ lạ hoặc những sinh vật nào ở vùng đất bí ẩn này? Hãy yêu cầu nhân vật của bạn nhận xét về những gì họ nhìn thấy, bắt gặp hoặc tham gia vào cuộc trò chuyện với một người, sinh vật hoặc động vật mà họ gặp. Tình huống này có thể ở dạng chào hỏi, đối thoại, truyện cười, câu hỏi hoặc để những sinh vật bí ẩn này nói về cuộc sống của nó. Để nhân vật của bạn và những sinh vật này phản ứng với nhau – ví dụ, bọn họ có thể nhận xét về ngoại hình nhau, họ có thể nói về những món ăn yêu thích hoặc phong tục của nhau. Họ cũng có thể nói về những mối quan tâm trong cuộc sống thực, chẳng hạn như sống chung với những kẻ bắt nạt, cô đơn, mất mát, những vấn đề trong tâm trí,… ĐIỀU ƯỚC TRỞ THÀNH SỰ THẬT Tưởng tượng vào một ngày, một thế lực thần tiên hiện ra và cho bạn những điều ước. Các nhân vật của bạn sẽ ước điều gì? Bạn có thể chọn một nhân vật thực hiện một điều ước. Sau đó nhân vật chính của bạn giải thích cho người khác lý do tại sao điều ước này được thực hiện và ý nghĩa của nó đối với họ. Bạn có thể yêu cầu nhân vật khác phản ứng hoặc bình luận về lựa chọn mong muốn của nhân vật chính hoặc thậm chí bày tỏ điều ước của riêng mình rằng điều đó muốn trở thành sự thật. MỘT NGÀY LÀM VIỆC Tưởng tượng bạn đang ở văn phòng. Sếp của bạn đang nói chuyện với nhân viên và bạn có quyền đọc được những suy nghĩ và giấc mơ thầm kín của đồng nghiệp khi sếp nói. Chọn một nhân vật làm sếp đang nói chuyện với dân văn phòng. Lời nói của anh ấy hoặc cô ấy là gì? Đặt khung thoại viết những suy nghĩ thầm kín của họ hoặc đặt hình ảnh tương ứng với suy nghĩ đó. Nếu muốn, bạn cũng có thể sử dụng khung thoại để yêu cầu nhân viên văn phòng đáp lại lời nói của sếp. MỘT NGÀY Ở TRƯỜNG Tưởng tượng rằng bạn đang đi học. Giáo viên của bạn đang nói chuyện với các học sinh trong lớp, và bạn có khả năng đọc được những suy nghĩ và ước mơ tiềm ẩn của mọi người. Chọn một nhân vật là giáo viên bắt chuyện với học sinh. Lời nói của giáo viên ấy là gì? Bây giờ, điều gì đang xảy ra trong đầu học sinh đó? VIẾT CÂU CHUYỆN TÌNH YÊU Nếu bạn có thể kể một câu chuyện tình đẹp. Bạn sẽ kể như thế nào? MỘT CÂU CHUYỆN CỔ TÍCH MỚI MẺ Nếu bạn kể lại một câu chuyện cổ tích yêu thích. Bạn sẽ thay đổi câu chuyện như thế nào? SÁNG TÁC BÀI HÁT Tưởng tượng bạn có thể viết một bài thơ hoặc hát một bài hát cho ai đó. Những điều bạn muốn nói là gì? Bạn sẽ nói chúng với ai, và họ sẽ phản ứng như thế nào? MỘT SỰ TÁI NGỘ Bỗng một ngày bạn có thể nói chuyện với người mà bạn nghĩ rằng bạn sẽ không bao giờ gặp lại. Bạn sẽ nói điều gì với họ? Họ sẽ phản ứng như thế nào? MỘT LỜI CHÚC Tin rằng những lời nói của bạn có thể chữa lành cho mọi người. Những câu nói mà nhân vật của bạn sẽ sử dụng là gì? MỘT BỮA TIỆC VUI VẺ Nếu như bạn có thể tổ chức bữa tiệc vui vẻ nhất trên thế giới. Nó sẽ ở đâu? Bạn sẽ mời ai? Bữa tiệc của bạn có thể sẽ biến thành một thảm họa. Điều gì sẽ xảy ra sau đó? THOẢ THUẬN VỚI NHỮNG KẺ BẮT NẠT Nếu như bạn có thể tự vệ hiệu quả khỏi kẻ bắt nạt hoặc những kẻ có hành vi xấu với bạn. Những bạn sẽ nói với chúng điều gì? Sự trở lại của bạn sau một thời gian sẽ khiến những kẻ từng làm bạn xấu hổ cảm thấy thế nào? TÌM KIẾM SỰ CAN

Digital Painting và Graphic Design là hai lĩnh vực mới được giới hoạ sĩ Việt Nam đặc biệt quan tâm. Song, không phải ai cũng phân biệt rạch ròi được hai lĩnh vực này. Việc hiểu biết thấu đáo về chuyên môn cũng như cơ hội nghề nghiệp của Digital painting và Graphic design sẽ giúp bạn chọn đúng nghề và trở nên giàu có với đam mê của mình. Digital Painting là gì? Digital Painting là một kĩ thuật vẽ, trong đó hoạ sĩ sử dụng công nghệ (máy tính, bảng vẽ, máy tính bảng,…) như một công cụ hỗ trợ. Nói cách khác, thay vì vẽ trên giấy như truyền thống, hoạ sĩ sẽ vẽ trực tiếp trên các thiết bị digital thông qua các phần mềm chuyên dụng như Photoshop, Clip Paint Studio, Procreate,… Sản phẩm của Digital Painting thường là tranh minh hoạ, truyện tranh, các bảng concept nhân vật, bối cảnh, storyboard,… Graphic Design là gì? Graphic Design là một chuyên ngành thuộc lĩnh vực thiết kế, trong đó hoạ sĩ kết hợp hình ảnh, chữ viết và ý tưởng một cách sáng tạo để truyền đạt thông tin.  Ngôn ngữ của Graphic Design là thiết kế. Sản phẩm của Graphic Design thường là logo, trang web, các ấn phẩm bao bì, nhãn hiệu,… Phần mềm chuyên dụng thường dùng là Adobe Illustration. Một nhà thiết kế đồ hoạ có mục tiêu duy nhất là truyền đạt thông điệp đến đối tượng mục tiêu, vì vậy sản phẩm của Graphic Design thường cô đọng, súc tích và mang tính thông tin cao. Xu hướng ứng dụng của Digital Painting và Graphic Design trong những năm tới Hoạ sĩ vẽ Digital Painting có thể tìm kiếm cơ hội nghề nghiệp ở các studio vẽ truyện tranh, hoạt hình, các nhà xuất bản, hoặc hoạt động độc lập ở cả thị trường Việt Nam và thế giới. Đặc biệt, bạn có thể làm việc tại các công ty game trong khâu thiết kế nhân vật, một lĩnh vực sáng tạo đang cực kỳ hot trong những năm gần đây Một nhà thiết kế đồ hoạ cũng có thể dễ dàng trở nên giàu có khi làm việc ở các agency quảng cáo, các công ty thiết kế web, nhận diện thương hiệu, hoặc nhận các dự án thiết kế độc lập. Nếu bạn yêu thích hội hoạ và muốn sáng tạo ra những sản phẩm mang tính cá nhân, đặc biệt ứng dụng nhiều về lĩnh vực ‘vẽ’’, Digital Painting sẽ là lựa chọn hoàn hảo để phát triển tương lai. Khác với Graphic Design đã có mặt trên thị trường từ rất lâu, Digital Painting hiện nay là một ngành nghề khá khát nhân lực, đặc biệt là tại thị trường Việt Nam.  Digital Painting và Graphic Design đều được đánh giá là hai lĩnh vực có triển vọng phát triển cao, nhất là trong thời đại mạng xã hội phát triển nhanh như hiện nay, bởi con người ngày càng có nhu cầu tiếp nhận thông tin một cách nhanh chóng và giàu tính thẩm mỹ. Không chỉ vậy, thế giới mở đã tạo ra cơ hội lớn cho các hoạ sĩ Digital Painting và các nhà thiết kế đồ hoạ hoạt động linh hoạt trên thị trường quốc tế mà không có bất kì một rào cản nào. Vì những lẽ đó, Digital Painting và Graphic Design thực sự là những lĩnh vực của tương lai mà những người trẻ đam mê hội hoạ và thiết kế cần nắm bắt. >> Xem thêm:  4 lý do để học Digital Painting Cơ hội việc làm cho các hoạ sĩ Digital Painting tại Việt Nam

Fujiko F Fuijo, Gosho Aoyama, Oda,… là những cái tên nổi danh trong làng hoạ sĩ truyện tranh thế giới với các tác phẩm nổi tiếng: Doraemon, Yaiba, Thám tử lừng danh Conan, One Piece. Vẽ truyện tranh với họ không chỉ là niềm vui, sở thích, mà còn là nghề nghiệp được xã hội công nhận và trân trọng. Hoạ sĩ truyện tranh, nghề cũ nhưng lạ lẫm trong nước Thời kì hoàng kim của truyện tranh Mỹ từ những năm 40s và sự lan toả đến Nhật Bản vào những năm 60s là một minh chứng cho lịch sử lâu đời và thành công rực rỡ của ngành công nghiệp truyện tranh trên toàn thế giới.  Tiếp nối sự thành công đó, kỉ nguyên 4.0 tiếp tục phát triển ngành truyện tranh đa dạng hơn với các thể loại truyện tranh đọc online như Webcomic và Webtoon. Ở nhiều quốc gia, hoạ sĩ truyện tranh được công nhận là một nghề, có trường đại học đào tạo và được cấp bằng cấp theo quy định của chính phủ. Song ở Việt Nam, hoạ sĩ truyện tranh vẫn là một nghề lạ lẫm với nhiều người. Truyện tranh đang là xu hướng và được ứng dụng ngày càng nhiều Sự bùng nổ của ngành truyền thông quảng cáo trong những năm gần đây đã trở thành đầu tàu kéo nhiều ngành liên quan cùng phát triển, trong đó có truyện tranh. Khái niệm truyện tranh trở nên phổ biến hơn, gần gũi hơn, và đặc biệt thể hiện tính ứng dụng cao hơn trong mọi lĩnh vực của đời sống như quảng cáo và giáo dục. Ngày nay, chúng ta có thể bắt gặp được nhiều hình ảnh truyện tranh xuất hiện trên các phương tiện truyền thông như mạng xã hội với mục đích quảng bá cho một sản phẩm hoặc dịch vụ nào đó. Ngoài ra, một số khác còn được ứng dụng trong việc truyền tải thông tin nhanh chóng và dễ hiểu như các chuyển thể nội dung từ MV ca nhạc sang truyện tranh cũng là một xu hướng đang phát triển gần đây. Nghề hoạ sĩ truyện tranh ở Việt Nam dù chưa dành được nhiều sự quan tâm và đầu tư như các nước phát triển, song đã bắt đầu manh nha tìm kiếm được cơ hội phát triển cho riêng mình. Kiếm sống bằng nghề vẽ truyện tranh Trong những năm gần đây, giới hoạ sĩ chứng kiến sự ra đời của hàng loạt trang web chuyên vẽ Webcomic, Social comic. Một tín hiệu đáng mừng là những hình thức truyện tranh này không ngừng nâng cao về mặt nội dung cũng như hình ảnh; các content được thể hiện bằng hình thức truyện tranh cũng trở nên hấp dẫn hơn; trên các tờ báo lớn, chuyên mục dành riêng cho truyện tranh được xây dựng. Chưa bao giờ, hoạ sĩ truyện tranh có nhiều cơ hội để làm việc và trở nên giàu có như hiện nay. Vẽ truyện tranh đang trên hành trình trở thành một chuyên ngành chính thức được xã hội công nhận. Hoạ sĩ truyện tranh có kĩ năng tốt hoàn toàn có thể trở nên thành công và nổi tiếng với niềm đam mê của mình. Comic Media Academy

Hiện nay Comic Strip đang là một trong những xu hướng phổ biến của ngành công nghiệp sáng tạo nói chung và lĩnh vực truyền thông – Marketing nói riêng.  Với những ưu điểm vượt trội về mặt tiếp cận: ngắn gọn, dễ nhớ, dễ hiểu, dễ lan tỏa, Comic Strip là một công cụ tuyệt vời khi bạn muốn truyền tải thông tin trực quan và thú vị. Comic Media Academy xin giới thiệu các bạn top 7 fanpage nổi tiếng nhất Việt Nam trong thể loại này. 1. Thỏ Bảy Màu Thỏ bảy màu là một trong những fanpage dẫn đầu làn sóng Comic Strip ở Việt Nam từ thời điểm năm 2014 cho đến nay. Với nhân vật chính là chú thỏ trắng cùng những phát ngôn cực kì khó đỡ, fanpage đã nhanh chóng đạt được sự yêu thích đông đảo của cư dân mạng. Tác giả của Thỏ Bảy Màu – Huỳnh Thái Ngọc chia sẻ, ban đầu anh chỉ đơn thuần học theo nguyện vọng của cha mẹ. Cho đến một ngày, anh cảm thấy rằng nếu thiếu vắng đam mê, công việc gì cũng trở nên thật vô vị, anh quyết định đi học vẽ và sáng tạo nên chú thỏ này để thể hiện những ý tưởng của mình trên mạng xã hội bằng những chuỗi truyện tranh. Tính tới tháng 12 năm 2020, fanpage Thỏ Bảy Màu là fanpage Comic Strip lớn nhất Việt Nam với hơn 2,5 triệu lượt thích và theo dõi. Với sự thành công của mình, Thỏ Bảy Màu là một trong những kênh thường xuyên nhận được đề nghị vẽ quảng cáo bằng Comic Strip từ các thương hiệu. Bên cạnh đó, đây cũng là fanpage chứng tỏ được sự năng động của mình khi phát triển thêm định dạng phim hoạt hình, chủ động sản xuất và hợp tác với một số thương hiệu để cho ra đời các sản phẩm thương mại rất được yêu thích như balo, mỹ phẩm, dụng cụ học tập, board game… 2. Quỳnh Aka Tiếp theo là một fanpage cũng vô cùng được yêu thích – Quỳnh Aka. Với thiết kế tạo hình đầu to, môi dày, chân lắm lông, đầu lại mọc mầm cây, đây là một nhân vật dễ dàng khiến người xem phì cười ngay từ cái nhìn đầu tiên. Đối lập với tính cách có phần ngang tàng của Quỳnh là nhân vật Cải hiền lành. Tuy thường xuyên cạnh khóe nhau, đôi vợ chồng hư cấu cũng có những màn thả thính ngọt ngào tới bất ngờ. Fanpage Quỳnh AKA ra đời vào năm 2016 do Lưu Thúy Quỳnh, một sinh viên trường Đại học Mỹ thuật Công Nghiệp Hà Nội sáng tạo ra. Cô vẽ những Comic Strip này để ghi lại cuộc sống, những câu chuyện, kỷ niệm, suy nghĩ hàng ngày của mình. Thúy Quỳnh muốn tạo dấu ấn riêng, khác biệt với những Fanpage khác nên sáng tạo ra nhân vật Quỳnh Aka có ngoại hình khó đỡ như vậy. Tính đến tháng 12 năm 2020, fanpage Quỳnh Aka đã đạt hơn 1,8 triệu người thích, gần 2,5 triệu lượt theo dõi. Tuy sở hữu lượt tương tác cao như vậy, nhưng tác giả của Quỳnh Aka cho biết rằng cô muốn hạn chế nhận quảng cáo hết mức có thể, cô không muốn nhân vật của mình vì thế mà mất chất đi. Vì lẽ đó, cô mở rộng thương hiệu của mình theo một hướng đi khác đó là hoạt hình trên Youtube, kênh Youtube này đã đạt được 1 triệu lượt đăng kí kênh vào ngày 21 tháng 4 năm 2020. 3. Thăng Fly Comics Tại thời điểm đầu năm 2017, những hình ảnh về chú rồng ngộ nghĩnh trang trí ở Hải Phòng đã trở thành chủ đề cho một phong trào chế ảnh được cộng đồng mạng hưởng ứng vô cùng nhiệt liệt, Thăng Fly – tên thật là Bùi Đình Thăng cũng là một trong số đó, anh quyết định lấy hình tượng chú rồng “thân rồng đầu Pikachu” này làm hình tượng nhân vật cho Comic Strip của mình, anh đặt tên nhân vật này là Pika Long. Với những chuỗi tranh ngắn về chú rồng trải qua những tình huống khó đỡ trong cuộc sống và lan tỏa những thông điệp cộng đồng, Pika Long đã nhận được rất nhiều sự yêu mến của cư dân mạng. Tháng 12 năm 2020, fanpage Thăng Fly Comics đã đạt được hơn 1,3 triệu lượt thích và theo dõi. Bên cạnh nhận vẽ quảng cáo trên fanpage, Thăng Fly còn phát triển các sản phẩm như truyện tranh, áo thun, gấu bông, móc chìa khóa mang hình ảnh Pika Long và còn ấp ủ kế hoạch cho các tác phẩm của mình đổ bộ vào thị trường Nhật Bản. 4. Bà Già Kêu Ca Lấy cảm hứng từ chính bản thân tác giả, Bà Già Kêu Ca là một fanpage Comic Strip chuyên đăng tải các chuỗi truyện tranh hài hước về một cô gái hay gặp phải với những điều phiền toái trong cuộc sống. Tác giả của fanpage này là Hải Anh – một designer tốt nghiệp khoa thiết kế nội thất Đại Học Xây Dựng Hà Nội. Được biết đến như một trang “từ điển của con gái, cảm hứng cho những mẩu truyện này được cô lấy từ những vấn đề thường ngày của con gái mà cô gặp phải như tăng cân, ăn mặc, tình cảm,…. Hải Anh cho biết, nhân vật cô gái trong tác phẩm được sáng tác dựa trên con người và tính cách của cô. “Bà già kêu ca” cũng là biệt danh những người bạn thân của cô trên công ty đặt. Từ những nét vẽ nghuệch ngoạc đầu tiên, cô tạo ra một nhân vật của riêng mình, mang bản sắc riêng của “Bà già” mà các fan của cô thường gọi. Tính đến

Vincent Van Gogh và câu chuyện về những tác phẩm Vincent Van Gogh (1853-1890) là một danh hoạ Hà Lan. Ông là nghệ sĩ tiên phong của trường phái biểu hiện và là người có ảnh hưởng lớn tới mỹ thuật hiện đại. Được vinh danh là thiên tài hội họa với những tác phẩm đắt giá bậc nhất thế giới nhưng ông đã sống một cuộc đời khó khăn đầy bi kịch, và chỉ được công chúng biết đến sau khi đã qua đời. Sử dụng tự họa như một cách thể nghiệm Trong suốt sự nghiệp của mình, Van Gogh đã thực hiện ít nhất 39 tác phẩm chân dung tự họa. Chỉ bằng cách vẽ gương mặt của mình, Van Gogh đã thể nghiệm nhiều phong cách và kỹ thuật khác nhau. Sự biến hóa ấy được thể hiện rất rõ trong suốt các tác phẩm tự họa của ông. Đằng sau mỗi bức tranh là một câu chuyện về cuộc đời của thiên tài hội họa, từ quyết định đi theo con đường hội họa cho tới cuộc chiến dai dẳng với căn bệnh trầm cảm. 10 năm sự nghiệp và khối lượng tác phẩm đồ sộ trị giá triệu đô Van Gogh bắt đầu vẽ tranh từ năm 27 tuổi và vẽ liên tục cho đến lúc qua đời ở tuổi 37. Trong suốt 10 năm sự nghiệp của mình, Van Gogh đã hoàn thiện hơn 2.100 bức tranh gồm 860 bức tranh sơn dầu và hơn 1300 bức vẽ, phác thảo và bản in màu nước nhưng phần nhiều trong số đó đã bị mất hoặc bị vứt đi. Chính mẹ của Van Gogh cũng đã vứt đi nhiều túi tranh của con trai. Trong số tranh của Van Gogh còn sót lại, có những tác phẩm về sau được xếp vào nhóm những bức họa đắt nhất thế giới như bức Hoa diên vĩ được bán với giá 53,9 triệu USD, Chân dung bác sỹ Gachet có giá 82,5 triệu USD. Chỉ bán được duy nhất 1 tác phẩm lúc sinh thời Nghịch lý là khi Van Gogh còn sống, không một ai biết đến ông. Gu thẩm mỹ người Paris lúc bấy giờ ưa chuộng những tác phẩm thuộc trường phái ấn tượng, đối lập với các tác phẩm của Van Gogh. Chính vì thế những bức tranh mà Van Gogh gửi về cho em trai đều không bán được. Lúc sinh thời, hai anh em Van Gogh chỉ bán được bức tranh duy nhất Red Vineyard at Arles (Vườn nho đỏ ở Arles).  Niềm say mê với màu vàng và hoa hướng dương Hoa hướng dương và màu vàng được sử dụng rất nhiều trong các tác phẩm của Van Gogh. Một số giả thuyết cho rằng việc này là do ảnh hưởng của các căn bệnh như đục thủy tinh thế, rối loạn lưỡng cực, ảnh hưởng của thuốc điều trị, khiến ông có thị giác bất thường và bị ám ảnh màu sắc. Đam mê và không ngừng vẽ Trong suốt cuộc đời mình, dù có khó khăn thế nào, Van Gogh chưa bao giờ ngừng đam mê vẽ, ông vẽ ngay trong khoảng thời gian điều trị mặc cho khủng hoảng tinh thần và đau đớn tột cùng vì bệnh tật. Ông thậm chí đã biến một căn phòng tại bệnh viện tâm thần trở thành xưởng vẽ của mình và đã hoàn thành tới 150 tác phẩm tại đó, bao gồm kiệt tác The Starry Night (Đêm đầy sao), và bức chân dung tự họa bi kịch nhất đời mình: Self-Portrait With a Bandaged Ear (Chân dung tự họa với một bên tai bị băng bó) Cuộc đời cô đơn đầy bi kịch Gần như cả cuộc đời Van Gogh phải chung sống với sự cô độc nghèo đói và đủ loại bệnh tật: tâm thần phân liệt, rối loạn chức năng, giang mai, ngộ độc màu vẽ, động kinh và rối loạn chuyển hoá porphyrine cấp tính. Thêm vào đó, phong cách sống kham khổ, ăn uống tằn tiện để dành tiền mua đồ vẽ, làm việc quá sức, mất ngủ và nghiện rượu khiến sức khoẻ của Van Gogh càng ngày càng đi xuống. Trước khi chết, trong một lần tranh cãi với người bạn Gauguin, ông còn tự cắt một bên tai trái của mình. Những năm cuối đời, ông tự nguyện vào điều trị tại bệnh viện tâm thần Saint-Paul-de-Mausole ở Provence, Pháp sau khi bị những người dân sống gần nhà đồng loạt viết đơn kiến nghị tố là kẻ nguy hiểm với xã hội. Ông qua đời khi chỉ mới 37 tuổi. Có nhiều tranh cãi xung quanh nguyên nhân cái chết của Van Gogh nhưng nhiều thông tin cho rằng ông đã tự sát bằng súng. >> Xem thêm: Ngoài Lust for life, các bạn có thể xem thêm Loving Vincent (2017), bộ phim hoạt hình đầu tiên trên thế giới sử dụng 65.000 bức tranh sơn dầu trên vải để tạo nên chuyển động trong phim. Những bức tranh sử dụng cùng một thủ pháp của chính Van Gogh nhằm mục đích để bộ phim như được kể lại bởi chính họa sĩ tài danh. Ngoài ra, 120 bức tranh kiệt tác của Vincent Van Gogh cũng được lồng ghép vào các cảnh phim. ————– (Thông tin được tổng hợp từ nhiều nguồn)

Tác phẩm Nụ hôn (The Kiss) của Nhà điêu khắc Pháp Auguste Rodin. Đây là một trong những biểu tượng nghệ thuật nổi tiếng nhất về tình yêu và tính dục, rất được yêu thích trong lịch sử nghệ thuật thế giới. Tác phẩm này ban đầu là một phần phù điêu trong thiết kế cổng bằng đồng mang tên “Cổng địa ngục” do chính phủ Pháp đặt hàng Rodin làm cho một bảo tàng nghệ thuật. Do kế hoạch bị lùi lại, năm 1886, Rodin quyết định biến phần hoạ tiết trang trí này thành một tác phẩm độc lập. Ban đầu Rodin đặt tên cho bức tượng này là Francesca da Rimini, theo tên Francesco, nhà quý tộc nữ Italy thế kỷ 13 đã được bất tử hóa trong Thần khúc của Dante. Bà đã yêu em trai chồng mình và bị chính người chồng phát hiện. Ông ta đã giết cả hai người khi họ đọc sách cùng nhau. Trong tác phẩm điêu khắc, có thể thấy cuốn sách trên tay Paolo và đặc biệt, đôi môi của cặp tình nhân không thực sự chạm vào nhau. (Mặc dù tên tác phẩm là Nụ hôn!) Trong cuộc đời của Auguste Rodin, có tới hơn 300 phiên bản lớn nhỏ, với các chất liệu khác nhau của “The Kiss”, nhưng chỉ có ba phiên bản được làm bằng đá cẩm thạch với kích cỡ lớn hơn kích cỡ người thật: 1 bản đầu tiên hiện đang được trưng bày tại Bảo tàng Rodin, 1 bản làm cho chính phủ Pháp (hiện đang được đặt ở công viên Tuileries) và 1 bản làm cho Edward Perry Warren. Năm 1900, nhà sưu tầm nghệ thuật đồng tính nổi tiếng Edward Perry Warren đã trả 20.000 Franc, đặt hàng Rodin làm một phiên bản giống hệt bản gốc của “The Kiss” kèm thêm điều kiện khắc họa rõ ràng hơn phần bộ phận sinh dục của người đàn ông. Sau khi hoàn thành vào năm 1904, tác phẩm được đưa đến tư dinh của Warren tại East Sussex (Anh). Thế nhưng, do kích cỡ quá lớn không thích hợp để trưng bày, phiên bản này đã bị cất vào kho trong một thời gian dài. Năm 1914, Warren đem “The Kiss” cho Toà thị chính thị trấn Lewes mượn trưng bày. Tuy nhiên, người dân nơi đây cho rằng, những gì được miêu tả quá trần trụi, có thể châm ngòi cho những hành vi xấu và quyết định dựng rào chắn xung quanh, thậm chí còn dùng vải che phủ bức tượng. Phải đến tận năm 1953, “The Kiss” của Warren mới được hệ thống Bảo tàng Tate của Anh mua lại và trở thành một trong những hiện vật được ưa thích nhất. Trải qua hơn nửa thế kỷ, kiệt tác của Rodin lại một lần nữa gây sóng gió tại Anh khi vào năm 2003, nữ nghệ sĩ Cornelia Parker, trong cuộc triển lãm Tate Triennial đã quyết định quấn dây vài vòng quanh bức tượng. “Tôi cảm thấy, cho dù là tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất của Tate, “The Kiss” quả thực có hơi nhàm chán. Tôi muốn làm sống lại những gì tác phẩm này muốn biểu hiện: Đó là các mối quan hệ có thể thực sự đau đớn, chứ không chỉ là cảm giác lãng mạn. Vì thế, sợi dây tượng trưng cho sự phức tạp trong tình yêu”, Parker giải thích về ý tưởng của mình. Tất nhiên, không phải tất cả mọi người đều đồng ý với bà. Bên cạnh một loạt những bài báo chê bai, một số khách tham quan bảo tàng thậm chí còn đem theo kéo xén cỏ và lén cắt đứt dây trước khi bị lực lượng an ninh phát hiện. (Thông tin được tổng hợp từ nhiều nguồn) Comic Media Academy

Tại Việt Nam, khi nghe đến sản xuất phim Hoạt hình thì rõ ràng đây còn là một lĩnh vực khá mơ hồ đối với nhiều bạn trẻ và kể cả các bậc phụ huynh. Cứ ngỡ rằng đây chỉ là một ngành nghề chỉ mạnh tại các nước phát triển như xứ sở Hollywood ở Mỹ hoặc thiên đường anime Nhật Bản; nhưng thực chất, Việt Nam lại là đất nước vô cùng tiềm năng đào tạo ra nguồn nhân lực chất lượng cao phục vụ cho ngành công nghiệp này đấy nhé! Đặc biệt hơn, hiện tại, không quá khó để các bạn sinh viên theo đuổi chuyên ngành Hoạt hình tốt nghiệp hoặc đang học có thể tìm thấy các studio đang tuyển dụng. Khác với những ngành học truyền thống, Hoạt hình là một ngành ‘khát’ lao động nhưng nhu cầu lại cực kỳ cao. Chính vì thế, dù chưa có nhiều cơ sở đào tạo chính quy chuyên ngành này nhưng khá nhiều bạn trẻ vẫn theo đuổi và gặt hái được nhiều thành công cho riêng mình. Ngành Hoạt hình tại Việt Nam đang phát triển rất mạnh Trong những năm gần đây, hòa cùng làn sóng khởi nghiệp, ngày càng nhiều các studio hoạt hình Việt Nam dần dần “bước ra ánh sáng”. Nếu như trước đây khi nhắc đến phim hoạt hình, phần đông chỉ nghĩ đến các bộ ‘tường thành’ như Doraemon hoặc Tom & Jerry nhưng những năm gần đây hoạt hình Việt Nam cũng đã có những tác phẩm riêng của nước nhà đến từ các studio ‘nội địa’. Tuy còn nhiều hạn chế, nhưng ngày càng nhiều studio tham gia vào phân khúc 2D & 3D Animations. Thậm chí, nhiều doanh nghiệp vốn chỉ chuyên về thiết kế đa phương tiện cũng đã nhận thấy tiềm năng và mở rộng lĩnh vực kinh doanh sang lĩnh vực này. Có thể thấy, theo nguyên lý cung cầu của kinh tế thị trường, thì rõ ràng lĩnh vực hoạt hình tại Việt Nam có chỗ đứng và có nhiều tiềm lực phát triển, và tất nhiên, vẫn đang chiếm một thị phần nhỏ. Ứng dụng của Hoạt hình và triển vọng nghề nghiệp Nếu như trước đây nhắc đến phim hoạt hình người ta thường nghĩ đó là thể loại dành cho thiếu nhi thì ngày nay nhiều người trưởng thành cũng là fan “ruột”. Nhiều bộ phim hoạt hình của thế giới ra rạp và đạt doanh thu đến hơn 1 tỉ đô la Mỹ, không thua một phim hành động, tình cảm, hay khoa học viễn tưởng hấp dẫn. Với vai trò của một nhà sản xuất phim hoạt hình, học viên sẽ tự tạo nên những hình ảnh động bằng cách “thổi” linh hồn vào nhân vật, giúp chúng có thể đi đứng, nói chuyện và hành động. Các khóa học sản xuất hoạt hình còn chỉ dẫn học viên chọn lựa chương trình phần mềm biên tập thích hợp, cách tạo hình ảnh, hiệu ứng âm thanh, và tái hiện cuộc sống trên màn ảnh. Chính vì sự năng động và sáng tạo trong học và làm, Hoạt hình đã thu hút được đông đảo bạn trẻ ‘dấn thân’ vào chuyên ngành này. Không những thế, ‘đầu ra’ rộng mở cũng là một điểm sáng khiến Hoạt hình trở thành ‘miếng mồi ngon’ trong mắt các bạn sinh viên. Bên cạnh việc sản xuất hoạt hình đơn thuần, một hoạ sĩ kể chuyện còn có thể sản xuất nội dung và hình ảnh trong lĩnh vực công nghệ game, thiết kế, quảng cáo, y học, giáo dục… Việt Nam hiện nay còn khá ít cơ sở đào tạo chuyên nghiệp chuyên ngành Hoạt hình. Hầu hết các trung tâm đều có chương trình riêng biệt và đều tạo điều kiện tốt nhất để học viên được rèn luyện các kỹ năng từ cơ bản đến chuyên sâu và tiếp cận các công nghệ hiện đại nhất. Tại Comic Media Academy Việt Nam, chuyên ngành Hoạt hình được xây dựng độc quyền đào tạo ‘từ con số 0’ và bảo đảm học viên có đủ kiến thức và chuyên môn và kiến thức để làm việc tại các doanh nghiệp hoặc độc lập. Đặc biệt, trong quá trình học tập, các bạn học viên có cơ hội cộng tác và làm việc với hệ thống studio của Viện và kiếm thêm thu nhập. >> Xem thêm: Khoá học hoạt hình chuyên nghiệp tại CMA

Moses (1513-1515) là một tác phẩm điêu khắc nổi tiếng của hoạ sĩ, nhà điêu khắc tài hoa thời Phục Hưng Michelangelo Buonarroti, được đặt tại nhà thờ San Pietro ở Vincoli, Rome. Xung quanh tác phẩm này có rất nhiều điều thú vị. Một giai thoại nổi tiếng cho rằng, sau khi hoàn thành xong bức tượng Moses, Michelangelo đã đập mạnh búa vào đầu gối bức tượng, kêu lên: “Sao ông không nói chuyện với tôi?”. Âu cũng bởi, bức tượng Moses giống thật quá. Bức tượng Moses còn sở hữu một điểm khá không liên quan: một cặp sừng. Nguyên nhân được cho là bản dịch Kinh Thánh từ tiếng Do Thái sang tiếng La Tinh bị sai. Từ “chói lọi” trong tiếng Do Thái có vẻ như đã bị hiểu nhầm thành “sừng” trong tiếng Ý, và thế là tượng Moses sở hữu một cặp sừng rất đẹp, nhưng chẳng liên quan gì. Bên cạnh phần tóc là chi tiết rất khó để thể hiện trong điêu khắc cũng trở nên mềm mại uyển chuyển đến khó tin thì ở phần cánh tay giữ những viên đá ghi Mười điều răn và giữ bộ râu dài bóng mượt, Michelangelo đã khắc họa tỉ mỉ phần cơ nhỏ ở cánh tay, chỉ xuất hiện khi bạn nhấc ngón út lên. Điều này thể hiện sự quan sát rất tinh tế của ông khi thực hiện tác phẩm.  (Thông tin được tổng hợp từ nhiều nguồn)

Artbook này là tác phẩm phái sinh mới nhất về Truyện Kiều của tác giả Cao Nguyệt Nguyên và 12 họa sĩ. Đây là một là một nỗ lực đáng được ghi nhận có thể xem là dấu ấn khép lại năm kỷ niệm 200 năm ngày thi hào Nguyễn Du tạ thế (1820 – 2020). Cũng là một tác phẩm thể hiện sự sáng tạo đầy táo bạo của các tác giả khi tiếp cận một chủ đề quen thuộc. Trong tác phẩm này các tác giả vừa sử dụng tranh vẽ để khắc họa hình ảnh 12 nhân vật, vừa nhập vai từng nhân vật để nói lên tâm sự của mình, bao gồm: Thúy Vân, Đạm Tiên, Kim Trọng, Mã Giám Sinh, Tú Bà, Sở Khanh, Thúc Sinh, Hoạn Thư, Từ Hải, Hồ Tôn Hiến, Giác Duyên và cuối cùng là Thúy Kiều. 12 nhân vật này được 12 họa sĩ, nhóm họa sĩ minh họa lại bằng những bức tranh sinh động, với góc nhìn táo bạo và hiện đại. Những nhân vật được thể hiện độc đáo, đầy biến hóa vừa trung thành với nguyên tác nhưng cũng có nét đột phá riêng. Xâu chuỗi tất cả câu chuyện tự thuật và tranh minh họa trong Truyện Kiều tự kể, người đọc có được một phiên bản Truyện Kiều bằng ngôn ngữ của nhân vật và đường nét, sắc màu. Các nhân vật trong tác phẩm dường như vượt ra khỏi đường biên không gian và thời gian để tiếp cận đến độc giả hiện đại theo cách hoàn toàn mới. Tác phẩm do NXB Kim Đồng phát hành dày 140 trang được in màu toàn bộ. 12 họa sĩ minh họa tham gia tác phẩm gồm Hoàng Giang, Thùy Dung, Khang Lê, Vườn Illustration, Lê Đức Hùng, Tuấn Thanh, Nikru, Khoa Lê, Tôn Nữ Thị Bích Trâm, Nguyễn Hoàng Dương, Cù Quyên và KAA Illustration. Cre: tuoitre, NXB Kim Đồng, zingnews  

Tham gia các lớp học vẽ là một phương pháp giúp các bé thiếu nhi phát triển khả năng hội hoạ và sáng tạo. Đặc biệt, các khoá học vẽ truyện tranh thiếu nhi đang là điểm sáng khác biệt thu hút nhiều phụ huynh với những ưu điểm vượt bậc so với các khoá học vẽ truyền thống. Cùng CMA tham khảo các lợi ích bé có thể học được chỉ khi vẽ truyện tranh nhé. 1/ Học vẽ truyện tranh gần gũi với tuổi thơ bé Từ khi còn nhỏ, bé đã quen thuộc với những cuốn truyện tranh giải trí như Doraemon hoặc cả những cuốn sách ảnh và cả những bộ phim hoạt hình kinh điển như Tom & Jerry đã khiến truyện tranh và hoạt hình là những thể loại mà bất kì trẻ em nào cũng yêu thích. Học vẽ truyện tranh vì thế được xem là một hoạt động vừa học vừa giải trí, vì liên kết được với sở thích của bé. Cũng vì lí do đó, bé sẽ tiếp thu kiến thức một cách nhẹ nhàng, vui vẻ, không hề áp lực. 2/ Bé phát huy tối đa khả năng sáng tạo khi học vẽ truyện tranh Khác với các lớp học vẽ truyền thống thường giới hạn ở việc vẽ theo mẫu hoặc chép tranh và tập tô màu trên tranh có sẵn; tại lớp vẽ truyện tranh thiếu nhi, bé được học cách để thiết kế ra nhân vật của riêng mình với kiểu tóc và trang phục riêng biệt. Từ đó, bé có thể phát huy trí sáng tạo và tự do tạo ra một hình mẫu mang định nghĩa ‘cá nhân’ chứ hoàn toàn không phải ‘sao chép’ từ một ví dụ nào khác. Không chỉ thế, bé còn được học khái niệm cơ bản về cảm xúc màu, từ đó sử dụng màu sắc như một công cụ để nói lên suy nghĩ và cảm xúc của mình. 3/ Bé được học khái niệm bố cục Vẽ truyện tranh yêu cầu khả năng tư duy về bố cục tổng thể, ở cấp độ thiếu nhi, bé sẽ được giới thiệu một số phương pháp trình bày bố cục cơ bản phù hợp với độ tuổi. Kĩ năng này không chỉ giúp bé trong việc vẽ truyện tranh, mà còn trong cuộc sống hàng ngày như: sắp xếp bàn học, phòng ngủ hợp lý. Hơn thế nữa, khi lớn bé sẽ tiếp xúc với các khái niệm hình học, hiểu qua bố cục cơ bản từ việc vẽ truyện tranh giúp bé nhanh tiếp thu và học tốt hơn. 4/ Bé bày tỏ được ý nghĩ thông qua vẽ truyện tranh Điều đặc biệt ở các lớp vẽ truyện tranh cho thiếu nhi là bé không chỉ được học vẽ mà còn được học cách kể chuyện truyền tải thông điệp rõ ràng. Khác với vẽ tranh đơn thuần, truyện tranh chú trọng yếu tố kể chuyện; với phương pháp kể chuyện 3 hồi và xây dựng lời thoại, bé cải thiện được khả năng ngôn ngữ, thể hiện những gì mình muốn chia sẻ với mọi người. Vì thế, học vẽ truyện tranh là một lựa chọn phù hợp cho trẻ em đang ở độ tuổi phát triển về ngôn ngữ, đặc biệt là các bé nhút nhát. 5/ Học vẽ truyện tranh ở đâu tốt? Ở TP. Hồ Chí Minh, Comic Media Academy tự hào là đơn vị tiên phong dạy vẽ truyện tranh cho thiếu nhi từ 8-14 tuổi. Với chương trình độc quyền tại Việt Nam cùng kinh nghiệm hơn 5 năm đào tạo vẽ truyện tranh cho thiếu nhi, bé sẽ có sản phẩm ngay sau khóa học, lộ trình từ cơ bản đến nâng cao. Ngoài ra, Comic Media Academy còn khai giảng lớp vẽ truyện tranh Online phù hợp với các bé ở xa. Lớp vẽ truyện tranh thiếu nhi Manga – Comic cơ bản: Đối tượng: các bé từ 8 – 14 tuổi Thời gian học: Thứ 7 và chủ nhật hàng tuần Khung giờ: 9:00 – 11:00; 14:00 – 16:00; 16:30 – 18:30 Địa điểm học: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TP.HCM 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q.Phú Nhuận, TP.HCM Đăng ký: https://cmavn.org/lop-day-ve-truyen-tranh-manga-comic/ Nhận đăng ký và khai giảng thường xuyên

Ngày nay, Comic Strip trở thành một cụm từ phổ biến, đặc biệt trong giới vẽ truyện tranh, tuy nhiên không phải ai cũng hiểu rõ về comic strip. CMA gửi đến bạn bài viết về comic strip và ứng dụng rộng rãi của hình thức truyện tranh này trong thời đại hiện nay. Comic Strip là gì, khác truyện tranh như thế nào? Comic Strip được xuất hiện đầu tiên ở phương Tây, trên các tờ báo địa phương, bao gồm những hình minh hoạ được vẽ liên hoàn trong các khung chữ nhật đơn giản kèm thoại chú thích. Được sử dụng đầu tiên với mục đích châm biếm có tính kể chuyện và giới hạn về khung, song với đặc điểm ưu việt về truyền tải thông tin, comic strip được tập hợp lại để in thành sách truyện tranh. Như vậy, có thể hiểu đơn giản rằng comic strip chính là hình thức khởi nguyên của truyện tranh hiện nay. Comic Strip được ứng dụng thế nào trong truyền thông? Thời đại bùng nổ thông tin, comic strip một lần nữa quay lại rực rỡ và thể hiện ưu điểm tuyệt đối trong việc truyền đạt thông tin bằng cả hình ảnh và ngôn ngữ. Các fanpage truyện tranh như: Đầm Lầy, Bà Già Kêu Ca, Thỏ Bảy Màu,… trở thành một kênh giải trí, cập nhật thông tin yêu thích của giới trẻ. Chưa bao giờ, comic strip xuất hiện trên các trang mạng xã hội, quảng cáo, sách với tần suất dày đặc như hiện nay, điều đó một lần nữa khẳng định kỉ nguyên vàng của hình thức truyện tranh comic strip. Học vẽ comic strip ở đâu? Comic Strip có mối quan hệ gần gũi với truyện tranh, chính vì vậy, học vẽ comic strip chính là học vẽ và phân khung truyện tranh phù hợp với việc đăng tải trên các thiết bị và phương tiện truyền thông hiện nay. Với kinh nghiệm hơn 5 năm đào tạo lĩnh vực truyện tranh ngắn hạn và chuyên nghiệp, Comic Media Academy giới thiệu đến các bạn khoá học comic strip ngắn hạn trong vòng 12 buổi. Là lớp học vẽ truyện tranh buổi tối, khoá comic strip phù hợp với những bạn làm việc trong lĩnh vực truyền thông, bạn yêu thích vẽ truyện tranh, và cả những bạn bận rộn nhưng yêu thích hình thức truyện tranh thú vị này. THÔNG TIN KHÓA HỌC COMIC STRIP Thời lượng: 12 buổi, 3 buổi/tuần (2-4-6 hoặc 3-5-7) Thời gian học: 18:30 – 21:00 Địa điểm: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q. Phú Nhuận, TP.HCM Nhận đăng ký và khai giảng thường xuyên

Bạn đam mê việc vẽ vời hội hoạ nhưng vẫn còn quá nhiều rào cản và luôn băn khoăn trong việc theo đuổi đam mê? Bạn theo dõi nhiều hoạ sĩ trên mạng xã hội; thậm chí đã từng xem rất nhiều video hướng dẫn vẽ digital trên YouTube; có bạn lại đầu tư cả bảng vẽ riêng cho mình để tha hồ vẽ. Vậy tại sao phải tốn nhiều thời gian tìm hiểu mà lại không chính thức theo đuổi Digital Painting ngay hôm nay? Cùng Comic Media Academy Việt Nam khám phá 4 lý do theo học Digital Painting là quyết định sáng suốt nhé. Digital Painting tiện lợi kinh tế hơn vẽ tranh truyền thống Một sự thật ai cũng phải công nhận là các phương tiện nghệ thuật truyền thống tốn rất nhiều tiền khi phải đầu tư vào những bộ cọ, các loại sơn, giá vẽ và cả giấy vẽ. Chưa kể, hầu hết các vật liệu này đều phải được tái cung cấp sau khi hoàn thành mỗi bức tranh. Còn đối với vẽ tranh kỹ thuật số, Digital Painting, những thứ bạn cần bao gồm ‘bộ sậu’: máy tính, bảng vẽ chuyên dụng và bút cảm ứng, một phần mềm có bản quyền như Adobe Photoshop với giá thấp nhất là $9.99/tháng. Đặc biệt là bạn luôn có thể tái sử dụng những dụng cụ này qua nhiều năm chứ hoàn toàn không hề tính theo đơn vị từng bức tranh. Nếu muốn dấn thân vào lĩnh vực hội hoạ nhưng lại bị hạn chế về ngân sách thì Digital Painting chính là lựa chọn kinh tế cho bạn khi chỉ đầu tư tất cả một lần duy nhất từ ban đầu nhé. Tranh kỹ thuật số dễ chia sẻ và khám phá hơn tranh truyền thống Đưa tác phẩm của bạn đến công chúng không chỉ quan trọng vì nó giúp bạn tìm được khách hàng mà còn là một cách tuyệt vời để duy trì động lực. Và với việc chia sẻ trên các cộng đồng, bạn sẽ nhận được phản hồi và phê bình giúp bạn phát triển nhanh hơn với tư cách là một nghệ sĩ. Tranh kỹ thuật số cũng giúp bạn thao tác dễ dàng hơn trong công việc chia sẻ và lưu trữ khi không còn lo lắng về việc chụp ảnh trong studio hoặc tìm một máy quét khổ lớn để quét các bức tranh lớn. Mọi thứ trở nên đơn giản hơn khi chỉ lưu lại khi bức tranh đã hoàn thành và tải nó lên và cũng không sợ có những thay đổi về màu sắc và chi tiết trong quá trình này. Digital Painting dễ di động và ít lộn xộn Nếu đã vẽ qua tranh truyền thống, bạn có thể đã làm hỏng sàn nhà hoặc chiếc áo yêu thích của mình do vô tình dính một chút sơn màu lên đó. Ngay cả khi bạn đã cẩn thận đủ để tránh những điều này, bạn vẫn không thể phủ nhận rằng đôi khi bạn ước mình có thể bỏ qua phần mà bạn phải dọn dẹp đống lộn xộn mà bạn đã tạo ra sau mỗi dự án. Nếu bạn luôn yêu thích nghệ thuật nhưng ghét sự lộn xộn mà bạn phải dọn dẹp sau mỗi dự án – thì vẽ tranh trên máy là hoạt động tốt nhất dành cho bạn. Vẽ tranh trên máy không yêu cầu bạn dán nhiều lớp báo cũ lên sàn nhà. Các công cụ vẽ tranh kỹ thuật số rất gọn gàng và không lộn xộn, bạn thậm chí không cần thiết lập một studio riêng biệt. Sử dụng bảng vẽ chuyên dụng và máy tính, bạn có thể tạo ra các tác phẩm nghệ thuật tuyệt vời ở bất cứ đâu. Digital Painting mang lại nhiều cơ hội nghề nghiệp hơn Vẽ tranh truyền thống tuy rất thú vị và đi kèm với nhiều danh tiếng, nhưng nó có thể rất khó kiếm sống. Mặt khác, vẽ tranh kỹ thuật số cung cấp nhiều lựa chọn nghề nghiệp hơn. Bạn có thể bắt đầu kiếm tiền bằng cách làm các dự án tự do, dần ổn định và xây dựng danh tiếng của mình bằng cách làm việc cho khách hàng trên khắp thế giới. Hầu hết khách hàng thích cộng tác với các hoạ sĩ vẽ tranh kỹ thuật số hơn các hoạ sĩ truyền thống họ làm việc nhanh hơn và sẵn sàng chỉnh sửa tác phẩm của họ hơn. Ngoài ra, bạn cũng có thể ‘rẽ hướng’ sang lĩnh vực phim và trò chơi bằng cách trở thành hoạ sĩ ý tưởng, concept artist. Nhìn chung, vẽ tranh kỹ thuật số Digital Painting tiện lợi và hiện đại nhưng cũng không dễ dàng và có nhiều thách thức. Tuy nhiên, tất cả đều có thể vượt qua nếu bạn được trang bị các công cụ và kiến thức phù hợp. Tại Comic Media Academy Việt Nam, học viên khoá Digital Painting được đào tạo các kỹ năng từ cơ bản đến nâng cao và có thể hành nghề ngay sau khi tốt nghiệp. Ngoài ra, học viện còn trang bị bảng vẽ chuyên dụng hiện đại nhất tạo điều kiện cho các bạn làm quen với công nghệ và không phải trang bị gì thêm khi tham gia lớp học và có các khung giờ linh hoạt cho nhiều đối tượng. >> Xem thêm:  Digital Painting: Khái niệm và những gì bạn cần biết >> Xem thêm: Địa điểm học Digital Painting chuyên sâu từ A-Z

Bản thân tôi là một hoạ sĩ đã được trải nghiệm cả hai phương thức sáng tạo bao gồm: vẽ truyền thống và vẽ kỹ thuật số, tuy nhiên để đưa ra quyết định rằng hình thức nào tốt hơn thì quả thật  không dễ dàng. Digital Art (vẽ kỹ thuật số) kể từ khi ra đời đến nay đã có rất nhiều bước tiến và cải thiện đáng kể khiến nó ngày càng trở thành đối thủ nặng ký nhất đối với các hình thức sáng tạo truyền thống. Thế nhưng, như mọi phương tiện khác, vẽ kỹ thuật số cũng có những ưu và nhược điểm mà bạn cần  lưu ý trước khi thực sự lựa chọn hình thức sáng tạo phù hợp  cho mình.  * Ưu điểm:  1/ Thời gian sáng tạo sẽ được rút ngắn một cách đáng kể. Ví dụ khi bạn muốn vẽ một bức tranh màu nước, bạn sẽ cần rất nhiều công cụ như: giấy vẽ, nước, màu, các loại cọ, khăn giấy,… Thế nên, để vẽ một bức tranh màu nước, cần trải qua rất nhiều bước chuẩn bị và khó khăn hơn hết chính là duy trì chất lượng của họa cụ và sản phẩm cuối cùng. Trong khi đó, vẽ kỹ thuật số sẽ giúp bạn loại bỏ đi những lo âu như màu của bạn sẽ không còn giữ được màu sắc ban đầu sau nhiều lần nhúng qua nước, hay  việc lỡ tay làm rơi cọ lên bức tranh đang vẽ. Mọi thứ bạn cần đã được cài đặt sẵn trong các phần mềm và bạn chỉ cần thích nghi với việc “dán mắt” vào màn hình máy tính mà thôi. Thêm vào đó, vẽ kỹ thuật số, giúp bạn chỉnh sửa trực tiếp tác phẩm của mình trên màn hình máy tính trước khi đem đi xuất bản.  2/ Vẽ bằng kỹ thuật số mang đến khả năng chỉnh sửa tốt hơn rất nhiều so với hình thức truyền thống. Chẳng hạn, khi bạn vô tình có một nét vẽ không ưng ý, bạn chỉ cần bấm tổ hợp phím Ctrl + Z hoặc nhấn nút Undo, là bạn đã có thể  vẽ lại.  Nghệ thuật truyền thống thì lại không hề đơn giản như thế, mọi đường nét bạn vẽ lên giấy, vải hay gỗ, ít nhiều vẫn sẽ bám lại trên bề mặt ấy mà không biến mất hoàn toàn. Nói cách khác, không có nhiều chỗ dành cho những sai lầm khi vẽ theo cách truyền thống.  3/ Vẽ bằng kỹ thuật số còn giúp bạn sao chép vô tận các sản phẩm của mình với độ chính xác cực cao. Có thể nói, đây là một công cụ đắc lực của ngành công nghiệp xuất bản, khi mọi bản sao đều trông giống nhau từng li từng tí mà không hề bị ảnh hưởng bởi các yếu tố bên ngoài.  4/ Cuối cùng, hình thức vẽ bằng kỹ thuật số mang đến những tiềm năng vô tận cho người làm sáng tạo. Ngày nay, các phần mềm hỗ trợ đã mang đến những “kho tàng” công cụ, mà bạn có thể sẽ chẳng bao giờ khám phá hết những chức năng mà chúng mang đến. Tóm gọn lại, nghệ thuật sáng tạo bằng kỹ thuật số có thể tạo ra những thứ mà nghệ thuật truyền thống sẽ phải mất rất nhiều thời gian và công sức, hoặc thậm chí là không bao giờ có thể làm được.  * Nhược điểm:  1/ Trớ trêu thay, một trong những ưu điểm của vẽ kỹ thuật số lại chính là nhược điểm của hình thức sáng tạo này, đó  là khả năng sao chép vô số bản sao với độ chính xác tuyệt đối. Nhiều người cho rằng, các tác phẩm được thực hiện bằng kỹ thuật số có thể xuất hiện ở bất kỳ đâu, theo cách giống hệt nhau, khiến họ có cảm giác rằng chúng không phải là một tác phẩm nghệ thuật thực thụ, vì không có một bản gốc nào, thứ mà họ có thể chạm vào và cảm nhận. Việc in ra  nhiều bản sao cũng không đem lại cảm giác như một tác phẩm được vẽ bằng tay. Và trên hết, điều này cũng có nghĩa  việc “đánh cắp” chất xám của người khác và vi phạm những nguyên tắc của luật bản quyền cũng dễ dàng xảy hơn.  2/ Khả năng dễ dàng tẩy xoá và chỉnh sửa của vẽ kỹ thuật số cũng bị xem là  một nhược điểm vì nó đòi hỏi ít kỹ năng sáng tạo nghệ thuật hơn. Trong đa số các tình huống thì điều này là không đúng, vì những  họa sĩ  kỹ thuật số (Digital Artist) cũng cần phải thành thạo những kỹ năng vẽ truyền thống và cảm nhận nghệ thuật để có thể sáng tạo, nhưng đáng buồn thay, luận điểm trên đôi khi là đúng vì những sản phẩm của những họa sĩ truyền thống rõ ràng đòi hỏi nhiều thời gian, kỹ năng và công sức hơn rất nhiều.  3/ Việc có thể sáng tác trong thời gian ngắn cũng là một nhược điểm của vẽ kỹ thuật số, vì nó đã tước đi những cảm giác “kì diệu” và chân thực khi làm việc trên một bức tranh hoặc một bức vẽ bằng tay. Khi vẽ bằng hình thức truyền thống, bạn đang thực sự tạo ra một thứ gì đó hữu hình, thực tế với những thiếu sót. Quá trình tạo ra một sản phẩm mới chính là lúc điều thần kì xảy ra, khiến tác phẩm có hồn. Sự “không hoàn hảo” là thứ khiến những tác phẩm nghệ thuật truyền thống quyến rũ và đáng giá.  4/ Vẽ kỹ thuật số mang lại những tiềm năng vô tận, nhưng một người họa sĩ vẫn cần có  trí tưởng tượng và đầu óc sáng tạo mới có thể sử dụng được những

Thật hoàn hảo nếu bạn có thể thưởng thức những bộ anime kinh dị để gia tăng không khí cho đêm hội Halloween phải không nhỉ? Sau đây là 4 tác phẩm anime kinh dị ít người biết đến nhưng chắc chắn sẽ khiến bạn phải sởn gai ốc! Yếu tố kinh dị và anime quả thực là một cặp bài trùng. Anime chính là phương tiện để hiện thực hoá mọi thứ, từ những tên sát nhân khát máu cho đến những cơn ác mộng làm xoay chuyển bản chất của thực tại. Ngoài sự thành công rực rỡ của chuỗi phim đình đám Higurashi, còn có rất nhiều tác phẩm kinh dị khác mà khán giả ít biết đến. Không chần chừ thêm nữa, sau đây chúng tôi sẽ giới thiệu cho bạn 4 bộ anime kinh dị “độc lạ” sẽ khiến đêm Halloween năm nay của bạn trở nên cực kì ma quái. MONONOKE Khác với tác phẩm Công chúa Mononoke huyền thoại của đạo diễn trứ danh Hayao Miyazaki, Mononoke được sản xuất bởi Toei Animation và phát sóng vào năm 2007. Là chuỗi phim spinoff của bộ anime Ayakashi: Samurai Horror Tales được phát sóng vào năm 2006. Tuy nhiên, bạn không nhất thiết phải xem Ayakashi để có thể thưởng thức Mononoke. Cốt truyện theo chân một nhân vật vô danh, kẻ được biết đến với cái tên the Medicine Seller (Dược Phu) trên hành trình săn lùng Mononoke, những linh hồn hắc ám tồn tại từ việc hấp thụ những cảm xúc tiêu cực của con người. Tuy nhiên, hành trình của the Medicine Seller không đơn giản chỉ là “tìm và tiêu diệt”. Trước khi có thể thực hiện nghi lễ trừ tà, the Medicine Seller phải biết được 3 điều về mỗi Mononoke : hình dáng, sự thật và động cơ tồn tại của chúng là gì. Sau khi nắm được những kiến thức đó, the Medicine Seller có thể sử dụng thanh kiếm của anh để tiêu diệt những linh hồn hắm ám đấy. The Medicine Seller sẽ phải đối mặt với tất cả 5 hồn ma khác nhau trong suốt hành dài 12 tập phim của anh, với mỗi cuộc chạm trán kéo dài từ hai đến ba tập. Vào thời điểm mới được ra mắt, phim đã nhận được nhiều lời tán dương vì những kỹ xảo hoạt hình kỹ thuật số mà các nhà làm phim đã sử dụng. Với phong cách nghệ thuật lấy cảm hứng từ những tác phẩm nghệ thuật cổ xưa của Nhật Bản, cộng với việc sử dụng màu sắc vô cùng khéo léo đã khiến trải nghiệm của khán giả trở nên cực kỳ mãn nhãn. Nhưng, chính những bản chất lạ kỳ và khác thường của những hồn ma mới chính là nét đặc trưng và độc đáo của bộ phim này. LE PORTRAIT DE PETIT COSSETTE Le Portrait De Petit Cossette là một serie phim OVA, theo chân một chàng sinh viên nghệ thuật trẻ tuổi tên Eiri Kurahashi. Khi đang làm việc tại một cửa hiệu bán đồ cổ, Eiri đã phát hiện ra hình ảnh của một thiếu nữ trên một chiếc ly thuỷ tinh. Điều kỳ lạ ở đây đó chính là, thiếu nữ ấy không phải là một hình vẽ được vẽ lên chiếc ly ấy. Cô dường như có thể cử động và đang sống ở bên trong chiếc ly thuỷ tinh ma quái. Bằng một cách nào đó, Eiri đã đem lòng yêu say đắm thiếu nữ kia, cho đến cuộc chạm trán vào một đêm định mệnh giữa bọn họ. Thiếu nữ ấy giới thiệu rằng tên của cô là Cossette, và cô đã bị sát hại vào thế kỷ thứ 18. Linh hồn của cô từ ấy đã bị mắc kẹt ở bên trong chiếc ly và cô sẽ chỉ được giải thoát khi một người đàn ông sẵn sàng chịu hình phạt mà đáng lẽ ra kẻ đã giết cô phải được nhận. Những gì xảy ra sau đó là một câu chuyện tối tăm, mang khuynh hướng “Goth” khi Cossette thao túng tâm trí của Eiri, sử dụng sự say mê của mình để lôi kéo anh ta vào vòng xoáy tự huỷ, mặc cho mọi nỗ lực giải thoát Eiri khỏi nanh vuốt của Cossette của những người xung quanh. Serie phim mang một bầu không khí vô cùng u ám, tăm tối và có phần đáng lo ngại cho một số bộ phận khán giả. Tập trung chủ yếu vào bản chất của nỗi ám ảnh, sự phục hận, tâm lý đau khổ và sự dễ dàng của việc đánh mất lý trí của bản thân. Ngoài ra,  nhạc nền của phim được sáng tác bởi nhạc sĩ Yuki Kajiura chính là yếu tố giúp phim đạt đến đỉnh điểm của nỗi ám ảnh. YAMISHIBAI : JAPANESE GHOST STORIES Tính tới thời điểm hiện tại, Yamishibai đã phát sóng được tổng cộng 7 mùa kể từ năm 2013. Phần hình ảnh của phim được thiết kế dựa trên phong cách kể chuyện kamishibai truyền thống – một loại hình biểu diễn đường phố, khi người kể chuyện kết hợp giữa lời kể làm phần âm thanh và sử dụng những tấm bảng minh hoạ bằng tay cho mặt hình ảnh để kể nên một câu chuyện hoàn chỉnh. Đa số các tập phim bắt đầu với khung cảnh một nhóm trẻ em tụ tập xung quanh một nghệ nhân kể chuyện kamishibai, đeo mặt nạ, và những cậu chuyện mà ông ta kể về những con quái vật và ma ám. Dù mỗi tập phim chỉ kéo dài vài phút, mỗi tập kể về một câu chuyện ma khác nhau, Yamishibai thường kể về những truyền thuyết đô thị Nhật Bản và những câu chuyện truyền thống. Với tất cả 7 mùa phim được chiếu trên các nền tảng phát sóng, Yamishibai là tựa phim kinh dị

Digital painting là quá trình vẽ tranh trên bảng vẽ điện tử hoặc máy tính bản và tạo ra các tác phẩm nghệ thuật kỹ thuật số bằng máy tính. Các nhà thiết kế và hoạ sĩ có thể sử dụng các phần mềm vẽ tranh được mô phỏng và có chức năng gần như là giống hệt với các dụng cụ của vẽ tranh truyền thống. Rất nhiều nghệ sĩ đã chuyển hướng hoàn toàn qua digital painting vì nó yêu cần ít chi phí hơn về lâu dài, vì vẽ tranh truyền thống đòi hỏi người hoạ sĩ phải bỏ ra rất nhiều tiền để mua được các dụng cụ cần thiết. Thêm vào đó, digital painting là rất cần thiết trong các lĩnh vực hoạt hình, minh họa và các loại hình nghệ thuật 2D khác. Hơn nữa, việc tiếp cận digital painting vào thời buổi ngày nay là vô cùng dễ dàng, vì hằng ngày công nghệ máy tính càng phát triển và được tối ưu hoá tốt hơn cho lĩnh vực này. Máy tính có thể xử lý các nét vẽ nhanh và chính xác hơn rất nhiều. Những công nghệ tiên tiến này cho phép bạn có thể vẽ bằng cách vẽ nhiều layer (tầng lớp) kỹ thuật số khác nhau, chồng chúng lên để tạo thành một sản phẩm hoàn chỉnh. Điều này không hề dễ dàng nếu sử dụng những dụng cụ vẽ tranh truyền thống. Các layer cho bạn sự linh hoạt trong quá trình chỉnh sửa sản phẩm của bạn, vì bạn có thể dễ dàng xoá những layer chưa ưng ý đi và thiết kế lại làm sao cho đạt chuẩn. Cốt lõi của digital painting rất đơn giản : vẫn là vẽ tranh, nhưng bằng kỹ thuật số. Nhiều nghệ sĩ tập trung vào mảng minh họa và phát triển kỹ năng hội hoạ của riêng họ. Số khác làm việc trong ngành công nghiệp giải trí lại tập trung vào những sản phẩm khác như các concept hay những dự án chuyên về hoạt hình. Digital painting không có khái niệm về việc vẽ đúng hay sai. Mọi thứ từ truyện tranh mà bạn đọc trên mạng, thiết kế nhân vật hư cấu hay thậm chí là những bản vẽ đơn giản vui nhộn, tất cả đều có thể vẽ bằng kỹ thuật digital painting nếu người vẽ có bộ kỹ năng phù hợp. Nếu đã có thời gian trau dồi kỹ năng hội hoạ của mình thì bạn chỉ cần duy nhất 2 thứ để có thể bắt đầu học digital painting :  – Một bảng vẽ điện tử hoặc máy tính bảng  – Phần mềm vẽ tranh Một chiếc máy tính bảng/bảng vẽ điện tử chuyên dụng dành cho digital painting là dụng cụ vẽ tranh DUY NHẤT mà bạn cần. Kết hợp với bút stylus, kết nối chúng với máy tính của bạn, từ đó bạn có thể thoả sức vẽ trên bề mặt của máy tính bảng/bảng vẽ điện tử và những nét vẽ ấy sẽ được hiển thị trên màn hình máy tính với độ trễ dường như là không có. Trên thị trường hiện nay có rất nhiều thương hiệu sản xuất những chiếc máy tính bảng/bảng vẽ điện tử, mang lại rất nhiều sự lựa chọn đa dạng cho người tiêu dùng. Các phần mềm hỗ trợ chuyên dùng cho digital painting cũng rất đa dạng, có yêu cầu trả phí hoặc hoàn toàn miễn phí. Adobe Photoshop chính là phần mềm thông dụng và nổi tiếng nhất, nhưng Krita cũng là một lựa chọn không tồi, cung cấp vừa đủ các tính năng nhưng lại hoàn toàn miễn phí. Một khi đã có những yếu tố kể trên, bạn đã sẵn sàng bắt đầu con đường digital painting của mình rồi đấy! Tuy nhiên, có một số kiến thức mà người hoạ sĩ phải lĩnh hội để có thể nắm rõ về digital painting. Đừng quá lo lắng, vì kể cả những hoạ sĩ truyền thống gạo cội có trên 10 năm kinh nghiệm cũng phải dành ra một vài tuần để làm quen và thành thạo các phần mềm và trang thiết bị kỹ thuật số trước khi tạo ra được những tác phẩm hoàn chỉnh được. Quá trình học hỏi này có thể là trở ngại lớn nhất của một người hoạ sĩ nếu quyết định chuyển sang digital painting thay vì lối vẽ tranh truyền thống. Truyện tranh kỹ thuật số cũng đang dần thay thế truyện tranh được in ấn truyền thống, khi ngày càng có nhiều trang web được thành lập để phục vụ độc giả online hơn, và số sách truyện được in thì ngày càng lại ít hơn. Vì vậy, digital painting chính là tương lai của ngành công nghiệp giải trí nói chung và sáng tạo nghệ thuật nói riêng. Đó là chưa kể đến việc một người ở tuổi vị thành niên, nếu có cơ hội được tiếp cận với digital painting tại trường lớp cũng có thể phát triển nên sự nghiệp cho riêng mình và hoạt động trong các ngành công nghiệp giải trí hoặc thiết kế video game. Digital painting có thể mang đến nhiều hướng đi khác nhau cho mỗi dự án nghệ thuật. Có hoạ sĩ sử dụng nhiều layer và cũng có hoạ sĩ chỉ sử dụng một layer duy nhất. Có hoạ sĩ thích sử dụng vô vàn loại cọ và có hoạ sĩ chỉ sử dụng một số cọ mà họ tin dùng. Digital painting còn mang đến một số “lối đi tắt”, giúp người hoạ sĩ có thể tiết kiệm được rất nhiều thời gian trong quá trình sáng tạo. Ví dụ : hoạ sĩ digital painting có thể khoanh vùng một vị trí bất kì trên bản vẽ của họ, chẳng hạn như một bộ phận cơ thể con người hoặc động vật (bất cứ thứ gì). Sau đó, người

Attack On Titan, một câu chuyện đầy ảm đạm đã gây rất nhiều sóng gió trong những năm gần đây đã sắp đi đến hồi kết. Isayama Hajime, tác giả của tác phẩm đình đám này, đang sáng tác những chương cuối cùng của bộ manga, đồng thời mùa cuối cùng của bộ anime cũng dự kiến được công chiếu vào cuối năm nay. Cuộc chiến của Quân đoàn Trinh sát xem ra vẫn còn rất dài và đẫm máu, và một điều chắc chắn rằng dù cái kết có ra sao, chắc chắn nó sẽ không phải là một cái kết có hậu. Dựa trên những dự đoán của cộng đồng fan hâm mộ, sau đây là 5 giả thiết có khả năng xảy ra nhất về cách mà câu chuyện về Titan và Quân đoàn Trinh sát sẽ kết thúc. EREN JAGER SẼ CHẾT Eren Jager, từ lâu trong mắt của khán giả đã là nhân vật chính của Attack On Titan, tuy nhiên dựa trên diễn biến mới nhất của bộ manga, điều đó đã không còn đúng, khi anh đã sa ngã sau khi đoạt được sức mạnh của Titan Thủy tổ. Sau khi du hành thời gian trở về quá khứ cùng với người anh trai Zeke, Eren đã trở thành cá thể có sức mạnh kinh khủng nhất trên toàn thế giới, và thề rằng anh sẽ tiêu diệt bất cứ ai và bất cứ thứ gì không mang trong mình dòng máu Eldia. Dù Mikasa và Armin đã tìm rất nhiều cách để cứu người bạn quan trọng nhất của họ, nhưng dường như cách duy để có thể ngăn cản Eren, chính là phải giết anh ấy. Việc giết đi Eren sẽ đem câu chuyện này lên một đỉnh cao hoàn toàn mới, vì cốt truyện của Attack On Titan từ trước đến nay đều xoay quanh anh và những thành viên trong gia đình của anh. Nếu không bị Quân đoàn Trinh sát giết chết thì vòng đời của Eren vẫn còn rất ngắn ngủi, chính xác là anh chỉ còn 4 năm để sống, vì cha anh đã truyền lại sức mạnh biến thành Titan cho anh. Dù đã được biết đến là một trong những bộ anime đen tối nhất, nhưng chắc hẳn khán giả vẫn chưa sẵn sàng cho sự ra đi của Eren Jager nếu dự đoán trên là đúng sự thật. ELDIA VÀ MARLEY SẼ SÁP NHẬP THÀNH MỘT QUỐC GIA Sự thành lập của Quân đoàn Trinh sát mới đã chứng tỏ rằng, bất kể điều gì cũng có thể xảy ra trong câu chuyện của Attack On Titan. Thậm chí, những thành viên như Armin, Mikasa, Jean, nay phải kề vai sát cánh cùng Reiner, Annie và Titan Ngựa để ngăn chặn kế hoạch diệt chủng của Eren. Dựa trên sự đoàn kết này, rất có thể rằng những hậu duệ của Eldia và công dân Marley, có thể thống nhất và thành lập một Quốc gia hoàn toàn mới. Có thể, chỉ là có thể thôi, Isayama Hajime sẽ làm điều không tưởng và mang đến một cái kết có hậu. CÁC TITAN SẼ BIẾN MẤT Sức mạnh Titan là một khả năng độc nhất vô nhị, và để đoạt được sức mạnh đấy, hẳn người sở hữu cũng biết rõ về cái giá rất đắt mà họ phải trả. Những cái tên như Titan Tiến công, Titan Hình nữ, Titan Khổng lồ và Titan Thiết giáp đều có một tuổi thọ hạn chế như nhau, vì bản thân sức mạnh này gây rất nhiều tổn hại sức khoẻ cho người sử dụng nó. Nếu giả sử, tất cả những người nắm giữ sức mạnh Titan quyết định không truyền lại sức mạnh của họ cho thế hệ sau, chấp nhận cái chết hiển nhiên, và toàn bộ những Titan vô giác khác sẽ bị tiêu diệt hoặc biến mất thì điều đó sẽ vô cùng thú vị nếu hai dân tộc Marley và Eldia quyết định thoả hiệp và đưa Titan đi vào dĩ vãng. TẤT CẢ MỌI NGƯỜI SẼ CHẾT Nếu Isayama Hajime muốn đưa câu chuyện theo hướng đi xấu nhất, rất có thể tất cả mọi người của Quân đoàn Trinh sát, người Marley, người Eldia, tất cả những người đang sống trong thế giới của Attack On Titan và thậm chí kể cả Eren cũng sẽ chết vì kế hoạch diệt chủng của hắn. Cuộc chiến giữa Eldia và Marley đã kéo dài quá lâu, đã có quá nhiều người phải bỏ mạng, và có thể cách duy nhất để cuộc chiến đẫm máu này dừng lại, đó chính là không một ai có thể sống sót để tiếp tục chiến đấu cả. EREN CHẤP NHẬN TRỞ THÀNH KẺ ÁC ĐỂ ĐOÀN KẾT HAI DÂN TỘC Có thể Eren đang có một nước đi tương tự như diễn biến của bộ truyện tranh huyền thoại của nhà DC Comics, khi anh tự biến mình thành một kẻ bạo chúa để hai dân tộc Eldia và Marley có thể tìm được tiếng nói chung, kề vai sát cánh và cùng chiến đấu cho một lá cờ. Điều này rất dễ hiểu và hoàn toàn có thể xảy ra, khi trong lúc anh du hành về quá khứ, anh không chỉ chứng kiến cuộc đời của cha anh mà còn cả cuộc đời kinh hoàng của Titan Thuỷ tổ Ymir, và anh không muốn thế giới phải tiếp diễn như thế, anh cần hai dân tộc đoàn kết với nhau.  * Nguồn: comicbook.com  * Người dịch: Khôi Nguyên  

Ipad pro đã định nghĩa lại khái niệm không gian làm việc của các illustrator, mang lại một trải nghiệm làm việc hoàn toàn mới cho họ.  Tuy nhiên, bảng vẽ điện tử với những tính năng giúp tối ưu hóa việc vẽ vẫn là một sự lựa chọn rất đáng cân nhắc. Hãy tự hỏi bản thân những câu hỏi sau đây truóc khi quyết định mua bảng vẽ điện tử hay Apple Ipad : 1/ Bạn có muốn một phiên bản Photoshop hay Adobe Illustration có đầy đủ chức năng như phiên bản PC hay không? Nếu có, thì bảng vẽ điện tử sẽ phù hợp cho bạn hơn. 2/ Việc có thể vẽ ở bất cứ nơi đâu quan trọng đến mức nào đối với bạn? Nếu thực sự quan trọng và là ưu tiên hàng đầu của bạn, một chiếc Ipad Pro mỏng nhẹ không thể nào phù hợp hơn rồi nhỉ? 3/ Bạn có thích trải nghiệm nhiều ứng dụng di động mới? Nếu có, bạn sẽ có rất nhiều niềm vui khi mày mò với kho ứng dụng hội hoạ dành riêng cho Ipad đấy. Nhưng việc tìm hiểu những công nghệ tiên tiến có phần khó khăn với bạn, thì bảng vẽ điện tử chắc chắn sẽ phù hợp với bạn hơn 4/ Khi chọn mua những thiết bị như thế này, kích thước cũng là một yếu tố hết sức quan trọng, và bạn nên chọn kích thước mà bạn cảm thấy thoải mái khi vẽ nhất. Tốt nhất bạn nên có những trải nghiệm thực tế và chọn ra kích cỡ phù hợp với bạn. Thật đấy, khi đi chọn mua Ipad để vẽ, bạn nên có những trải nghiệm thực tế để đưa ra quyết định đúng đắn nhất. Các địa điểm bán Ipad tại Việt Nam đôi khi cũng đã cài đặt sẵn một số ứng dụng vẽ để bạn trải nghiệm thử đấy. NHỮNG ỨNG DỤNG VẼ TRÊN IPAD ƯA THÍCH CỦA TÔI Đây là một số ứng dụng mà tôi cho rằng bạn có thể sẽ thấy hữu ích trên hành trình digital painting.  – Adobe Fresco  – Adobe Illustrator Draw  – Adobe Photoshop Sketch  – Kyle’s Brush  – Adobe Capture  – Astropad Hãy thử dùng đến những ứng dụng trên để xem chúng có hữu ích cho bạn không nhé. (Nguồn: Anya Kuvarzina, illustrator gốc Nga, hiện sinh sống và làm việc tại Anh Quốc)  * Nguồn bài viết: Medium.com  * Người dịch: Khôi Nguyên         

Có thể nói, phiên bản chuyển thể năm 2020 và bản hoạt hình kinh điển năm 1998 là hai bộ phim hoàn toàn khác nhau. Nhưng đâu mới là bộ phim có nhạc hay hơn, có phân cảnh chiến đấu hay hơn và đâu mới là bộ phim đáng xem hơn? Xem thêm video: Tại đây Với phiên bản live-action mới được ra mắt gần đây, nữ anh hùng Mulan trong truyền thuyết dân gian Trung Hoa đã được Nhà Chuột miêu tả chính xác hơn, nhưng lại khác biệt hoàn toàn so với tác phẩm hoạt hình kinh điển gốc. Dù cả hai bộ phim đều kể về câu chuyện của Mulan, một thiếu nữ vì chữ hiếu với cha đã giả trai, thay cha tòng quân để ngăn chặn quân xâm lược, phiên bản hoạt hình năm 1998 như thể một bộ phim hài kịch, chứa nhiều câu đùa và ca khúc vẫn rất nổi tiếng đến tận ngày nay. Còn về phiên bản live-action năm 2020, các nhà làm phim đã chọn một hướng đi mới cho phim, biến Mulan thành một bộ phim chiến tranh nghiêm túc, gay cấn với những phân cảnh chiến đấu mãn nhãn, nhưng không hoàn toàn giống với phiên bản gốc. Bộ phim hoạt hình năm 1998 được cho ra mắt trong thời kì “Phục hưng” của Disney, báo hiệu sự trở lại của hãng phim trong việc sản xuất những bộ phim dựa trên cá câu chuyện nổi tiếng, giúp hãng thành công về cả mặt thương mại lẫn đánh giá phê bình nghệ thuật. Mulan phiên bản hoạt hình được ca ngợi hết lời nhờ những ca khúc nhạc phim, mang lại một trải nghiệm vui tươi khó lòng cưỡng lại dù chỉ được gói gọn trong vài phút. Ngoài ra, dàn nhân vật được xây dựng đầy sắc màu và sinh động từ những người lính kề vai sát cánh cùng Mulan đến tướng quân Li Shang, tất cả đều gây được ấn tượng sâu sắc với khán giả cũng là một lý do khiên phim nhận được nhiều đánh giá tích cực. Tuy nhiên, vì phim quá khác so với “Mộc Lan từ”, bài thơ gốc mà kịch bản của phim được dựa trên, phim đồng thời cũng nhận nhiều chỉ trích về việc xây dựng thiếu chính xác xã hội Trung Hoa lúc bấy giờ. Phiên bản chuyển thể live-action đã cố gắng xây dựng Mulan chính xác hơn so với “Mộc Lan từ”, nhưng đã phải đánh đổi bằng những yếu tố đã tạo nên danh hiệu cho Mulan trong phiên bản gốc, kể cả những ca khúc và dàn nhân vật phụ. Phim đã được quay theo phong cách kiếm hiệp của Trung Quốc, vẫn kể về hành trình của Mulan thay cha tòng quân để bảo vệ Hoàng đế. Với dàn diễn viên tài năng và hoàn toàn là người Trung Quốc, phim đã có những bước tiến đáng kể trong việc khắc hoạ chính xác văn hoá và xã hội Trung Hoa cổ. Mặc dù cả hai phim đều có những ưu nhược điểm riêng, nhưng sau cùng, chỉ có một phiên bản của Hoa Mộc Lan được khán giả yêu quí. XÂY DỰNG NHÂN VẬT MULAN Có rất nhiều điểm khác nhau giữa việc xây dựng nhân vật Mulan, nhiều người còn cho rằng trong cả hai bộ phim đã kể về hai người phụ nữ khác nhau. Trong phiên bản hoạt hình gốc, nhân vật Mulan được lồng tiếng bởi diễn viên Ming-Na Wen, là con một của cha mẹ cô, hoà toàn chưa sẵn sàng cho những gian nan mà cô sắp phải trải qua. Cô phải đối mặt với nhiều áp lực trong cuộc sống, chẳng hạn như hôn nhân và việc mang lại danh dự cho gia đình cô. Nhờ trí khôn và sự kiên trì, cô đã xuất sắc vượt qua đợt huấn luyện gian nan trước khi đối đầu với quân địch, khiến cô nổi bật trong hàng ngũ binh lính. Tuy nhiên trong phiên bản live-action, Mulan sở hữu những sức mạnh phi thường và bị tẩy chay bởi những khả năng thiên bẩm ấy. Đối ngược với mối quan hệ thân thiết với người em gái, Mulan thường xuyên bị cha mẹ mình hiểu lầm. Cả hai nhân vật Mulan đều sống trong những thế giới mà họ không thể hoà hợp, nhưng Mulan trong phiên bản live-action còn phải đối mặt với nhiều sự ghẻ lạnh hơn, khi dân làng cho rằng cô là một phù thuỷ. Trong khi Mulan phiên bản hoạt hình phải miệt mài xây dựng và định hình vận mệnh của mình thì trong phiên bản live-action, Mulan chỉ cần gia nhập quân đội, và những thứ còn lại trong cốt truyện diễn ra một cách như điều hiển hiển nhiên. Trong phiên bản hoạt hình, Mulan phải nghĩ ra kế hoạch tạo ra một trận lở tuyết để tiêu diệt quân địch, sau đó giải cứu kinh thành khỏi quân xâm lược, từ đó cô mới chứng minh được giá trị của cô là một người lính và người hùng của Trung Hoa. Mulan phiên bản live-action không gây được ấn tượng với khán giả khi kịch bản đã quá lạm dụng khả năng thiên bẩm của cô, và không còn gì để bàn cãi, Mulan phiên bản hoạt hình chính là hình ảnh đã được xây dựng tốt hơn và được khán giả đón nhận tích cực hơn. XÂY DỰNG HÌNH ẢNH CÁC NHÂN VẬT PHỤ Một thiếu sót nghiêm trọng trong Mulan phiên bản live-action đó chính là sự vắng bóng của dàn nhân vật phụ mà trước đây đã quá đỗi được yêu thích của phiên bản gốc, thay vào đó là những nhân vật dường như chỉ xuất hiện với mục đích “cho có”. Ngoài việc cắt hoàn toàn nhân vật tướng quân Li Shang và chú rồng Mushu, toàn bộ những chiến

Qua thời gian, các Hoạ sĩ manga đã mang đến vô vàn những thế giới giả tưởng, cùng với những nhân vật hư cấu mà chúng ta ai cũng biết đến và mến mộ. Ngày hôm nay, chúng tôi sẽ giới thiệu đến các bạn những vị hoạ sĩ manga nổi tiếng nhất và những tác phẩm thành công nhất sự nghiệp của họ. Khi tìm đọc một tác phẩm manga, điều đầu tiên thu hút người đọc chắc chắn là artwork (phong cách nghệ thuật) của người hoạ sĩ. Đôi khi, artwork quá đẹp, quá thu hút thậm chí còn có thể thay thế lời thoại của nhân vật, kể nên câu chuyện của bộ manga ấy. Hoạ sĩ manga, hay mangaka, có trách nhiệm thổi hồn vào tác phẩm của họ, làm cho mỗi tác phẩm đều có những bản sắc và cá tính riêng của chúng. Những mangaka này xứng đáng nhận được sự chú ý và công nhận về kĩ năng hội hoạ và viết truyện của họ. 1/ TÁC GIẢ OSAMU TEZUKA : ASTROBOY Khi nói đến thế giới manga, không thể nào không nhắc đến ông Osamu Tezuka được. Được ví như là một “Vị bố già của manga”, Osamu Tezuka chính là đốm lửa châm ngòi cho cuộc cách mạng manga của đất nước mặt trời mọc, định hướng và tạo cảm hứng cho toàn bộ những tác phẩm manga hiện đại. Song song với tác phẩm đình đám Astroboy, ông cũng từng chấp bút cho nhiều tác phẩm khác, có thể kể đến như serie Phoenix. Đáng tiếc thay, chặng đường của Phoenix đã không được hoàn thiện, khi Osamu Tezuka đã ra đi vào năm 1989. Phong cách nghệ thuật không lẫn vào đâu được của ông rất đặc trưng, được lấy cảm hứng từ chính nhà làm phim hoạt hình huyền thoại, đồng thời cũng là thần tượng của ông, Walt Disney. 2/ TÁC GIẢ NAOKI URASAWA : 20TH CENTURY BOYS Chẳng đáng ngạc nhiên mấy khi cuộc cách mạng manga của Tezuka cũng đã có những ảnh hưởng đến phong cách nghệ thuật của Naoki Urasawa. Tuyện của ông có diện mạo vô cùng đặc trưng và rất riêng, còn về phần cốt truyện thì đã gần như hoàn hảo. Tác phẩm nổi tiếng nhất của Urasawa chắc hẳn là 20th Century Boys. Truyện theo chân chàng thanh niên trẻ Kenji Endo và những người bạn đồng hành của anh trong cuộc hành trình ngăn chặn một nhà lãnh đạo giáo phái dưới cái tên là “Bạn”, khi hắn âm mưu xoá bỏ toàn bộ ký ức thời thơ ấu của họ. 3/ TÁC GIẢ KENTARO MIURA : BERSERK Tác phẩm Berserk của Kentaro Miura, qua bao năm tháng, vẫn được đánh giá là một trong những manga tàn bạo và đẫm máu nhất mọi thời đại. Artwork của ông luôn thành công trong việc để lại sự kinh ngạc trong tiềm thức của độc giả, với những bản vẽ vô cùng bạo lực nhưng lại có độ chính xác cực cao và vô cùng thực tế. Miura rất giỏi trong kĩ năng đánh bóng, đôi khi khiến độc giả phải dành nhiều phút chỉ để chiêm ngững từng trang vẽ của ông và trân trọng sự công phu ông dành cho mỗi bức vẽ của mình. 4/ TÁC GIẢ HIROHIKO ARAKI : JOJO’S BIZZARE ADVENTURE Phong cách nghệ thuật của Hirohiko Araki có thể được xem là một phong cách vẽ manga độc nhất vô nhị trong giới mangaka. Gương mặt của từng nhân vật đều có những nét rất riêng, đặc trưng nhất là đối với các nhân vật nam giới, khi họ vừa có nét nam tính, nhưng đồng thời lại có những diện mạo “lộng lẫy”. Jojo’s Bizzare Adventure là một ví dụ điển hình của phong cách vẽ manga “rung động” của Araki. Thật may thay, bộ manga này đã cho ra lò phiên bản có màu, và giờ đây bạn có thể tận hưởng thế giới tâm linh này qua artwork sinh động và sắc màu hơn. 5/ TÁC GIẢ JUNJI ITO : TOMIE Nếu đã là fan của thể loại kinh dị, hẳn bạn sẽ rất quen thuộc với những tác phẩm của Junji Ito. Được xem là ông hoàng của dòng manga thuộc thể loại kinh dị, mang đến những tác phẩm có thể làm kinh hãi những độc giả có tinh thần sắt đá nhất. Không khai thác những chủ đề kinh dị kinh điển như ma cà rồng hay zombie, ông tập trung vào việc tạo ra những truyện tâm linh mà sẽ ám ảnh người đọc. Phong cách vẽ của ông cũng là một yếu tố khiến mọi độc giả khi thưởng thức tác phẩm của ông cũng phải nổi da gà vì sự ghê rợn của nó. 6/ TÁC GIẢ SUI ISHIDA : TOKYO GHOUL Bằng cách kết hợp màu nước vào tranh của mình, Sui Ishida đã thành công trong việc tạo nên một phong cách nghệ thuật mãn nhãn và khó quên. Bìa của các tập truyện Tokyo Ghoul luôn mang vẻ mờ nhạt và bụi phấn, đối nghịch hoàn toàn với cốt truyện u ám và đẫm máu. Màu nước do Sui Ishida sử dụng sau khi được in ấn và xuất bản sẽ có phần khó nhận biết hơn so với sản phẩm gốc, nhưng artwork và cốt truyện vẫn rất đáng được đề cao. 7/ TÁC GIẢ GO NAGAI : DEVILMAN Trong quá khứ, Go Nagai đã được xem là một trong những mangaka vướng phải nhiều tranh cãi nhất. Ông kết hợp phong cách vẽ vô cùng ngây thơ với những chủ đề bạo lực và mạo hiểm. Tuy nhiên so với tiêu chuẩn của manga hiện đại, tác phẩm của ông đã không còn nhận nhiều chỉ trích như trước nữa. Devilman chính là bộ manga nối tiếng nhất của mangaka này. Truyện kể về một thiếu niên bị ám

Tác phẩm đình đám nhất thị trường phim anime năm 2016 của đạo diễn Makoto Shinkai có thể được xem là một trong những phim anime hay nhất mọi thời đại. Với thời lượng kéo dài 1 tiếng 52 phút, khán giả đã hoàn toàn bị cuốn vào một câu chuyện đầy phép màu. Tác phẩm ra mắt vào năm 2016 tính đến ngày nay đã được 4 năm. Phim đã phá vỡ nhiều kỉ lục doanh thu phòng vé thị trường nội địa Nhật Bản và toàn cầu. Nhiều người cho rằng, Your Name chính là tác phẩm xuất sắc nhất của đạo diễn Makoto Shinkai, số khác cho rằng đây là phim anime hay nhất mọi thời đại. Your Name đã khơi dậy được nhiều xúc cảm của người xem mà nhiều bộ phim khác ngày nay khó lòng thực hiện được. Phim tạo nên một câu chuyện tuyệt đẹp dựa trên sự khao khát và những mất mát, và đó là còn chưa kể đến mặt hình ảnh trên cả tuyệt vời. Nhiều bộ phim khác khai thác vào những cảm xúc dễ bộc lộ của khán giả, nhưng Your Name lại khơi dậy những cảm xúc mà bạn không có. Câu chuyện ấy được kể thông qua hai nhân vật chính của phim : Taki Tachibana và Mitsuha Miyamizu. Shinkai nổi tiếng trong lòng người hâm mộ, là một bậc thầy trong việc kể về những cuộc tình “tràn đầy sóng gió”. 5 Centimeter Per Second (2007) và The Garden Of Words (2013) là những câu chuyện tình điển hình khác của ông, được ông lột tả xuất sắc và lấy trọn nước mắt người xem. Với hai bộ phim này, sự mất mát càng được ông truyền tải sâu đậm hơn, khi những câu chuyện tình trên không hề có kết thúc “có hậu” như bao bộ phim tình cảm khác. Về nhiều khía cạnh, Your Name đã được kế thừa khá nhiều tinh tuý từ những tác phẩm trước của Shinkai. Vậy, điều gì đã khiến nó trở thành một huyền thoại đối với cộng đồng người hâm mộ anime nói riêng và cộng đồng thế giới nói chung? Nếu có một cái nhìn bao quát về nội dung của phim, Your Name thực chất khai thác một ý tưởng không mới, kể về quá trình hoán đổi thân xác của một đôi nam nữ. Đây cũng là nền tảng để Shinkai khai thác và bỏ những chất riêng của ông vào. Mitsuha là một thiếu nữ vùng nông thôn, cô chán ghét cuộc sống tẻ nhạt vùng quê và sẵn sàng đánh đổi mọi thứ để có thể trải nghiệm cuộc sống tấp nập nơi thành thị. Mặt khác, Taki lại là một thiếu niên có được cuộc sống tại thủ đô của đất nước mặt trời mọc, Tokyo. Phép hoán đổi thân thể trong Your Name có một quy luật, rằng sau khi quá trình hoán đổi diễn ra và khi ai cũng trở về lại với thân xác của người ấy, cả Mitsuha và Taki sẽ không có kí ức về những gì đã diễn ra trong quá trình hoán đổi. Và từ ấy, những cảm xúc chia ly và mất mát dần được bộc lộ rõ rệt hơn. Nếu cũng chỉ như bao bộ phim có cốt truyện tương tự, khi các nhân vật chính phải lòng nhau do sự hoán đổi thể xác và đến được với nhau, thì Your Name cũng chẳng có gì đặc biệt cả. Nhưng, Shinkai đã muốn câu chuyện này của ông đi theo một chiều hướng mới. Không chỉ kể cuộc sống bị đảo lộn của hai nhân vật chính, ông còn muốn kể về quá trình mà hai người họ đi tìm nguyên nhân của hiện tượng hoán đổi này. Con đường của Taki và Mitsuha bị xé làm đôi, khi phim thường xuyên đem đến những tình tiết và ngã rẽ đầy kịch tính. Phân đoạn đầu của phim chủ yếu kể về khía cạnh phép thuật của phép hoán đổi thân thể và tình yêu được vun đắp từ đó của hai nhân vật chính. Phần còn lại của phim đưa khán giả lên một tầm cao mới, trải nghiệm những cung bậc cảm xúc khó tả, khác hoàn toàn những bộ phim tình cảm thông thường. Một bộ phận khán giả lại cho rằng, khía cạnh tình yêu giữa Taki và Mitsuha còn không phải là cốt truyện chính của bộ phim. Đó là bởi vì câu chuyện của cuộc tình này được đan cài vào cốt truyện một cách rất liền mạch mà tự nhiên, không hề có một sự gượng ép nào. Mặc dù người xem đã rất kì vọng vào một cái kết đẹp, nhưng tất cả đọng lại trong họ chỉ là cảm giác mong mỏi. Your Name đơn giản là một bộ phim, kể về thứ cảm xúc mà ta thường có khi ta đang tìm kiếm một thứ gì đó. Nó kể về thứ cảm giác khi bạn lần đầu gặp một ai đó, nhưng vì một lí do nào đó, bạn lại có cảm giác bạn đã gặp người ấy từ trước. Shinkai có thể khơi dậy cảm xúc ấy của người xem bằng ba yếu tố. Điều đầu tiên chính là cốt truyện của phim (như đã giải thích trên). Điều thứ hai là artwork và cuối cùng chính là âm nhạc. Chân thật mà nói, mặt hình ảnh của Your Name được chau chuốt rất kĩ lưỡng, và có thể nằm trong top những phim anime xuất sắc nhất về artwork. Ngoài việc thành phố Tokyo được vẽ vô cùng chân thực, mỗi khi cốt truyện chuyển hướng theo những ngã rẽ kì diệu thì artwork cũng làm điều tương tự. Có một số chi tiết gợi nhớ về những tác phẩm trước của Shinkai, nhưng quan trọng hơn, mặt hình ảnh cũng đã bộc lộ một khía cạnh khác

Trải dài từ Nam Phi đến tận Canada, các nghệ sĩ đang không ngừng nghỉ cống hiến sức sáng tạo của mình, tạo ra các tác phẩm truyền cảm hứng cho mọi người cùng chung tay chống lại dịch bệnh toàn cầu này. Link video: Xem tại đây Đại dịch COVID-19 đến nay vẫn đang diễn biến vô cùng phức tạp, khiến phần lớn dân số thế giới vẫn đang sống trong tình trạng cách ly xã hội –  bao gồm những thành viên của cộng đồng nghệ sĩ quốc tế. Mặc dù một số nghệ sĩ ổn với việc làm việc tại gia một mình, nhưng cũng có phần lớn các nghệ sĩ khác cần đến những sự tương tác thân mật giữa người với người và những kích thích thị giác của thế giới bên ngoài để truyền cảm hứng cho họ trong công cuộc sáng tác. Trong bối cảnh sự tương tác trực tiếp của con người và việc đi lại giữa các nơi vẫn còn bị hạn chế nghiêm ngặt, một phần các nghệ sĩ đã phải tìm đến những thứ “bên trong” để làm nguồn cảm hứng. Đó có thể là lục lại những mảng ký ức từ sâu trong tiềm thức, hoặc tạo ra những thế giới và cảnh quan hoàn toàn dựa trên trí tưởng tượng, và từ đó rất nhiều tác phẩm phi thường được sinh ra dựa trên đề tài dịch bệnh COVID-19 này. Nhận ra tiềm năng của giới nghệ sĩ trong thời buổi cách ly, kênh CNN nổi tiếng đã gửi yêu cầu đến 9 nghệ sĩ ở nhiều thành phố lớn khác nhau trên toàn thế giới, tất cả vẫn đang sinh sống và sáng tạo trong tình trạng cách ly, tạo ra những tác phẩm nghệ thuật phản ảnh những khía cạnh trong cuộc sống bị đảo lộn bởi dịch bệnh toàn cầu này. Sau đây, mời các bạn chiêm ngưỡng thành phẩm của họ, và cùng xem họ chia sẻ về quá ý nghĩa đằng sau những tác phẩm của họ nhé! TORONTO, CANADA : NGHỆ SĨ GARY TAXALI “Được ở trong nhà, chiềm đắm vào sáng tác nghệ thuật là niềm hạnh phúc thuần khiết” – Gary Taxali Đại dịch đã khiến mọi người có một cuộc sống “nội tâm” hơn bao giờ hết do đại đa số vẫn đang sống trong tình trạng cách ly xã hội. Đây có lẽ như là một nhịp sống không mấy dễ chịu đối với những người hướng ngoại. Bản thân là một nghệ sĩ, tôi cảm thấy mái ấm của mình chưa phải là nơi tệ nhất để dành toàn bộ thời gian vào, vì đa số các tác phẩm của tôi đều được tôi sáng tác ở nhà của mình. Được ở trong nhà, chiềm đắm vào sáng tác nghệ thuật là niềm hạnh phúc thuần khiết. Không gì tốt hơn cảm xúc này. Nhưng việc ở trong nhà một thời gian dài cũng là nguyên nhân tạo ra sự bất an khi mọi người mất đi sự tương tác với thế giới bên ngoài và khả năng giải lao sau thời gian làm việc mệt nhoài. Vô số những thứ nhỏ nhặt bên ngoài đóng vai trò như những chất xúc tác cần thiết trong phong cách nghệ thuật của tôi. Dù đó có thể là một cuộc trò chuyện mà tôi nghe lỏm được, một tấm biển vẽ tay trên tường nhà đẹp một cách lạ thường, hay thậm chí là một bông hoa nở rực rỡ bất chấp mối nguy hiểm bị chà đạp từ vết nứt của vỉa hè – danh sách nguồn cảm hứng là vô tận. Từ đó, thứ duy nhất tôi cần tiếp nối và tận dụng là những mảng kí ức về những trải nghiệm ấy. Vì thế, tôi có một lòng biết ơn và trân trọng đặc biệt cho những sự vật và sự việc của thế giới bên ngoài. MOMBASA, KENYA : NGHỆ SĨ ANTHONY MUISYO “Đây đã là khoảng thời gian tự suy ngẫm – ngẫm về và hiểu được thế giới mà tôi muốn sống” – Anthony Muisyo Vurugu trong tiếng Swahii có thể hiểu nôm na là hỗn loạn – hỗn loạn được định nghĩa bởi hiểm hoạ mà nhân loại chưa từng phải đối diện, đại dịch COVID-19. Khoảng thời gian bất thường này hẳn đã hình thành một cái gai nhọn trong tiềm thức của chúng ta,  gia tăng nỗi lo âu. Tôi tin rằng đây là một cảm giác mà đại đa số nhân loại đang nếm trải, và đã cố gắng ghi lại nó trong tác phẩm này. Trong thời gian hoàn thiện tác phẩm, tôi đã có cơ hội nhìn vào nội tâm và thắc mắc về những hệ thống mỏng manh, thứ xây dựng nên xã hội bây giờ. Đây cũng là cơ hội giúp tôi nhận thức được đặc ân của mình và tôi nhận ra không cách này thì cách khác, tôi luôn có thể làm tốt hơn trong việc giúp đỡ phát triển xã hội. Tôi sử dụng những sắc màu tối và trang nghiêm, từ đó phản ánh được những thực tại trong thời điểm dịch bệnh này. Dần dần, tôi càng nhận ra vai trò của việc sử dụng đúng gam màu sắc trong việc truyền tải cảm xúc và đối với tác phẩm này, những màu sắc tôi đã chọn giúp làm nổi bật tính hai mặt của một thực tại đen tối và một tương lai đầy ắp hi vọng, một tương lai được sinh ra sau một khoảng thời gian chết chóc mà ai cũng phải trải qua, nhưng đó là một tương lai “ưu tiên cho nhân loại”. Đây đã là khoảng thời gian tự suy ngẫm – ngẫm về và hiểu được thế giới mà tôi muốn sống, để đánh giá sâu sắc và trân trọng gia đình và những mối quan hệ xã hội mà tôi có được,